素描基础教程(txt+pdf+epub+mobi电子书下载)

作者：红方,郭欣

出版社：中国传媒大学出版社

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素描基础教程试读：

素描是造型艺术的重要基础。由于它是美术中最单纯的造型形式，所以成为每位习画者和美术爱好者基础训练阶段的必修课程。在学习素描的过程中，我们可以培养造型能力和艺术素养，是对自身进行高层次的形象思维训练。

长期以来，素描的教学主要侧重于培养造型能力，训练基本功。即以锻炼观察和表现物象的形体、动态、结构特征和明暗关系去显示物象的形体特征，揭示素描包含的绘画造型所具备的基本规律。借助于长期的素描训练，掌握造型的基本法则，被认为是造就画家专业技巧的重要内容。

而随着艺术设计专业在中国的不断发展，古老的素描认知与教育已经不能满足“设计”的需要，近年来，高校教育中以“设计素描”为课题的教学，已经说明了现代化的教学模式及教学者、艺术家们对于素描的实际运用方面的多方位思考、研究、探索和实践。

作为造型基础的技能方面，学者要学会观察（眼）、表现（手）、构想（脑）的协调性，并最终确定以对形体与空间的认识为基础的造型观念，这是素描长期以来的学习目的。作为基础及艺术造型素描方面，学习素描在于培养独特的艺术观念、创造性的思维方法和高品位的审美眼光。这里要更加强调的是主观性的思维能力，是素描的发展在现代教学中的应用。当然，这也只是在一个时间阶段对素描的探索，如果用发展的眼光来考究，那还有待于进一步的深入和完善。第一章素描基础知识第一节 素描基本概念一、何谓素描

为了给素描下一个较为准确的定义，我们查阅了大量的资料，收集各种对素描的理解。让我们惊讶的是，由于不同时期、不同地域的影响，对于素描概念的认知有许多方面的论述。这里列出几条比较常用的定义，帮助我们全面理解这一概念：

1.用木炭、铅笔、钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一[1]个阶段。

2.素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，工具有如蜡笔、炭笔、钢笔、画笔、墨水及纸张，其他还包括在湿濡的陶土、沾了墨水[2]的布条、金属、石器、容器或布的表面所造成的磨损。

3.素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形[3]式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。[4]

4.在《西洋美术辞典》这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项。文中认为作品或作品部分的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨，它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画的速写、素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为将来重新作画时的构思做准备。

我们可以看出，这些概念是不同方面的，基本内容也是大相径庭。总的来说，我们将素描分解为：素描（DRAWING）、设计（DESIGN）、速写（SKETCH），只是各自所突出的方面不同而已。

素描随着社会发展的需要，形式日益多样化，用途广泛。素描除了艺术的自身特点外，在各种传播媒介（电视、广告、动画、设计等）、生产产品设计、教育、科研等部门都经常需要用素描做辅助工作。素描作为独立的艺术创作体裁已有悠久的历史。它可分为习作性素描和创作性素描。习作性素描包括各种基本练习素描和辅助性学习素描。习作性素描的各种基本练习主要是通过写生的方式，对物象的形态、变化进行观察、分析和研究，在实践中培养观察能力和艺术表现能力，并借以理解造型艺术的某些规律。习作性素描除了长期和短期的写生之外，还有速写、默写等练习（见图1、图2、图3、图4）。不论是创作性素描，还是习作性素描，都包括思考认识和表现技术两个部分。

素描是美术创作的造型基础，素描基本练习与创作相结合。素描基础练习主要是为创作完成打下表现技术的基础，提供思想认识的基础，并为创作收集素材。作为素描的练习要有严格性的表现：思路明确、观察正确、形体结构准确、表现完整及精神实质深刻。学习素描要有创作性的努力方向，力求用自己独特的艺术语言，表现自己的观察和感受；要有诚实而谦逊的学习态度及探索精神，在正确的艺术思想指导下来发挥个性。这就要求学生用扎扎实实、深厚稳健的素描功底来锻炼自己的德与才。[1] 见《艺术家杂志》。[2] 见《艺术视觉百科全书》。[3] 见《不大列颠百科全书》。[4] 台湾雄师图书公司出版。二、素描概念的理解

将素描以中国文字概念细化来讲，“素”，可以解释为本色、白色或颜色单纯；“描”，即描绘，二者结合在一起，即为素描。素描的范围很广，泛指一切单色绘画。具体而言，素描就是用某种单色的线条或明暗的调子来表现对象的绘画。它是一种朴素的绘画。从狭义上讲，素描专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练课程。

素描是相对于色彩描绘而言的。任何物体在光的作用下，都会呈现一定的色彩。为了正确地理解形体，同时为了造型的方便，往往有意避开色彩，只是用单色的线条或黑、白、灰不同层次的明暗调子来塑造、描绘形体。如同黑白照片，它能更客观地表达对象的本质特征、形体结构和空间位置等。图1 坐着的裸体青年/伦勃朗图2 圣赛巴斯提安（基督教的殉教者）/提香图3 写作中的托尔斯泰/列宾图4 自画像/达·芬奇图5 学生作品/简单静物组合图6 风景/郭欣

在学习素描时，我们所要掌握的是正确、真实、充分地表现对象，同时生动、艺术地概括对象，如果能达到科学与艺术、内容与形式的完美统一，也就把握了素描的核心。对于初学者来说，最关键的问题在于要忠实于对象的写生，即忠实于对象本质的刻画、忠实于从对象实际出发的真实感受。第二节 素描的种类及地位一、素描的种类

素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。素描的种类很多，可以从不同的角度来划分。（一）根据绘画工具划分

素描的工具种类很多，在后面的文字中我们会有具体的介绍。我们可将素描划分为：铅笔素描、炭笔素描、钢笔素描、毛笔素描等。（二）根据绘画题材划分

素描的题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物；到19世纪出现了以日常生活为题材的素描；20世纪的素描主要是反映不安、动荡的社会和科学进步的；超现实主义者的素描着重表现潜意识心理，表现主义画家追求表现一个场面的感情，而不是描绘事物的现实外表（在这类画中，主要体现在X射线的技法上，即同时看到外部和内部）；而文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明；与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性画面，并由此发展成连环画，进而演变成现代卡通动画片。

总的来说，可概括为：静物素描、动物素描、风景素描、人物素描、石膏模型素描、场景素描等。（三）根据功能划分

我们可以将各种形式的素描划分为实用素描、技术素描和意向素描等。

实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不审美，而是突出技术设计。技术素描包括为科学目的而作的插图与说明，很多艺术家都作过科学说明的素描，如对机械零件的描绘及内部结构的阐述。而意向素描着重体现作者的情感，不一定描绘事物的现实外表，但它同样能给人启发，作者对物象的幻想就有可能成为某物体的设计。（四）根据表现方法划分

根据表现方法可分为结构素描、明暗素描等。

结构素描，又称“单线素描”或“勾线素描”。在观察方法上，以排除自然光线对物象的直接影响，以研究物象本身结构为中心；在表现方法上，以线为主来塑造形体，通过线的粗细、浓淡、虚实、长短、曲直、刚柔、疏密的变化来表现对象的形状、结构、体积、质感和空间等变化。结构素描要求严谨、明确地表现形体的基本结构关系。

明暗素描，又称为“调子素描”或“光影素描”，主要特征是在固定的光源下，用明暗调子来控制形体的结构关系、透视关系和空间关系，并通过调子的明暗变化来塑造形体。需要体现出对象的立体感、空间感、质感和光感等，是一种比较复杂的绘画方法，具有较强的直观效果。

当然，素描还有很多的划分种类，比如创作性与习作性素描、具象与抽象素描等等，这里就不逐一列出，待学习者在素描学习和素描作品欣赏中去体会。二、素描的地位（一）独立的地位

从美术史的学习中我们可以得知，经过漫长的时期，素描由最初的附属品发展成为现在的一门独立的艺术，由实用品演变成为了能代表人类创作能力的艺术品，具有独立的地位和价值。（二）是其他艺术的必然基础

1.造型艺术的基础

艺术造型不只是塑造静止的、孤立的物体形态，更重要的是表现物体中各种形式的有机关系。面对一个物体，需要把人的思维方式和操作方式恢复过来（这是一种根据客观存在的联想），同时也需要研究自然物体的形式特点和认识它的变化规律及条件，这样才能掌握艺术造型的方法。实践证明，素描是解决这些造型问题的最佳途径。因此，它被称为“造型艺术的基础”。

2.学习美术必然要从素描基础开始

素描是造型艺术中的一门基础学科，决定它必然要成为其他艺术的基础，尤其是水彩、油画、雕刻（浮雕）；另外对于建筑设计、平面设计、园林设计等，也是画草图的必要基础，因为所有的这些学科都包含着大量的造型艺术因素。

虽然素描被视为是两度空间（二维空间）的艺术，不需要颜色及第三度空间（三维空间），但它却能同时暗示这两者。例如两个线相交所构成的角形，可以被认为是某一平面的边界，但再加上第三条线就可以在画面上产生立体感。（三）特殊性

素描可以作为复制或摹写的基础，从一幅作品的开始便存在；而它同时也可以是画家工作的最后成果，但以它的性质而言，它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素描却是一切观赏艺术的基础。因为素描在于培养正确地观察、分析、综合对象，并把它生动、形象地表现出来的能力，提高艺术修养。当它不再是一种技术准备工作而独立出来后，有着广泛的表现范畴：能表现体积、空间、深度、实质动作和情感。这时，它已不仅具有实用地位，也成为能代表人类创作能力的艺术品。第三节 透视原理

透视是绘画中不可缺少的因素。掌握一定的透视知识，可以帮助我们正确地表现物体的距离和形体结构比例，提高观察、判断能力。对初学者来说，了解一些透视的基础原理是必要的。一、透视中常用的基本术语（一）视点

视点是指画者眼睛的位置。（二）基面

基面是指地面、平面、桌面等水平的画面。（三）视平线

视平线就是与画者眼睛平行的水平线。（四）心点

心点是指画者眼睛正对着视平线上的一点。（五）视中线

视中线是视点与心点相连、与视平线成直角的线。（六）天点

天点是近高远低的倾斜物体（房子房盖的后面），消失在视平线以上的点。（七）地点

地点是近高远低的倾斜物体（房子房盖的后面），消失在视平线以下的点。（八）消失点

消失点又称“消点”、“灭点”，就是与画面不平行的成角物体，在透视中伸延到视线心点两旁的消失点。可以简单地理解为由两条平行的水平直线通过透视朝远处伸延，越远越靠拢，最后交于一点，即为消点。二、透视的种类

透视可分为平行透视、成角透视、倾斜透视、散点透视、空气透视、空间透视和色彩透视。后三种透视都是通过空气和空气中灰的作用而产生的视觉感受。（一）平行透视

平行透视又称“一点透视”，是说立方体放在一个水平面上，前方的面（正面）的四边分别与面纸四边平行时，上部朝纵深的平行直线与眼睛的高度一致，消失成为一点，而正面则为正方形（见图7）。图7 平行透视（二）成角透视

成角透视又称“两点透视”，以立方体为例说明其概念：把立方体画到画面上，立方体的四个面相对于画面倾斜成一定角度时，往纵深平行的直线产生了两个消失点。在这种情况下，与上下两个水平面相垂直的平行线也产生了长度的缩小，但是不带有消失点（见图8）。图8 成角透视（三）倾斜透视

我们在仰视或俯视高大建筑时，建筑物的垂直会产生倾斜的感觉，这是“倾斜透视”效应。倾斜透视又称为“三点透视”，是指立方体相对于画面，其面及棱线都不平行时，面的边线可以延伸为三个消失点所形成的透视（见图9）。图9 倾斜透视（四）其他透视

平行、成角及倾斜透视都是通过消失点的多少来分类的。散点透视也同样，只是它不受视点和停点（视点向下做垂线与地面的交点）的限制，这种透视多用于中国画中。空气透视是以明度差异表现空间深度的变化；空间透视是用强弱虚实的变化表现空间深度的效果；色彩透视是用色彩纯度的差异变化来表现空间距离的远近变化。三、透视的规律

在素描中最基本的形体是立方体。素描时，大多以对三个面所进行的观察方法来决定立方体的表现。另外，利用面与面的分界线所造成的角度，也能暗示出物体的深度，这就涉及到透视规律。

透视规律是在长期的写生练习中逐渐总结出的，当然也必须在实践中得以证明与运用。我们所能体会的简单的透视规律，如等长的物体，越远就显得越短；等宽的物体，越远就显得越窄；等粗、等大的物体，越远就显得越细、越小等等，总结在一起即是“近大远小”原则。这个原则可以演变出更多的规律，如透视变化的规律。在作静物画时，离画者较近的物体，透视明显；而远时，变化则越弱等等。

需要特别指出的是垂直圆的透视。垂直圆的透视是一个椭圆，椭圆的最长直径只有一条，而且永远垂直于椭圆的中心轴。垂直圆产生变化后，长轴与基面不垂直，这时才会产生透视变化。也就是说，当中心轴垂直于画面时，垂直圆就不会产生透视变化。

透视规律的应用是理论与实践的结合，我们说“形”塑造得正确与否，主要是依据透视原理而定。初学者在透视上常容易产生误解，要不断进步，要通过观察、练习不断总结其中的规律。当画面给人的感觉舒服、合理、平稳的时候，画者就算是悟出了透视的基本原理（见图10）。图10 静物写生以俯视的角度绘画，通过地面的透视来达到平衡。第二章素描的要素

我们在欣赏绘画及评论一幅素描作品时，没有一个正确的标准，但大致上可以从构图、物体形体、结构、轮廓、比例、明暗、立体表现（空间感、体积感、质量感）等几个方面来看。除了某些画家刻意地去追求对某一方面的突出外，对于初学者以及学生而言，在写生习作中，都应该全面、综合地反映客观对象。因此，理解素描的要素及掌握表现形式便显得尤为重要。第一节 素描的常用术语一、形体“形”是指物象的形状，即物象的形体特征，如圆形、方形、三角形等。“体”是指物象的体积，突出的是空间存在。“形”与“体”是联系起来讲的，所有的物象都是有“体”才有“形”，这样说也就凸显了它的空间存在。宇宙间的一切物体都是由它的高度、宽度和深度混合而成，即三维空间。因此在观察及描绘对象时要用立体的眼光及思维去理解“形”、“体”。任何形体都具有它自身的构成因素，形体是由结构和它的作用决定的。作画不能模仿形体，须对物体结构加以理解和熟悉（如动物有动物的结构，人物有人物的结构），才能获得真实的表现。结构是指物体是如何结合构成的。分析、研究物体的结构关系及构成规律，是素描训练中理性认识的初级阶段，通过这一阶段，才能分析物体的“形”、“体”及运动中产生的变化是否合理、准确，使形体得到充分准确的表现。但结构关系的准确不能代替形体的准确（见图11）。二、轮廓

在用素描作画时，常会提到轮廓线。物体的轮廓表现出它的外形及结构特征。塑形是找到轮廓线，造体则是将内外轮廓结合起来表现体积。素描中“塑造形体”就是围绕着轮廓的明确性、正确性来进行的。内外轮廓的组成部分是互相转化的（如画正面人像，耳朵是外轮廓，鼻子属内轮廓，若改侧面则相反），不要只抓住外轮廓而忽略内轮廓。只要发现轮廓有问题，必须去更改。所以轮廓始终贯穿于整个绘画中（见图11）。图11 形体与结构三、构图、比例、平衡（一）构图

构图是画面结构各种关系的总体，是画者依照经过设计的格式，将客观对象的各部分进行配置，按照一定的比例或重复的体系安排在画面中的艺术。

素描写生的构图形式多样，初学者往往会忽略构图的重要性，这里，要说明构图中需要注意的几点问题。

1.写生对象主体的范围大小应与画幅尺寸相适应。画得过大、过小会影响画面效果。物体在画面中的摆放应遵循上紧下松的视觉特点，如静物写生中，画面上面的空间略紧些，物体可较集中些；下面的空间放松些，不宜画过多的物体。同时要注意物体的大小对比、摆放方式，使物与物之间有协调的感觉。等大的物体放在一起会影响主次；排列成直线构图会显呆板，没有空间纵深感。

2.同一对象，由于视点的不同，构图会有变化，主要是体现在轮廓位置关系的确定上，但色调的深浅和线条疏密变化等因素同样影响构图。要做到构图准确，在勾画轮廓时就应注意主次、虚实、远近大小、参差关系、明暗关系等变化对比。从落第一笔开始，就考虑着整体发展，这是一个良好的构图习惯，培养这种习惯在作素描速写过程中显得尤为重要。

3.西方的素描是比较严谨的，而中国画更多地是追求“意境”。构图在我国传统画论中称为“置阵布势”，是强调“势”的体现。而“势”是通过动感来体现的，这就要求“险”与“稳”的结合。例如：画山需要上轻下重的感觉，求“稳”；而生动感的体现是由线条的走向和疏密决定的，求“险”。图画中的“落笔”也很讲究，签字题名不能喧宾夺主，破坏构图，而应更加造“势”，有时呆板的画面或许因为“落笔”而显得生动。构图运用各种对比，达到变化统一。如宾主、虚实、远近、大小、明暗、浓淡、简繁、疏密、藏露等对比变化统一，并有所侧重，为了使构图更有把握，画者应从中择取。（二）比例

比例显现的是一部分跟另一部分或整体在量或尺寸方面的关系。物体本身的长度、宽度、深度也具有一定的比例。在作画时，要注意各部分之间的比例，才能准确地表现整体关系。有时，刻意地突出或缩减某一个体或部分的比例，有助于突出主体，表现生动。但初学者不宜使用这个方法，应遵循客观规律，不应过早放任主观意识发挥。在素描写生时，必须正确理解比例关系，同时要有意识地锻炼自己对比例关系的敏感能力，准确理解比例关系。我国人体的长度通常为七个到七个半头长，我国民间也形成“立七坐五盘三半”这一比例说法（西方国家一般认为是七个头长）。它可以帮助我们确定素描中具体人物的比例关系。但每个人的形体特征不同，必须做客观分析、具体观察，才能掌握对象的具体比例特点。在素描写生中，先找准正确的比例关系，从大到小，由近及远，先从大比例的关系确定开始，逐步深入到局部细小的比例关系。如画站立人物，首先应确定头脚两端的位置界限，接着就要明确人物上下两部分的中心点，然后根据身长确定肩的宽度和头的大小。只有在头的大小与身长协调后，才能确定五官大小的比例（见图12）。图12 人体比例（身长七个半头）（三）平衡

1.画面的平衡在构图上体现为轻与重、主与次、大与小的对比。一般来说，主体物给人以重的感觉，放在画面偏上的位置，偏大容易引起视觉关注。在旁边亦有“轻”或小的物体做陪衬，构成完整的画面。

2.在明暗关系上，黑、白、灰达到协调是一种色感平衡。暗色旁边也有亮色辅助，而灰色调能调整整个画面调子，使之达到统一的效果，这种传统的表现技法让人感觉变化丰富。而强对比的素描打破视觉平衡过渡，只留黑、白，而黑白对比多而细腻的部分会形成灰色部分，稍大面积的黑白对比块面能给人更强的视觉冲击。这是一种比较强烈的表现技法。

3.在质感上去追求平衡，要求粗中有细，柔中有刚。不宜将质感相同的物体在同一画面中显现。特别是对于初学者来讲，质感太相似、相同或质感太杂的物体放在一起会较难表现，宜由浅入深，由易到难。四、明暗

明暗是表现物象立体感、空间感的有力手段，对其真实地表现对象具有重要的作用。

明暗现象的产生是光线作用于物体的反应，建立在物理光学的基础上。没有光就不能产生明暗。倘若光线射在某一立体物体上，就不难看到不同的明暗现象。由此可见，明暗现象的产生，是物体受光线照射的结果。

光源照射下物体的明暗变化，是由各类物体都具有吸收一部分色光、反射一部分色光或透过某些色光的能量大小，以及物体的各个转折面和光源照射的角度变化所决定的。同一物体虽然由于不同角度的光线照射而出现不同的明暗变化，但是光线不会改变对象的结构，因为对象的结构是固定的，而光线是可变的。所以，在物体明亮调子的变化中，结构是主体，光线是客体。

物体受光线照射后出现受光部和背光部。受光部又称“亮面”；背光部分由于受环境反光和反射光的影响并不是一片漆黑，人们所感受的是浓重的深灰色，称为“暗面”，这样就形成了明、暗两大系统。而斜受光部分，称为“灰面”，它是色差的一个过渡。黑面、白面、灰面也就形成了通常所说的“三大面”。

由于物体结构的各种起伏变化，明暗层次的变化是很多的。我们把这种变化所具有的一定规律，归纳起来称做明暗五调子，即亮部、中间色、明暗交界线、反光、投影。其中，亮部和中间色属于物体的受光部，明暗交界线、反光和投影属于背光部。它们构成物体的明暗两大关系（见图13）。图13 石膏/贾玺五、空间感、体积感、质量感（一）空间感

客观存在的物体都会占据一定的空间范围。物与物之间的距离，通过空气透视的变化，在视觉上都会有纵深感，而我们则要通过观察和描绘，将物体的体积及远近的距离关系表现出来。素描中的空间感可以通过近明远暗、近实远虚的透视关系来表现，也可以依靠线的粗细、浓淡、虚实、黑白层次的强弱、深浅等因素来表现（见图14）。其关键在于将近处的对比加强，远处对比减弱，便会产生深度感，这在风景画中，对于近景、中景、远景的描绘尤为突出。图14 结构素描运用线条的变化拉开空间感。（二）体积感

体积感，也就是常说的立体感。在描绘物象的时候，是用立体的眼光思维、观察与理解“形体”的，那么所记录下的物体的高度、宽度和深度都应该是一种理性认识的反映。在结构素描中，是依据物体的轮廓线与结构线来形成体积感的（见图15）；在明暗素描中，则主要是依据物体受光块面和明暗调子的强调对比来表现，明暗交界线要有交代，但也不能太硬。一般来说，受光面的边缘线较清晰肯定，背光面较虚而模糊（见图16）。图15 结构素描通过对不同体积的静物的描绘来增加对比。图16 石膏/刘源/指导教师：郭欣（三）质量感

因为所画的对象是客观存在的反映，所以它一定是由质与量组合的有机整体，质与量是不可分割的。对于物体质量的素描，是感性和理性的结合，深入到对质量的表现才能使画面生动并显出真实感。由于各种物体都有自己的组织结构、质地、颜色和光泽等独有的特点，因而需要我们认真地观察，以及把自己体会（触碰）到的感受通过理性的分析后，用不同的方法加以区别、表现。例如：棉布与丝绸的不同，可以通过用线条的粗细和线条的软硬等来区分。棉布的反射光比丝绸弱，棉布上的用线比丝绸的用线粗,在笔的选择上，可以选用较软的笔；而画丝绸则要用细线，用硬的笔，当然画布、丝绸之类的物体所用的线条都要比画刚硬的东西柔和很多。在一般情况下，光滑、坚硬、淡色的物体，对光的反射要强烈些，明暗对比也相对清晰；粗糙、蓬松、深色的物体，明暗对比就相对模糊。

每个人对于质感的感受与表现技法都不同，这就需要在长期的训练中去总结，追求更多的表现形式（见图17）。图17a 衬布写生除了注意皱褶变化方向，还要注意质感的描绘。图17b 石膏胸像写生石膏除去背景单独表现时，不宜过重，否则会失去石膏的感觉。图17c 人物头像人物的面部也需要质感描绘，大多数是通过头发质感与之对比来完善。第二节 素描中的四点要求及理解

在素描绘画中，我们首先应该明白所要达到的效果，然后再开始作画。对素描绘画要求的理解，可以帮助我们“胸有成竹”地进行绘画。当然，这是对于有一定素描学习经验的人而言的，至于初学者，应在一定的实践体验后更进一步地理解。一、立体感

要学会立体地观察和表现物体，为此必须深刻地研究体积的概念。从最初下笔描画开始，就应意识到：不是在纸的平面上，而好像是在纸的深处来造型。从这一点出发，画出立体感和空间感。

前面我们提到过轮廓与轮廓线。在研究体积结构时，往往最先吸引我们注意力的“轮廓线”实际上并不具有独立的意义，它是从属于整个体积的一部分。雕塑家罗丹曾说：“没有线，只有体积，当画素描的时候，千万别关心轮廓，但要关心起伏，要知道，起伏是支配着轮廓的。”

雕塑的道理揭示出起作用的不是虚构的和自然界不存在的轮廓线，而是把物体体积范围和空间划分开的界线。因此写生素描不是从所画物体的周边轮廓开始，而是从探索整体的处理开始。首先应确定基本动势和相应的中心线，因为形体的发展就是以此为方向的；而当画出实物的大体的结构和动势后，就需要转入逐渐地确定其体积范围阶段。这样养成立体的观察和描绘物体的习惯，只有经过仔细分析实物的形体后，轮廓线才能最后确定。例如：在画石膏头像时，首先要想到这是一个六面体。在它的正面，有眼睛、鼻子、嘴巴等，不能只注意到五官，而把整个头部的立体、重量感都忽视了，把头画成平面图，没有最基本的体积（见图18）。图18 石膏写生要始终把握石膏整体的立体感。二、描画的整体性

这里所指的是，在画素描的过程中，使个别部分和细节服从于素描的总体处理。要掌握这样的原则，就是要由整体到局部，要善于描绘细节而不破坏整体。

要整体表现对象，必须整体地观察对象，要一眼看到整个物体的全貌，而不是在它的局部上转来转去。当我们把眼光扩到整体的时候，多余的东西便消失了，只剩下必要的、基本的东西。

要从统一完整和相互联系的原则出发，不能使某一部分和总的整体脱节。作画就是画关系。作画时，采用比较的方法，关键在于不死盯某个局部，要概括地看、整体地看。

从整体出发，才有可能全面地比较，才能辩证地从整体与局部的相互联系和相互制约来理解世界，这样才能把物体画得栩栩如生。

同样，当描画个别形体时，不要丧失对实物的总的观察，不要失去各部分的联系，画细节是为了充实整体，而不能因此破坏了整体。

例如：画人物头像时，应该注意到头发及部分衣物的刻画（见图19）。画人物半身像时，除了头部描绘外，衣服、手部等也不能缺少细节描绘（见图20）。图19 人物头像写生图20 人物半身像写生三、分析思维的发展，对物体结构的理解和表现

这是将理性认识从感性认识中升华的部分。如果不了解人体结构，画者就不可能正确地画出其形体，所以必须去研究人的骨骼、肌肉。这里所指的不是平面的解剖图，而是活生生的、在空间透视中的、立体的人体结构，这必须在素描实践中才能解决（见图21、图22、图23、图24）。图21 人体素描/苏里科夫图22 人体习作及比例示意/米开朗基罗图23 人体骨骼图图24 老年男子人体/徐悲鸿四、形象的表现

在描画时，要寻找对象的特征及探讨表现它的方法、形象，使画面具有最大的表现力。画人像必须抓住这个人的特征，画各种物体应该表现出它们的质感，如金属的感觉，瓷器、织物、玻璃的不同质感（见图25）。图25 静物写生不同的静物用不同的绘画方法来表现。

总之，要像物体实际存在的那样和我们所感觉到的那样去描绘对象，把理性和感性结合起来，把物体的“实质”和“外形”同时表现出来。第三章素描写生的工具及基本方法

了解及掌握了基本的素描知识及要求，我们就应该在实践中不断地体验、证明、创新，总结更多属于自己的经验。第一节 素描的工具及性能

素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等；也有用钻子和金刚石作画的。工具的不同关系着素描的性质和构图，工具也能影响画者的情绪和技巧。一、铅笔

在素描学习的基础阶段，一般首先是多画铅笔素描，然后再用木炭等其他工具材料进行素描。

铅笔有软芯铅笔、硬芯铅笔和一般铅笔之分，主要区别是铅芯有不同等级的软硬。硬的以“H”为代表，如：1H，2H，3H，4H等，前边数字越大，硬度越强，即色度越淡，适合于刻画亮面；软的以“B”为代表，如：1B，2B，3B，4B，5B等，数字越大，软度越强，色度越黑，适宜暗面刻画。初学绘画者可从HB到4B中选择。铅笔能表现丰富细腻的层次，调子色域宽、固定，而且又易擦拭、修改，也能大笔涂抹。二、炭笔

炭笔的用法与铅笔相似，它的色泽深黑，有较强的表现能力，但画重了很难擦掉。三、木炭条

木炭条是用树枝烧制而成的，色泽较黑，质地松软，附着力较差，画完成后需喷固定液，否则极易掉色，破坏效果。四、炭精棒

炭精棒常见的有黑色和赫石色两种，质地较木炭条硬，附着力较强。五、橡皮

橡皮在素描中既是一种涂改工具，又是一种特殊的绘画工具。

一般常用的绘画用的橡皮有绘图橡皮和橡皮泥，橡皮泥一般用于调整画面，而绘图橡皮则擦得很干净。

橡皮是特殊的绘画“软笔”，这是很多初学者不知道的。用橡皮可遇错就擦。六、画板和画夹

画板和画夹都有不同的型号，大小可以随自己的画幅而定，初学者选用590×440mm左右的为宜。画板比较坚固耐用，画夹则方便携带，是外出写生的好帮手。七、纸

纸除了颜色的差别之外，还有质地的软、硬、粗、细、厚、薄之分。画纸要选用纸面不太光滑且质地坚实的素描纸最佳，素描纸的附铅性强，且质地坚实，可反复擦改，不易损坏纸面。第二节 作画的基本要领一、辅助线

在素描写生时，为了准确地确定物体形象在画面上的位置，便于观察比较整体与局部、局部与局部之间的关系，需要确定物体正确的比例和形状角度，通常用一些辅助线条确定形体的比例、透视关系。这对于初学者来说，是最常用且必要的过程。

水平辅助线和垂直辅助线是辅助线中最基本的直线，便于检查接近水平方向或垂直方向的斜线的倾斜度及透视方向，而斜辅助线则表现形体轮廓转折的角度，用以呈现物体的动势（见图26）。图26 学生作品起形阶段的辅助线可以保留，以便分析空间感。将物体结构分析出来，可以帮助理解描绘时的明暗关系。二、线条的艺术表现

线条是一种明确的富有表现力的造型手段，能直接地、概括地勾画出对象的形体特征和形体结构，它具有丰富的表现力和形式美感。随着对象的不同，要求用不同的线条来表现。

构图时充分运用“先长后短”、“宁方勿圆”的原则，将长线条与短线条相结合，描出物象的形体；并把曲线用无数短小的折线表示，用直线切割法描绘曲线的方法，可使画者避免繁琐的细节形象的干扰，准确地画出形体块面的轮廓线与转折方向。

线条还有一种表现节奏的作用，轻重起伏的波纹式线条，或刚柔相间、长短穿插、曲直变换、抑扬顿挫的线条，能给人以音乐的节奏感。门采尔的画作《轧铁工厂》就给我们以这种心理效果（见图27、图28）。

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