作者：方士华
出版社：吉林摄影出版社
格式: AZW3, DOCX, EPUB, MOBI, PDF, TXT
歌咏趣味活动试读：
前言
在党和政府的要求下，长期以来，学校文艺活动作为学校教育教学工作的一个重要组成部分，不仅是广大青少年建立兴趣爱好和成材的重要途径，而且是学校德育工作发挥巨大作用的主要因素。营造丰富多彩的校园文艺环境，为广大青少年开拓广阔的成材之路，这是加强素质教育的要求，也是培养青少年未来实现中国梦想的要求。
学校开展形式多样的文艺活动，能够使广大青少年达到开阔视野、陶冶情操、增长才智、提高素质、沟通人际、适应社会以及改善知识结构和掌握实用技能等方面的效果。在这些文艺活动中，广大青少年通过接受不同形式、不同内容的有益教育，能够起到潜移默化的作用，这对造就和培养有理想、有道德、有纪律、有文化、适应中国复兴和实现中国梦的新一代人才有着十分重要的作用。
因此，越来越多的学校对于开展丰富的文艺活动和营造浓郁的校园文艺环境给予了越来越多的投入和努力。因此，校园文艺活动的组织策划与指导就显得十分重要了。这就需要坚持先进文艺的正确方向，以育人为根本目标，努力发展符合实际需要、并为广大师生喜闻乐见，且具有实效的校园文艺建设体系，真正营造丰富多彩并充满趣味的校园文艺氛围。
为此，根据党和政府有关政策和部门的要求以及国内外最新校园文艺的发展方向，特别编撰了本套丛书，主要包括歌咏、舞蹈、器乐、绘画、书法、曲艺、戏剧、表演、棋艺、牌技等具体活动项目，具有很强的系统性、娱乐性、指导性和实用性。
本套丛书适当配图，图文并茂，设计精美，格调高雅，不仅是广大学校用于开展丰富文艺活动的最佳指导读物，也是大中小学学校领导、教师，在校大中小学学生、研究生、博士生以及有关人员学习的最佳实用读物，还是各级图书馆珍藏的最佳版本。第一章校园歌咏活动的意义校园活动分类与流程
校园活动：顾名思义，就是在校园里，由学校或组织举办的面向全校师生涉及文化、娱乐、体育、户外素质的拓展活动及其他相关活动。校园活动的组织者可以是各级校组织、社团、企业等，但特点必须是面向全校师生，并在全校产生一定的影响。活动分类
1．从活动规模分类（1）世界级活动：主要由各种世界组织发起的，目的是增强各国家及大学文化交流。如世界大学生模拟联合国大赛，世界大学生运动会等等；（2）国家级活动：主要由教育部、团中央、文化部等部级单位发起、举办。用来传达国家意志，进行统一思想教育，宣传实事热点。如传统的大型活动团中央的挑战杯、中央电视台的大专辩论赛，以及奥运会的志愿者等都是在大学校园进行的；（3）学校官方活动：主要是由学校党委宣传部、团委、校办、院办及相关机关团体发起和举办的，主要传达上级精神，增强学校师生凝聚力。如每所学校的校庆，以及各种节日的文艺汇演、开学的新生典礼，毕业的毕业大戏等；（4）学生社团及民间组织：主要由团委下属的各类协会社团举办的。如轮滑协会、登山协会、辩论协会、棋牌协会等举办的校内活动，此类规模较小，但校内影响力很大。
2．从活动形式分类（1）体育类：如cuba（中国大学生篮球联赛），此活动已经比较成熟，由一些知名的体育公司赞助。当然与美国的ncaa（全国大学体育协会）还有相当距离。一些运动品牌或者快速消费品类企业非常注重校内的各种体育赛事。当然这些品牌也非常受大学生尊敬；（2）文化类：文化类包括很多，各种大型唱歌比赛，如某品牌在某年做的大学生原创音乐节就颇有影响，基本汇集了校园原创的所有精英；（3）创业类：各类创业网、创业社团、创业大赛、创业园区不断涌现。特别是各种创业大赛更被商家青睐；（4）学术类：在大学校园当然离不开学术，但更多学术类活动更多是为大学教授搭建的平台，大学生在学术类的活动中更多是充当听众角色；（5）科技类：科技类的活动是个比较窄众的关注活动。但也有知名度非常高的，如世界机器人大赛，就吸引和很多科技发烧友的眼球，有些知名软件公司的校园软件程序大赛也很受关注；（6）其他类：大学校园活动越来越被社会重视。很多与大学生关系不大的活动也放在大学校园来做。如各个旅游景点巡展都放在大学校园里。活动流程
1．确定校园活动的主题
通常校园活动的主题会有两种形式：一是非商业活动，如纪念日、比赛等；另一种是商业活动，这需要经过商业产品的定位与判断来决定活动的主题。
2．确定活动的时间、地点、嘉宾
把详细的时间地点通知重要嘉宾是很重要的环节，提前确认嘉宾档期确保嘉宾出席，是确定一场校园活动重中之重。
3．与场地方进行沟通
沟通环节尤为重要，场地方的设施设备调试关系到一场校园活动的整体效果。
4．确保相关专业同学出席
通知与此次活动有关的同学，通知方式可按照执行方案中去协调。
5．校园活动中的安保机制
安保环节至关重要，协调好安保各部门工作的同时，维安维稳的活动进展需要良好的秩序，这通常需要我们提前与校园安保部门提前沟通，做好应急机制。
6．对物料回收与场所清理
活动后学校要回收活动中所用到的物料，并整理在活动中收集来的学生资料、问卷调查等重要信息，进行分析。音乐在校园中的作用
不懂音乐的人其知识是不完备的。音乐是培养人的高雅的审美情趣，优化人的素质的重要途径之一。有人说：音乐的本质是科学，内容是哲学，表现是艺术，功能是教育。当前，随着音乐教育地位的不断提高，音乐在校园中大量的合理的运用会给学校的教学、工作、生活带来有益的帮助。
通过丰富多彩的音乐实践活动，培养学生的实践能力和创新精神，达到乐以辅德、乐以益智、乐以促体、乐以怡情的功效，让学生健康成长。音乐的意义
在素质教育全面推行的当今，音乐教育已在现代教育中受到各级教育部门的重视。在校园文化建设中，要体现音乐教育的作用，首先要明确音乐的意义。
1．美育与德育相渗透的意义
任何思想品德教育如果没有情感的基础，只能成为空洞的说教，而音乐教育正可以为德育培养良好的情感基础。音乐在实现其思想教育作用的同时，并不靠强制的方式，它依靠的是优美动听的音乐本身，潜移默化的产生作用。例如《一分钱》这首儿童歌曲，通过一个儿童把捡到的一分钱交给警察叔叔的故事，自然地体现了拾金不昧的美德。
2．启迪智慧的智育意义
音乐教育能促进智育的发展，这一点不仅为音乐教育工作者所重视，还逐步形成了社会的共识。正确的音乐教育对学生智力的发展有着积极的促进作用。培养学生对音乐具有敏锐感觉，对提高学生的理解能力和思维能力也会起积极作用。例如让几岁的儿童学习钢琴，能使儿童的协调性，反应力得到提高，再如现在正日益兴起的胎教，也是与音乐教育具有启迪智慧的作用分不开的。
3．以美促健的意义
优美的音乐可以促进人的身心健康发展，还可以医治人的疾病，正因为如此，音乐治疗作为一个新兴学科，正在全世界蓬勃发展。我国古代名医朱震亨说过“乐者，亦为药也”。马克思也说：“一种美好的心情，比十服良药更能解除生理上的疲惫和痛楚。”所以，音乐与人的身心健康密切相关。
4．陶冶情感的审美意义
任何艺术都是表现人类情感的，而音乐作为最具情感的艺术，在培养人的高尚情操及审美趣味方面自然起着别的艺术所不可替代的作用。当接触或倾听一部音乐作品时，听者正感受着作曲家的灵魂，或许他不知道引发作曲家产生这种情感的事由，却直接触摸到了他的情感。例如在倾听作品《二泉映月》时，听者便可体会到作曲家的那种凄惨悲凉的心境；在倾听作品《赛马》时，又可体会到作曲家的另一番欢快喜悦之情。音乐的作用
1．净化育人
音乐教育可以净化育人环境，使学生对未来充满永恒的希望。在校园里，经常开展一些有意义的音乐活动，可以对整个育人环境，起到一个净化的作用。当前，在校园里利用学校的广播，有计划、有选择地播放优秀歌曲，给学生欣赏一些积极向上的民族民间歌曲，让学生去体会民族民间音乐文化的精深与博大，在无形中增加了学生的爱国热情，同时让他们在音乐的情绪中受到感染，潜移默化地受到思想教育。
2．开阔视野
丰富多彩的音乐文化、能扩大学生的视野，促进学生整体素质的提高。据某项调查结果显示，仅有3%的学生不喜欢音乐，学生在回答最喜欢的课余爱好时选择了音乐，是在体育、电脑、文学、美术等并列项目中得票最高的，说明音乐在学生的心目中有着比较重要的地位。
一张嘴也能教会学生唱歌，但是在音乐教学中若能更好地利用现代化的电教手段，全面调动学生视、听、想等立体感官，让学生在画面与乐曲交互中体会身临其境的感觉，将会收到很好的效果。
这种知识、形象、音乐的完美结合，使他们对音乐会有更加全面而深刻的理解，引发学生学习的热情。在国外的音乐教育中，学校是非常重视合唱的。通常一个学校的合唱水平代表着校园文化建设的水平，因为合唱所体现的严密、精确的配合都有利于形成高度规律性和高度艺术性的集体。它能培养每一个参与者在愉快的、不强迫的形式中自愿遵守规则的习惯，培养自律、自我的与他人合作的习惯，促进了学生良好的社会品德的发展。
随着学校素质教育的不断推进，教师更应发展这种团结协作的精神，更应重视合唱的作用，从学生的整体出发，提高学生的整体素质。学生在参与学校合唱实践活动中，通过掌握演唱的技巧，不仅可以提高音乐的水平，还可以培养学生学习音乐的兴趣，这是用合唱来进行素质教育的真正意义之所在，同时，也为校园文化建设注入了新的活力，是完善校园文化建设必不可少的环节。歌唱发声器官的组成
声音的形成是发声器官协调工作产生的生理现象，这个现象的产生是气息运动和声带振动所形成的物理现象，但歌唱的发声运动又和平时说话的发声有所不同，因而歌唱发声又是一个物理的声学、音响学现象。
而进行歌唱艺术实践又是一个复杂丰富的心理活动过程，因此歌唱运动可以说是生理、物理、心理“三位一体”的行为。歌唱的发声器官是由呼吸器官、发音器官、共鸣器官和咬字器官四个部分组成，它们是歌唱发声的全部物质基础，是歌唱发声运动中的主要功能系统。呼吸器官
呼吸器官，即“源”动力，是由口、鼻、咽喉、气管、支气管、肺脏以及胸腔、膈肌、腹肌等组成。气息从鼻、口吸入，经过咽、喉、气管、支气管，分布到左右肺叶的肺气泡之中；然后经过相反的方向，从肺的出口处分支的气管将气息汇集到大气管，最后形成一个气管，再经过咽喉从口、鼻呼出。
与呼吸系统相关的各肌肉群，他们的运动也关系到呼吸的能力，是歌唱“源”的动力和能量的保证。我们日常的呼吸比较平静，比较浅，用不着使用全部的肺活量，但歌唱时的呼吸运动就不同了，吸气动作很快，呼气动作很慢。如果遇上较长的乐句，气息就必须坚持住。而一首歌曲的高、低、强、弱、顿挫、抑扬变化，也全靠吸气、呼气肌肉群的坚强和灵活的运动才能完成。发声器官
发声器官，即发出声音的器官。它包括喉头、声带。
喉头是一个精巧的小室，位于颈前正中部，由软骨、韧带等肌肉组成。声带位于喉头的中间，是两片呈水平状左右并列的、对称的又富有弹性的白色韧带，性质非常坚实。声带的中间又称声门，声带是靠喉头内的软骨和肌肉得到调节的。
吸气时两声带分离，声门开启，吸入气息；发声时，两声带靠拢闭合发出声音。声带在不发出声音的时候是放松并张开的，以便使气息顺利通过。声带发声，一部分是自身机能，一部分是依靠声带周边的肌肉群协助进行发声运动。
在声乐训练的时候，应该充分注意到这些肌肉群的功能作用，合理地运用它们，养成良好的习惯，避免在不正确的发声习惯下唱坏了嗓子。
还有喉咙的上部与舌根之间，有一个很重要的软骨，叫会厌。会厌的功能有两个方面：一是起到声门的保护作用，当我们吞咽食物和饮水的时候，它本能地自动盖住气管，让食物通过时避免进入气管，我们往往有时不小心喝水“呛”了气，就是会厌动作不协调所致；第二个作用是歌唱的时候，会厌竖起，形成通道让声音流畅地输出。共鸣器官
人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔和头腔三大共鸣腔体。胸腔包括喉头以下的气管、支气管和整个肺部。口腔包括喉、咽腔及口腔。头腔包括鼻腔、上颌窦、额窦、蝶窦等。在歌唱中，由于音商的不同，使用这些共鸣腔的比例是有所不同的。
一般来说，唱低音时，胸腔共鸣发挥最大，唱中音时口腔共鸣应用较多，而唱高音时主要是靠头腔鸣发挥作用了。如果我们能正确、合理地运用好这些共鸣腔体，并相互协调配合好，那我们就能获得圆润、悦耳、丰满、动听的歌声。咬字吐字器官
咬字吐字器官即语言器官包括唇、舌、牙齿和上腭等。这些器官活动时的位置和不同的着力部位，形成了辅音和元音即语言。
发声歌唱时，咬字、吐字器官各组成部分的动作比平时说话要更加敏捷而夸张。敏捷是为了使咬字准确清晰，夸张是为了使美化的元音或韵母通畅地引长发挥。所以语言器官是在吐字咬字时的物质基础，也是学习吐字咬字时出声、引长和归韵的重要器官。
声音是歌唱的基础，要训练好声音进行歌唱，首先要了解所参与发声器官的构造和作用。歌唱运动的感觉远不如看得见、摸得着的如钢琴、小提琴训练那样的肌体运动来得容易，这就要求歌唱者要有敏锐的自我感觉，并在专业声乐教师的指导下反复训练，以形成条件反射去断定自己的声音是否正确，是否符和声音器官运动的基本规律。
还有一点要指出的是，上述各部分器官及它们的运动形式是歌唱的生理学为基础，而这些器官的协调活动，则是在人体神经系统的调节与支配下完成的。纠正唱歌姿势及发声
有人说：“姿势是呼吸的源泉，呼吸是发声的源泉。”唱歌训练，首先要有正确的歌唱姿势，没有经过专业训练的人往往不够重视姿势。姿势的正确与否是直接关系到发声时各个器官配合的协调姿势。姿势正确了，发声各部分就能正常地工作，而不正确的姿势，则往往带来不正确的声音。这好比跑步运动员，赛跑时如果没有正确的跑步姿势，就会直接影响跑步的速度一样。正确的唱歌姿势
1．身体
自然直立，保持自然放松，这里的放松绝不是松垮、瘫痪，它应呈现一种积极向上的状态，也就是精神饱满的状态。
2．头部
保持于眼睛向前平视稍高的位置，胸部自然挺起，两肩略下后一点，小腹收缩，两臂自然垂落，全身有一种积极运动的状态。
3．两脚
一前一后稍分开，前脚着力、身体重量要平稳，重量落在双脚。
4．面部
眼神要自然生动，眉、眼、嘴是五官中的重要部位，眼睛是心灵的窗户，因此我们在演唱中眼睛切记应当张大一些，不要眯起眼，虚着唱歌。
5．动作
演唱时可根据歌曲的内容在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。
坐唱的姿势与站立时的要求一样，但要注意腰部挺直而不僵硬，也不要靠在椅背上，注意臀部不要坐满整个凳面，约坐1/3的面积，两脚稍分开，自然弯曲，不能跷腿坐，也不能两腿交叉叠起。练声注意事项
要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习最重要，绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱，很容易使歌唱器官受损。
在没有能力唱高音之前，切勿作高音练习，经常唱一组自己最满意的音，选择曲目更要谨慎，不要唱不适合自己的曲目。
每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。
在练习中要多动脑子，善于思考，千万不要盲目地傻唱。声乐训练特别需要时间，奇迹是没有的。“百分之十的智慧，百分之九十的努力。”第二章乐理与乐器基础知识音律的基本知识指导音的t形成“音”是一种物理现象。它是由于物体受到振动，而产生“波”，再由空气传到您的耳朵里，通过大脑反馈，您听到的就是“音”。音的分类
物体的大小、薄厚与振动的强弱不同，所产生音的高低也就不同，这样就形成了高音、低音、强音、弱音。“音”大体又分为“乐音”与“噪音”两种。
乐音：振动起来是有规律的、单纯的，并有准确的高度（也叫音高）的音，我们称它为“乐音”。
噪音：没有一定高度的音。它的振动即无规律又杂乱无章的音，称它为“噪音”。音的性质
音的性质可以分为：高与低、强与弱、长与短，还有音色等几种。由于音的性质有这么多的不同，所以才会产生出不同的乐音来，才能让我们听到各式各样的旋律。通过不一样的音色，我们才能区分各种不同的乐器声音。
二胡和小提琴同样都是弦乐器，可是它们的声音又各自有所不同。区分人声，哪些是女高音，哪些又是男低音等等这些不同的发声体，你会发现：音的性质在音乐领域里的表现是非常重要的。音的旋律
一连串的乐音有组织的进行。旋律的性格和效果决定其调式、节奏及其音高布局。在这三个因素中，过去只有调式的概念有过多少比较清楚而不相矛盾的理论。任何特定时代的旋律都是通过把某一调式体系所包含的一套乐汇加以运用处理而成，而且，除非是为了特殊的表情目的，否则旋律最后总是结束在主音上，因此它们的调式总是可以判明的。
作曲者通过写下旋律，确定其节奏特性。但优秀的表演者通过自由处理速度或略略推迟和挪前，可将这一特性加以重大的改变。
一个旋律不一定可以立刻记得住，能够朗朗上口或吹出口哨来的“曲调”，尤其是在现代音乐中，它可能有很大幅度的跳越。但是，熟悉了就会理解，耐心的听众会发现，许多“非旋律性”的现代旋律听到最后才恍然大悟，原来是“旋律性”的。音乐乐理
音乐理论包括音响学、记谱法、旋律、节奏、和声、对位、作曲、曲式和音乐美学诸方面。音乐节奏
音乐在时间上的组织：有自由节奏、灵活节奏、有量节奏、韵律节奏。音乐记谱法
标出音高和节奏的音乐记写法。乐谱的基本知识指导
在人类历史的长河中，人们为了能使音乐保留下来，并且便于学习与交流，创造出各种各样的记谱方法。像唱歌、或者演奏某一种乐器，仅仅靠记忆、或者是口传心授都是不够的，必须要有乐谱。按照作曲家提供的乐谱，才能演奏和演唱出美妙动听的音乐。也由于有了乐谱，才使得很多的优秀作品流传下来。
如我国优秀的民间艺人华彦钧，他从小爱好音乐，勤于学习，既能唱又能演奏，当时当地的乐器样样精通。群众非常喜欢听他的演奏和演唱。他能奏“十番鼓”“十番锣鼓”，又掌握许多民间唱腔，还创作了大量的乐曲，如二胡曲《二泉映月》《听松》《寒春风曲》及琵琶独奏曲《大浪淘沙》《龙船》《昭君出塞》等和一些优秀的民间唱腔，他所创作演奏的作品，个个是精品。
乐谱是保留曲目、交流文化的重要工具。我国早在古代就发明了乐谱。记谱的方法是多种多样的，如在敦煌莫高窟发现的公元九世纪我国唐五代世俗歌舞音乐的琵琶伴奏谱手抄本《敦煌曲谱》《敦煌卷子谱》，曾经广为流传的《工尺谱》、古琴演奏用的《古琴谱》、锣鼓用的《锣鼓谱》等等，这些古老的乐谱有的还沿用至今。
现在专业音乐工作者还在研究它们。此外还有现在仍广为应用的为广大音乐爱好者所熟悉的用阿拉伯数字来表示的简谱。以及国际上流行通用的五线谱等等。五线谱的优点
简谱比较简单，容易掌握。在单旋律的情况下运用还算方便。但是如果是多声部或者是音域比较宽以及转调频繁的时候，简谱就不那么方便易读了。
相反，五线谱在这方面就有着很大的优势。首先五线谱在视觉上有明显的表示。比如那些复杂的和声很容易识别，视觉非常清楚；其次在表示旋律方面，尤其是高高低低的众多音的形态，更是一目了然，就好像站在我们面前的一排排的人，哪个人高，哪个人低，而哪些人胖，哪些人瘦，都是很明显的，一眼望去很容易辨认。因此在国际上广为使用的基本上都是五线谱。
我们国家的专业音乐工作者，也都采用五线谱，连民族音乐领域也逐渐过渡到五线谱上来与国际接轨。在音乐的领域里，只要拿起同一张五线谱，大家唱出的都是同一个调子。可以说五线谱是无国界的，是音乐中的“世界语”。这就是五线谱的优点，要想进入音乐的世界里，必须首先学会五线谱，它是我们跨入音乐大门的桥梁。五线谱的组成
1．谱表
用来记写音符高低的表格，就叫做“谱表”。
五线谱：顾名思义是由五条线组成的。的确，是由五条平行的“横线”和四条平行的“间”组成的。这就是五线谱的谱表。它们的顺序是由下往上数的。最下面第一条线叫做“第一线”，往上数第二条线叫“第二线”，再往上数是“第三线”“第四线”，最上面一条线是“第五线”。
由于音符非常多，所以“线”与“线”之间的缝隙也绝对不能浪费的，也就是“线”与“线”之间的地方叫做“间”。这些间也是自下往上数的。同“线”一样。最下面的一间叫做“第一间”，往上数是第二间、第三间、第四间。
2．谱号
在五线谱上确定音高的位置——也就是音名位置的符号叫做谱号。谱号就像男女有别一样，在五线谱上看上去是相同的音，由于谱号的不同而代表着不同的音高，这些谱号分别有高音谱号，低音谱号，C谱号三种。
在五线谱上标有高音谱号的叫高音谱表，标有低音谱号的是低音谱表，同样，标有C谱号的就是C谱表，亦叫中音谱表，或叫次中音谱表。一般用高音谱表的乐器大部分是属于高音乐器。像小提琴、二胡、高胡、长笛、小号、双簧管、笛子等等，还有包括人声的男女高音声部，通常高音谱表用得较为普遍，除了特殊乐器声部以外，大部分用高音谱表来标写。使用低音谱表的一般是一些低音乐器和人声的低音声部，比如像大提琴、大管、大号、低音黑管等等。而C谱表则多用于中音提琴等。节奏与节拍的知识节奏
节奏是组织起来的音的长短关系。节奏是一个广义词，它包括了音乐中与时间有关的所有因素，这里概括了拍子、小节、循环周期和重音的位置。
音乐犹如千军万马。是节奏把它们有序地组织在一起，按着音乐的强弱、长短，使它们有序地进行着。如果没有节奏，音乐就会杂乱无章，不成其为音乐。因此，在音乐里节奏是至关重要的，它无所不在，它体现在每个音符、每个小节线、每个重音和速度的标记中。
节奏划分的特殊形式：把音的时值自由划分，其数量与基本划分不一致，即通常所说的连音符。把音的时值分成三等分来代替两等分，便形成了三连音。还可以把音的时值分成五等分来代替四等分。节拍
有重音的及无重音的同样时间片段循环重复就是节拍。节拍用强弱关系来组织音乐。为了构成节拍而使用的重音，就是节拍重音。节拍重音一般是有规律地循环出现的，如每隔一拍、隔两拍……节拍是指强拍和弱拍的组合规律。有很多有强有弱的音，在长度相同的时间内，按照一定的次序反复出现，形成有规律的强弱变化。例如每隔一个弱拍，出现一个强拍时，这是一种节拍；而每当有两个弱拍或有三个弱拍再出现一个强拍时，这又是另外的一些节拍。它运用了小节线和拍子号标记出来，看起来很具体。有强有弱，一定长度相同的时间内按着一定的长短次序，由小节线划分，反复的有规律的重复，形成了有规律的强弱变化，这就是节拍的作用。“强”与“弱”看似简单，但是人们可以根据这些简单的“强”与“弱”变化出很多种拍子来，从而形成各种情绪，各种不同风格的乐曲来。因此“节拍”是非常重要的，它等于是音乐大厦的基石，必须是有规律并且是有秩序的。拍子
节拍单位用固定的音符来代替就是拍子。拍子用分数来标记，就是拍号。分子表示每2节中单位拍的数目；分母表示单位拍的音符时值。拍号中的横线在五线谱上用第三线代替。
在节拍中，众多的音符都是以一拍为单位的，也叫做“单位拍”，这一个重要的时间段，一拍，就是音乐的基础，它是用指定的音符来代表的。也就是用各种不同的音符，比如二分音符、四分音符、八分音符等等，作为基础的一拍，然后有强有弱的循序渐进。下面我用最通俗的语音来讲，什么是拍子。“拍子”用简单的话来说就是你用一个手掌来拍。手掌一下、一上，这就叫做一拍。如果用两只手对拍的话，那么一张一合，就叫一拍。单拍下去，叫做半拍，再抬起来，也是半拍，这样算起来一上、一下加起来就是一拍。等于半拍加半拍。小节
一个强拍到下一个强拍之间的部分就是小节。使小节分开的垂直线就是小节线。小节线写在强拍前，作为强拍的标记。
乐曲的分段或曲终处用双小节线表示。切分音
把弱拍或强拍的弱部分同下一强拍或弱拍的强部分连在一起，就是切分音。
切分重音转移了节拍重音的位置。其写法是：在一小节之内的切分音记成一个音符，两小节之间的切分音，用连线联结起来。
单节拍或单拍子：每隔两个或三个单位拍而有一个重音的节拍和拍子，就是单节拍或单拍子。
复节拍或复拍子：小节内不止一个重音的节拍或拍子，就是复节拍或复拍子。在复拍中第一个重音较后面的重音强，因而是强拍，后面的是次强拍。速度
音乐作品都有自己的个性，这是作曲家根据音乐的性质而定的。有的作品抒情些、有的作品是歌唱性的，还有紧张的、行进的、活泼的、跳跃的等等，达到这个目的，作曲家都要在每一部作品上首先规定一个快慢的“时间表”，这就是“速度”。准确的速度才能有准确表达的基础，这种在音乐作品中规定的快与慢，就叫“速度”。“速度”是与音乐作品中作为单位拍的音符时值有着密切的关系。一般来讲，音符时值长，拍子就慢一些；音符时值短，拍子就快些。每一个音乐作品都不一样，而拍子也是千变万化的，为了准确的表达作曲家对音乐作品的要求，因此在每一部作品的开头都会标明情绪，标明速度（一般是用音乐术语标明的）另外还要标明每分钟有多少拍，这样就明确地表示了作曲家对作品的要求。只要完全按着这些要求去作，至少在速度上，在情绪上是正确无误的。
音乐速度的表示有两种，一种是用文字来表示的，比如“快速”“中速”“慢速”“稍快”等等，还有一种是用音乐术语来表示的，这些音乐术语都是意大利语，目前国际上多采用这种标记，比如Andante（慢板）、Allegro（快板）、Presto（急板）、Pill mosso（稍快）等等。声乐与声部的知识声乐知识
在我国的声乐比赛中，习惯将唱法分为三类：美声唱法、民族唱法和通俗唱法。
1．美声唱法
美声唱法源于意大利民歌唱法。它的特点是：气息宽广、声音洪大、共鸣完善。美声唱法原意为“美丽的歌唱”。它严格遵循“美声”为歌唱观念、歌唱意识之首位的原则。这种唱法从17世纪始，到如今在欧洲各地区广泛传播。
美声唱法传入我国已有80多年的历史。我国大多数音乐院校都直接采用或大量借鉴这种唱法作为声乐教学。通过全国高等音乐院校多年教学实践，已逐渐形成了中国学派的美声唱法。
美声唱法要求发出悦耳、圆润的声音，要求声区统一，唱音阶时匀称地从低音到高音的连贯，音准完美。它避免喊叫、鼻音、粗糙音或白声，极为讲究声音的位置、共鸣、气息，以形成系统的发声方法，科学地根据音域的不同分出声部，每个声部又依据不同的特色作花腔、抒情、戏剧等分类。
2．民族唱法
民族唱法源于我国传统的民间唱法和戏曲唱法。它与美声唱法从艺术要求上说是有许多共同之处。如寻求有力的呼吸支持点；声区统一、声区变换的地方不留痕迹；要求头腔共鸣；要求语音清晰、表情合乐、字正腔圆、声情并茂等。
民族唱法是以“韵味”（风格）为核心、为歌唱观念之首位的唱法。所谓韵味即歌唱时严格按照我国各民族语言咬字、行腔、归韵；讲究音乐的民族、地区的特点风格。
3．通俗唱法
通俗唱法是以“唱情”为核心，是歌唱观念之首位的唱法。它注重歌唱的自然化、生活化、大众化。选唱的作品旋律流畅简朴，有鲜明的舞蹈节奏。歌唱时，追求歌者与听者面对面的倾诉，以产生心灵上的共鸣，达到同唱共舞的效果。因此，演唱者不炫耀声音技巧、不强调特殊的民族风味，大多在自然本嗓基础上加以修饰美化。通过电声设备，采用平易近人的演唱方式。有些演唱者还有意将声音造成“散”“暗”“紧”“白”的特点，以取得柔和、深沉、空旷等特殊效果，加以充分发挥通俗音乐“倾诉性”“宣泄性”的独特功能。
通俗唱法在理论上尚未得到充分的阐明。目前，我国还没有真正建立通俗唱法体系。声部知识
1．多声部音乐
凡结合两行以上的旋律或两个以上的音同时进行的音乐称“多声部音乐”。其中每一行旋律或构成和弦进行的每一条音的线条即为一个“声部”。
2．女音特点
如二重唱包含两个声部，三重唱包含三个声部，混声四部合唱包含女高音、女低音、男高音、男低音四个声部。
女高音的音色特点还可细分为花腔女高音、抒情女高音、戏剧女高音等。
女中音的音色介于女高音与女低音之间。高的女中音近似戏剧女高音，低的女中音近似女低音。女低音嗓音较女高音、女中音更为宽厚。
3．男音特点
男高音实际音高比记谱低八度。其按音色特点还可细分为抒情男高音、戏剧男高音等。
男中音的音色介于男高音与男低音之间。其按音色特点可细分为抒情男中音和戏剧男中音。抒情男中音的音域与音色接近戏剧男高音。戏剧男中音的音色在低音区与男低音相近。
男低音按音色的特点还可细分为抒情男低音和深厚男低音等。在所有的人声中，以男低音最为低沉深厚。乐器知识的基本类别西洋管弦乐器
1．木管乐器
木管乐器起源很早，从民间的牧笛、芦笛等演变而来。木管乐器是乐器家族中音色最为丰富的一族，常被用来表现大自然和乡村生活的情景。在交响乐队中，不论是作为伴奏还是用于独奏，都有其特殊的韵味，是交响乐队的重要组成部分。
木管乐器的材料并不限于木质，同样有选用金属、象牙或是动物骨头等材质的。它们的音色各异、特色鲜明。从优美亮丽到深沉阴郁，应有尽有。正因如此，在乐队中，木管乐器常善于塑造各种惟妙惟肖的音乐形象，大大丰富了管弦乐的效果。
2．铜管乐器
铜管乐器的前身大多是军号和狩猎时用的号角。在早期的交响乐中使用铜管的数量不大。在很长一段时期里，交响乐队中只用两只圆号，有时增加一只小号。到十九世纪上半叶，铜管乐器才在交响乐队中被广泛使用。铜管乐器的发音方式与木管乐器不同，它们不是通过缩短管内的空气柱来改变音高，而是依靠演奏者唇部的气压变化与乐器本身接通“附加管”的方法来改变音高。
所有铜管乐器都装有形状相似的圆柱形号嘴，管身都呈长圆锥形状。铜管乐器的音色特点是雄壮、辉煌、热烈，虽然音质各具特色，但宏大、宽广的音量是铜管乐器组的共同特点，这是其他类别的乐器所望尘莫及的。
3．打击乐器
打击乐器是乐器家族中历史最为悠久的一族了。其家族成员众多，特色各异，虽然它们的音色单纯，有些声音甚至不是乐音，但对于渲染乐曲气氛有着举足轻重的作用。通常打击乐器通过对乐器的敲击、摩擦、摇晃来发出声音。可不要认为打击乐器仅能起加强乐曲力度、提示音乐节奏的作用。事实上，有相当多的打击乐器能作为旋律乐器使用呢！现代管弦乐队里增加了很多非洲、亚洲音乐里的音色奇异的打击乐器，这里无法完全罗列。
4．弓弦乐器
弦乐器是乐器家族内的一个重要分支，在古典音乐乃至现代轻音乐中，几乎所有的抒情旋律都由弦乐声部来演奏。可见，柔美、动听是所有弦乐器的共同特征。弦乐器的音色统一，有多层次的表现力；合奏时澎湃激昂，独奏时温柔婉约；又因为丰富多变的弓法（颤、碎、拨、跳等）而具有灵动的色彩。弦乐器的发音方式是依靠机械力量使张紧的弦线振动发音，故发音音量受到一定限制。弦乐器通常用不同的弦演奏不同的音，有时则须运用手指按弦来改变弦长，从而达到改变音高的目的。弦乐器从其发音方式上来说，主要分为弓拉弦鸣乐器（如提琴类）和弹拨弦鸣乐器（如吉他）。中国民族乐器
1．吹奏乐器（1）笛：竹制，八度超吹乐器。常用的有两种：发音较高的为梆笛，多为G调，筒音d2；发音较低的为曲笛，多为D调，筒音a1。两笛演奏技巧相同，用高音谱表记谱，记谱比实音低八度。（2）唢呐：为八度超吹乐器。唢呐音量宏大，声音粗犷，宜于表现欢快、热烈、雄壮的乐曲。可奏出技巧性很高的华彩乐段，还可模仿飞禽、昆虫的鸣叫声。（3）笙：以簧片震动发音。目前乐队中常用的是十七簧，分高音和中音两种，均以高音谱表记谱。
2．弹拨乐器（1）琵琶：是我国具有悠久历史的主要弹拨乐器，历经改进，成为六相二十四品的自弦琵琶，音域有三个八度多，可转十二个调。琵琶可用大谱表记谱，亦可用高音谱表或低音谱表记谱。（2）扬琴：是音箱木质，上张钢丝弦，用两支琴竹击奏发音。用大谱表或高音谱表记谱。（3）筝：我国的古老乐器，一弦一音。定弦时，通常把最低弦作为宫或徵音，按五声音阶顺序定弦。以大谱表记谱。
3．拉弦乐器（1）高胡：琴筒木制，两根金属弦，用高音谱表记谱。
高胡没有明显的音区差别，它音质明亮，声音穿透力强，可演奏缓慢、抒情的旋律，又能演奏活泼、轻快的技巧性乐段。可独奏、重奏或参加合奏。（2）二胡：琴筒木制或竹制，一端蒙以蟒皮，两根金属弦。以高音谱表记谱。二胡音色柔和，表现力丰富，擅长表现抒情细腻的乐段，亦可奏技巧性高的华彩乐段。（3）中胡：其形状较二胡大些，用高音谱表记谱，没有明显的音区区别。中胡因指距较宽，演奏起来不如二胡灵活。但它音色丰满、宽厚，在民乐队中，是重要的中音乐器。中胡亦可独奏或重奏。（4）板胡：是流行于我国东北、华北和西北地区的拉弦乐器。琴筒为椰壳，以桐木为面板，两根金属弦。用高音谱表记谱。乐队常用高音、中音两种板胡，前者比后者高一个纯五度。
4．打击乐器（1）大鼓：又称堂鼓。无固定音高，用一线记谱。大鼓用双槌交替击奏，或用单槌击奏，打出各种节奏。也可击奏鼓的不同部位产生不同音色。大鼓能模仿雷声、炮声等。（2）小鼓：又称京堂鼓。无固定音高，用一线记谱。小鼓击音比大鼓高，余音较短，用于演奏密集的节奏型。与其他打击乐同时或交替击奏，能表现欢快或紧张的气氛。（3）定音缸鼓：又称民族定音鼓。分大、中、小三种，可调节音高，用低音谱表记谱。定音缸鼓常用于合奏，可运用大鼓的演奏技巧，还可用西洋定音鼓的技巧演奏。（4）大锣：圆形，铜制，无固定音高，用一线记谱。大锣余音长，不宜奏密集的节奏。（5）小锣：又称手锣、京小锣。无固定音高，用一线记谱。小锣用薄木片敲击，打法与大锣大致相同。分放音击、闷音击、边音击等。小锣音色清亮，柔和，很有色彩性，在戏曲伴奏中，常以各种打法配合人物的表演动作，烘托气氛。（6）大钹：又名大镲。圆形中间隆起，铜制，两面为一副。无固定音高，用一线记谱。（7）小钹：又名小镲。形状与大钹同，无固定音高，用一线记谱。演奏技巧与大钹相同。由于小而轻便，常打各种花点为大钹陪衬，宜于表现欢快、热闹的场面。（8）板鼓：又称单皮。无固定音高，用一线记谱。板鼓在戏剧伴奏中常起到指挥乐队的作用。（9）木鱼：形似鱼头，木制，大小规格不一。大的发音较低，小的发音较高。木鱼由单个、两个或几个配套使用。无严格的固定音高，可用五线记谱。（10）碰铃：又称碰钟。形似小碗，铜制，两个为一副，无固定音高，用一线记谱。演奏时，左右手各持一个，互击发音。碰铃声音清脆悦耳，多用于器乐合奏或戏曲、歌舞的伴奏，多击强拍。电声乐器
1．电子琴
键盘乐器、电子乐器的一种。外形似风琴或小钢琴，采用固定电路，对乐音信号进行放大，通过扬声器发出立体音响，有一排、二排、三排键盘等多种，二排键盘以上的还有一组脚键盘。
2．吉他
吉他因有六根弦，故又叫“六弦琴”，种类很多。一般常见的有四种：西班牙式吉他、夏威夷式吉他、匹克吉他和四弦低音吉他。这四种吉他，在琴内安装上电能增音器，就变成“电吉他”，这样可以任意控制音量与音色的变化，又能延长时值，美化音色，表现力非常丰富。吉他可以独奏、伴奏或合奏。可以用于管弦乐队中，也可以为歌唱伴奏，能将乐曲的抒情性和欢乐性有机地融合在一起。
3．架子鼓
又叫“爵士鼓”或“舞鼓”。架子鼓一般是由五至七个大小不同的鼓组成。分为大鼓又叫踩鼓、大筒鼓、小筒鼓又叫耳鼓及小军鼓，并附有吊钗和踩钗各一个。演奏者用两只脚分别演奏大鼓和踩级，两只手演奏小军鼓及筒鼓和吊钗。由于演奏者要同时手脚并用演奏大小不同的鼓和钗，所以演奏起来比较复杂。第三章校园歌咏的演唱形式大合唱分类与演唱技巧
大合唱包括齐唱、独唱、重唱、对唱、合唱。齐唱与合唱有时穿插朗诵的，通常由管弦乐队伴奏的多乐章的大型声乐套曲。
大合唱指集体演唱多声部声乐作品的艺术门类。它要求歌唱群体音响的高度统一与协调，是普及性最强、参与面最广的音乐演出形式之一。人声作为合唱艺术的表现工具，有着其独特的优越性，能够最直接地表达音乐作品中的思想情感，激发听众的情感共鸣。《黄河大合唱》是冼星海最重要的和影响最大的一部代表作。作于1939年3月，并于1941年在苏联重新整理加工。这部作品由诗人光未然作词，以黄河为背景，热情歌颂中华民族源远流长的光荣历史和中国人民坚强不屈的斗争精神。痛诉侵略者的残暴和人民遭受的深重灾难，广阔地展现了抗日战争的壮丽图景，并向全中国全世界发出了民族解放的战斗警号，从而塑造起中华民族巨人般的英雄形象。《黄河大合唱》写成于抗日战争时期，1938年秋冬，作者随抗日部队行军至大西北的黄河岸边。中国雄奇的山川，战士们英勇的身姿激发了作者的创作灵感，时代的呼唤促使他怀着高涨的爱国热情谱写了一篇大型朗诵诗《黄河吟》，后来被改写成《黄河大合唱》的歌词。作品由八个乐章组成，它以丰富的艺术形象，壮阔的历史场景和磅礴的气势，表现出黄河儿女的英雄气概。齐唱
也是合唱的一种表现形式。在同一个旋律下，用不变换声部的唱法，从开头唱到尾。
齐唱：指两名以上的歌唱者按同度或八度音程关系同时演唱同一曲调。顾名思义，齐唱要求演唱整齐统一，咬字清楚，唱出精神，唱出力量。
齐唱歌曲一般形式短小，词曲简单、易唱，且富有鼓舞作用，易被职工群众掌握，适合职工群众集体演唱。一般采用钢琴、手风琴或多只手风琴伴奏。当然，如果条件许可，组织乐队伴奏效果会更好。
判断一首齐唱歌曲是否能轮唱，主要看两个方面：歌曲内容和情绪要求；从歌曲的和声、节奏处理来判断它，把歌谱排列成轮唱形式即可看出。在组织齐唱要注意各方面的问题。
1．选好演唱的曲目
音域不能太宽，否则容易出现高音上不去、低音下不来的局面。只有音域适中，演唱者才容易正常地发挥自己的演唱水平。
2．男声部和女声部均衡搭配
在实际训练中以达到和谐、饱满为宗旨来调节男女声的比例。
3．指挥是齐唱、轮唱的灵魂
强调指挥的作用在齐唱和轮唱中尤为重要。要使演唱步调一致，必须始终如一地服从演唱指挥，决不能强调个人或声部。当然，要挑选一个好的指挥十分难。对齐唱、轮唱而言，指挥更是至关重要。合唱
合唱指两组以上的歌唱者各按本组所担任的声部演唱同一乐曲。它是层次比较高的职工群众歌唱艺术形式。
合唱分为两大类：同声合唱和混声合唱。其中同声合唱又可分成三种：童声合唱、女声合唱和男声合唱。合唱歌曲的排练，一般应从声部练习开始，以熟悉声部、唱准曲谱，然后将各声部组合起来进行和声感觉训练。参与合唱的人要注意吐字清楚，注意聆听整体和声效果，从而充分展示合唱效果。合唱，一般也采用钢琴、手风琴或组织乐队伴奏。
合唱具体的排练中要注意几个方面：选好适合于高音部或低音部的人选，这样有利于各自音色的发挥；每个声部要训练到不受干扰的程度，以免出现整体的不和谐；在演唱训练达到熟练程度时再与乐队进行配合演练；十分重视演员演出的排列阵营，做到高低有序、错落有致。连唱
连唱是一种活泼又有新鲜感的职工群众歌唱形式。它可以形成规模大小不一的演唱组合。连唱的曲子一般可以从内容或从时间上进行自由选择组合，可以形成较大的衔接，也可以形成较小的过渡。
在排演连唱节目时，要注意几个方面：要抓好各个曲目的历史衔接或者是内容上的平衡衔接。这样能使观众在观赏过程中产生美感；要注意演员服装和曲目内容的有机统一。如唱民歌的演员穿着民族服装；要十分强调转换曲目时乐队演奏的吻合效果，让听众感到是一种有机而又不失和谐的结合；连唱要特别强调所唱歌曲的历史韵味，使其富有时代感和新鲜感。对唱
两个或两组歌唱者的对答式演唱。两个人对答式的演唱，形式较为活泼。对唱与重唱不同，所演唱的是单声部歌曲。根据人声的不同还可分为：女生对唱、男生对唱、男女生对唱等，也可分两组对唱。对唱一般为两人如同谈话问答式的演唱，形式活泼，和重唱不同，都是单声部的歌曲。
对唱形式在民歌中应用非常普遍。在非洲，部落居民聚会商讨重大问题或进行宗教仪式时，经常利用对唱的方式交流。欧洲许多国家民间聚会狂欢时载歌载舞也经常利用对唱方式。中国乡间尤其是少数民族地区，对歌经常是青年男女表达爱情的重要方式。
现代流行音乐中，尤其是滚石乐和摇滚乐中也经常使用对唱形式，受美洲黑人音乐的影响，西方古典音乐中也有对唱的形式。轮唱
轮唱是由两个、三个或四个声部演唱同一个旋律，但不是同时开始的齐唱，而是先后相距一拍或一小节出现，形成此起彼落，连续不断的模仿效果。属于多声部音乐。各声部既演唱同一个旋律，又形成互相对比、交叉的效果。我国现代群众歌曲中常用轮唱这种形式。复调音乐中称之为“卡农曲”。
所谓的“轮”就有滚动的意思。在同一个旋律下分部唱，轮到哪部就哪部唱，每一部之间要相差两拍，是合唱的一种表现形式，不管分多少部，但结尾都要统一到一部才能结束。二重唱分类与演唱技巧
二重唱是声乐演唱形式之一。重唱指两个或两个以上的不同声部的歌唱者，各按自己声部的曲调，重叠着演唱同一乐曲。
按声部或人数分为二重唱、三重唱、四重唱等。重唱除了作为音乐会演出的形式外，常用于歌剧、清唱剧等大型作品。重唱既可抒发不同人物在同一时刻的共同感情，也可以揭示他们相互之间的感情冲突。
二重唱是音乐名词，是同等重要的二人唱。不论有无伴奏，都称作二重唱。
从演出形式上分：声乐二重唱（即供两人歌唱的咏叹调）或一般性的歌曲，通常皆有乐器伴奏。前者为歌剧中的重要部分，特别是“爱情二重唱”，在歌剧中经常采用。歌剧以外的二重唱，可于舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、门德尔松等作家的作品中见到。早期无伴奏的二重唱，是16世纪称为“比契尼恩”的二重唱。17世纪的室内二重唱，皆有伴奏，它有很高的艺术价值与教育意义，那是更高级、典雅的音乐。二重唱的分类
二重唱的种类，既同声二重唱（包括男声二重唱、女声二重唱）和混声二重唱。
1．男声二重唱
同音色的二重唱可以表现对立，特别是男声二重唱，19世纪的歌剧舞台上甚至把“决斗二重唱”作为一种特定的类型。
例如《奥赛罗》第二幕的终场是奥赛罗和亚戈的“复仇”二重唱，作曲家让雅戈的旋律像固定低音那样顽固地坚持，在他的挑唆下，奥赛罗的情绪被激怒到了顶点。
还有柴可夫斯基在《奥涅金》第二幕第二场中的奥涅金和好朋友连斯基，为一点小事决斗，他们唱同一支旋律，但各人旋律的进入时间不同，音程也不同，更好地表现了对立的情绪。
在比如歌剧《卡门》第三幕中斗牛士埃斯卡米洛与霍塞的二重唱也是一段决斗二重唱。
威尔第《唐·卡洛》第四幕第一场中国王菲利普与宗教裁判长的冲突虽然不是你死我活的拼争，但其本质仍然是角色之间强烈的对峙，也可列入这一类。这是两个男低音的重唱。
2．女声二重唱
无论歌剧剧目的剧情有千种万种，二重唱表现的内容不外乎两种：情绪的统一或是对立。作为最典型的情绪为融合型，以同音色的结合最有效果，女声二重唱比男声二重唱更为多见。这类大抵是和情节关系不大的谣唱性重唱，因此较多地出现在某一场开始部分。
如柴可夫斯基《叶甫盖尼·奥涅金》第一幕的姐妹二重唱等。
德立勃的《拉克美》第一幕有一段女声二重唱《来吧，马莉卡》。拉克美和女仆马莉卡一边唱着优美的歌，一边走向小河，坐船采莲去。这是一段女高音和女中音的重唱。
3．混声二重唱
混声二重唱是男女声部之间的组合，除了音色方面有更多的选择余地之外，在内容上也可能有着更为戏剧性的因素，因为那可能发生在父女的、母子的以及各种关系的男女角色之间。
例如威尔第《游吟诗人》第二幕第一场阿珠丽奇和曼利可这对互不知真情的母子二重唱。
而二重唱形式中最动人的莫过于男女声的爱情二重唱了。在这一形式中既有音色的对比，又有感情的抒发，几乎每一部歌剧都有“爱情二重唱”，它是作曲家刻意展示的重要段落。
例如歌剧《茶花女》中每一场都有动听的男女二重唱。还有莫扎特在他的歌剧《女人心》中对重唱又有了特殊的设计，他让两对情人以平行三、六度进行重唱或模仿，在这种完全亲和的音程运动中，两个声部融为一体，旋律的性格也随之磨平了个性而倾向一般性。也许莫扎特认为，这两位女子的表现才是女人的共性呢！二重唱的结构
1．音色变奏
简单的歌曲型二重唱是音色变奏。即同一旋律由不同音色各唱一次，然后再以结合的音色唱一次。
在歌剧中这样的例子很多。例如《魔笛》第一幕第二场中帕帕基诺和帕米娜的二重唱、唐尼采蒂《拉美莫尔的露契亚》中第一幕第二场《乘着微风上》等等，都是同一旋律男女声轮流演唱一次，然后是平行三、六度进行。
有时由于音域的差距，也可用不同的音色在不同的调性上演唱。
例如歌剧《弄臣》第二幕结束的二重唱就是这样的例子，弄臣和他女儿先是同唱一样的旋律，最后在平行进行。
莫扎特把他《唐·璜》中像这样类型结构的第七分曲《把你的手给我》称作“小二重唱”。花花公子乔凡尼请求农村姑娘采琳娜到他的城堡去，最初她心存戒备，装饰性的音调表示着她的内心犹豫不决，两个声部合唱的段落中有时分有时合，但最后终被说服，两声部相合演唱。肖邦非常喜欢这一段，因此以它做主题写了一首变奏曲。
2．多段综合
在浪漫主义的早期作品中这一类型的二重唱几乎都有宣叙调作引子，然后在慢板—快板的基础上把快板部分扩充。当乐段的长度和难度方面有进一步的发展时，就构成了大二重唱。
例如《特里斯坦和伊索尔德》中大二重唱占了整个第二幕。普契尼的《波希米亚人》第一幕威尔第《假面舞会》等也都有同样的表现。《蝴蝶夫人》第一幕巧巧桑与平克尔顿的“爱情二重唱”是普契尼歌剧中结构最复杂的一首二重唱。它由四大段组成。第一段是个三段体结构，第二段与第一段相同，第三段是多主题的拱形结构，在这段中出现了许多动机，最后一段是巧巧桑初次上场的主题。这段二重唱以A大调为中心，但却结束在F大调，以六和弦结束。三重唱的结构与演唱技巧
三重唱是一种专为三人合唱所谱制的乐曲。在歌剧中，除二重唱被广泛运用外，三重唱亦是最常见的一种声部组合形式。
莫扎特就十分爱用三重唱，《女人心》第一幕第二场阿尔方索安慰两位青年的未婚妻时用的就是三重唱。在莫扎特的其他歌剧中，三重唱往往与二重唱、四重唱、五重唱等混合使用，其织体形态时而是自由模仿式、时而是对话式、时而是衬托式、时而是柱式用得十分灵活。《卡门》第三幕第二十分曲是一段三重唱，前面的大量篇幅是两个吉卜赛姑娘洗牌算命的二重唱，然后进入卡门的声部，形成织体自由的三重唱、先为衬托式、最后为柱式。多种重唱形式混合使用的现象，在《费加罗的婚礼》中更是屡见不鲜。另外，还有威尔第创作的歌剧《欧那尼》。
除了在某一戏场面中插入的短自一两句，长至更多一些乐句的乐段式三重唱结构外，还有斌格式和交响式。斌格式
罗西尼《塞尔维亚理发师》终幕的暴风雨过后三重唱即宣叙调和三重唱，体现了一种多主赋格式的结构。这是巴赫之前的赋格形式，乐曲的每一句都有自己的答句，整个乐曲由一连串的应答构成。
剧中罗西尼的三重唱是采用多主题赋格式的格律形式。它恰当地表现了戏剧发展环节上不同角色的同样心情。不同的主题又多侧面地揭示了人物心境的层层递进，因此成为歌剧中脍炙人口的精品。交响式
莫扎特把他的交响乐写作技巧用进歌剧的创作中。《费加罗的婚礼》第一幕中伯爵正想调戏苏珊娜，恰被音乐教师巴西利奥撞到，而苏珊娜又为了要藏匿凯鲁比诺而紧张。表现这一情景的第七分曲的三重唱是一个三部性的结构，呈示部主部有两个动机，其一是表示伯爵的气愤，其二则为巴西利奥的道歉。连接部由苏珊娜唱出，之后在f大调进入第三动机，那就是表示这三人都很尴尬的动机。虽然这三个动机的素材与剧中人物的咏叹调旋律并无关系。但在这段重唱中却也能把人物在情景中的心态表现得很好。四重唱内涵与组成模式
所谓四重唱，就是四声部合唱的复音歌曲。这种作品，是由作曲家弗莱米斯于1450年左右创立。
16世纪的许多歌曲例如《经文》《弥撒曲》《牧歌》等，均由四部组成。以后有扩充为五部、六部至八部的结构。
17世纪，四部合唱作品只用于英国的无伴奏的格利合唱和德国的圣咏合唱。
到了19世纪，由于英国的合唱俱乐部倡导的一种叫做“a cappela”（无伴奏合唱），而且，此类作品被认为是研究和声学及对位法的最佳途径。
在歌剧中是指在同一戏剧场景中，四个出场人物的戏用四重唱形式来表现各人的心理情感状况，这是作曲家的常用手段。
例如普契尼的歌剧《艺术家的生涯》中的第一幕诗人、画家、哲学家、音乐家这四个穷困潦倒的青年在拉丁区破旧阁楼上生火取暖、狼吞虎咽的时候，便穷开心地唱起了的四重唱。
威尔第的歌剧《奥赛罗》第二幕第四场，黛丝德蒙娜为卡西奥求情，给妒火中烧的奥赛罗火上加油，令其言语充满恼怒，黛丝德蒙娜问道：“是什么叫你心烦？”奥赛罗称：“头痛难忍……”
黛丝德蒙娜拿出手帕要为奥赛罗消痛，奥赛罗粗暴地将手帕扔到地上：“你快走！你快走。”
就在这矛盾冲突激化的关键时刻，威尔第安排了一段黛丝德蒙娜、奥赛罗、雅戈、雅戈之妻爱米丽亚的四重唱。
奥赛罗与黛丝德蒙娜痛苦万状，爱米丽亚指责丈夫施阴谋诡计，雅戈强令爱米丽亚将捡起的手帕交他。这段音乐对此时各人的心理作了微妙的解释。
还有《弄臣》第三幕中公爵、玛德琳娜、吉尔达、弄臣的四重唱，先让各个角色逐一亮相，最后，再把四个声部巧妙结合。
从音乐中可以看到，威尔第是以公爵的声部为主，其余三个声部都是装饰性的对比，但它们的旋律又都有各自的特点，充分显示了每个角色的曲调特征和人物性格。因此这段音乐既清晰、又有立体感成为该剧中的经典，受到原剧作者雨果的赞赏。
另外，四重唱并不一定都是戏剧性很强的场面，有时只是情节发展进程中的一个短暂中止。例如贝多芬的《费德里奥》第一幕第一场中的四重唱，列昂诺拉乔扮男装，不料被典狱长罗科的女儿玛切琳娜看中，这又引起她的情人雅基诺的不快。
这段音乐的主题是相同的，但歌词不一。旋律先由女高音的玛切琳娜唱出，继而分别由列昂诺拉、罗科以及雅基诺以八度进入模仿。贝多芬用这样的织体表示他们议论的是同一件事，因此模仿声部的歌词听不清也无碍大局。
在歌剧《浮士德》第三幕中玛格丽特、梅菲斯托费勒斯、玛尔塔和浮士德的四重唱也没有强烈的戏剧冲突，也只是普通的终场而已。
大多数的作曲家都希望四重唱由均衡的男女高低音声部组成，而这愿望又必须符合剧情的发展才行，这就使得四重唱的发生概率相对要少些，不像二重唱那样几乎是每一部歌剧都有。其次，声部的关系复杂总是影响到效果的清晰，这就使得四重唱的篇幅不可能太长。
试读结束[说明：试读内容隐藏了图片]