作者：马西莫·维涅里
出版社：广西师范大学出版社
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设计的准则试读：
导言
应本书的出版人之邀，我开始审视这样一本读物的意义，并意识到它可能会成为有助于更好地理解平面设计中的版式设计的有效工具。这本小书所展现的，就是我们的准则——我们为自己设置的标准。
在若干次教学情境中，我注意到年轻设计师缺乏对一些有关版式设计基本原理的掌握；我认为传播自己的部分专业知识或许是有益的，并希望借此改善他们的设计技能。创造力需要知识的支持，方能获得最佳的呈现。这本小书不是要扼杀创造力，也不是要将其简化为一堆原则，它并非妨碍好设计发生的方程式，而是希望制止对设计专业复杂性缺乏了解的状况。大脑应该负责运用合适的方程式去实现预期的结果。
我非常愉快地回顾了版式设计中有所收获的每一个契机，它们有时候来自于大师，有时候来自于同辈的设计实践者。我向瑞士同仁学习规范的设计，向美国同仁学习留白，向德国同仁学习字体强有力的冲击力，向英国同仁学习风趣机智……我向世界各地的同仁们借鉴学习。这种美好而充实的感受源自新的发现，还有探索以新的方式处理同样的事务并获得更好结果的体验。我希望这本书能给大家带来这样的感受。总之，无论如何，我希望确认并重申那些我们设计师所钟爱的——为我们自己所设定的准则。Alan Fletcher第一部分无形的因素语义学
我总说设计中有三个方面对我而言是非常重要的：语义学、句法学、语用学。
让我们分别来考量它们。
在我看来，语义学是对于我们需要设计的任何事物的意义所展开的探寻。在接受一项新的设计委托时，无论是平面、产品、展览，还是室内设计，我所做的第一件事就是研究它的“意义”。这个过程可能始于相关的历史研究，旨在更好地理解项目的本质，并为新设计的发展找到最合适的方向。我的工作可以是检索尽可能多的有关企业、产品、主体的市场定位、竞争、其终极使命和终端用户的信息，或是探寻该项目主体的真实含义及其语义学根源。任何设计，如果要获得令人满意的结果，下列因素是至关重要的。花时间探索精准且最本质的意义，探讨其复杂性，学习其模糊性，理解使用的语境，都会是更好地界定我们将会在其中展开工作的限制性因素。除此以外，还有跟从我们的直觉与判断力对研究进行筛选，并就手头的问题做出自觉而有意识的定义。语义学能够为任何有了正确开端的项目提供真正的基础，最终成为设计师本身的一个重要部分，而且成为自然的设计过程中的重要组成部分——显而易见的设计的出发点。语义学还会表明我们能够根据自己的意图进行阐释与转化的某个特定主体最合适的形式，不过，以最轻松也是最自然的方式通过复杂的过程——其中大部分是直觉的——提取语义学研究的本质，以及在设计中添加所有所需的认知，这些都是重要的。就好比音乐，当我们聆听曲目的时候，并不需要知晓作曲家在完成作品的过程中所经历的所有环节。没有语义学的设计是肤浅而没有意义的，而很遗憾的是，这种情况随处可见。因此，年轻的设计师训练自己以正确的方式展开设计的过程，是至关重要的——这也是唯一的、能最大程度地丰富他们的设计的方式。
语义学，它在设计中意味着全方位多角度地理解设计主体，并且在设计主体与发送端和接收端之间，以对双方都有意义的方式建立联系。这意味着设计有意义，而非主观武断的事物。它有存在的理由，且每个细节都承载着含义，或针对某个明确的目标有着清晰的设计意图。我们常常看见一些没有意义的设计：色条与虚张声势的色块毫无理由地铺陈，占据了视野。我认为，这种做法不是毫无意义，就是难以置信的庸俗，而如果是刻意为之，就可以称得上“犯罪”了。遗憾的是，一些设计师与营销人员却在有意识地轻视客户，并带着这样的想法：对大众而言，粗俗具有一定的吸引力。因此，他们持续地为市场提供粗糙而庸俗的设计。在我看来这就是一种犯罪！因为和其他的公害一样，它制造了视觉污染，使我们的环境恶化！虽然民间的交流通常在某种程度上可以说是粗俗的，但这并非意味着相关的所有形式的沟通必须带有这样的特质。“粗俗”暗示着一种有意识地忽略“任何形式的、既有的、文化的”表达方式。在我们的当代社会里，已经越来越难找寻曾经存在于工业革命之前的那种坦诚的民间交流的形式了。句法学
我的伟大的导师密斯（Mies）曾经说：“上帝存在于细节之中。”这就是句法学的本质——在遣词造句和设计语言表达中控制语法的正确使用的准则。设计的句法是由项目本质中存在的诸多元素组成的。以平面设计为例，它们是总体结构、网格、字体、文本与标题和插图等。平面设计作品的连贯性是通过其中相关元素之间合适的关系体现的：字体如何在每个页面与网格和图片相互关联并贯穿全书，不同的字体尺寸之间如何建立相互关联，不同的图片之间如何建立相互关联，部分如何与整体建立联系。这里存在着实现所有这些关系的正确的方式，同时并存着不正确的方式，而后者是应该避免的。
在平面设计乃至人类所有活动中，句法的连贯性都是至关重要的。网格是能够帮助设计师在平面设计中实现句法连贯性的若干工具之一。语用学
无论我们做什么，如果不被理解，就是沟通的失败，是枉费工夫。我们的设计所做的，是自己认为在语义上正确，且在句法上连贯的事物。不过，如果从成效这个角度去考量，若是没有人能理解设计的结果以及所有的付出所包含的意义，那么整个工作都是没用的。有时候或许需要一些解释，不过无需阐释的状态会更好。任何人造物都应该能够清晰明确地独立存在，不然某些非常重要的东西就是缺失了的。任何事物最终呈现的外观，都是设计阶段的副产品，可能是明确清晰的，也可能是缺失的。理解任何一个项目的出发点及其所有设想，对于全面领会其最终结果并衡量其效益而言，都是重要的。清晰的理念会转化成为清晰的成果，这在设计中至关重要。混乱、复杂的设计则揭露同样混乱、复杂的头脑。我们热爱丰富性，但是憎恨复杂化！
说到这里，我必须补充一些我们所欣赏的有力量的设计。我们不欣赏没有结构的设计，而赞颂带有智慧的优雅的设计——这里意味的是心灵的优雅，而非方式方法的优雅，优雅是粗俗的对立面。我们欣赏的设计是超越潮流模式的，也是超越速朽的狂热时尚的。我们希望设计尽可能地做到永恒。我们鄙视陈旧文化。我们感到出于道德和责任的设计创作更经得起时间的考验。
每一天，我们都带着这些价值观和考量进行设计创作，无论面对何种委托、何种情势：二维或三维，大规模或小尺度，富有或贫穷。设计为一！规则
对于细节的关注需要规则的约束。不允许敷衍、草率，也不允许拖延！每个细节都是重要的，因为无论做什么，其结果都是创造过程中所有细节的总和。论及品质，并没有程度上的区别，只有“有品质”或“没有品质”两种情况，没有品质就是浪费时间。这是我们在创作过程中所必须遵从的一种责任，并应不辞辛劳、持续不断地为之付出努力。这就是规则。离开了规则就没有好的设计，更遑论所谓的“风格”。规则是一组自我设定的准则，规范着我们的实践。它是一个工具包，使得我们可以从头至尾以连贯的方式进行设计。规则同时也是一种态度，让我们得以控制自己的创作行为，借此令统一的设计观念贯穿始终。
设计如果没有规则，将是混乱的，是一种没有责任心的活动。适度性
适度性的概念是我之前所述内容的一个延续。一旦我们对设计的对象追本溯源，也就意味着我们在针对某个特殊问题界定恰当的解决方案所可能存在的范畴。事实上，可以说适度性是就任何既定问题的特殊性所进行的探索，而就此做出界定，可以使我们避免选择错误的方向或是无路可走，也可以避免更糟糕的、给出错误解决方案的情况。
适度性指导我们选择正确的媒介、正确的材料、正确的比例、正确的表达方式和色彩与肌理，会带来客户在见证解决方案之后的赞许。适度性超越任何与风格相关的议题——一个问题会有多种解决方案、多种操作方式，不过其中的相关性在于无论如何结果必须是适当的。我想，我们必须尊重一件事物的本质，而不是武断地对其进行界定。不过有的时候要实现正确层次上的连续性，还需要遵从其他的规则。至少就我而言，这个相关因素通常决定了设计结果的外观。这也是我们标准中的基本原则之一。
在后现代时期，动词结构“使其适合”所设定的意义，在于借用某种事物并通过将其置于不同的语境而对其进行改变。我们可以说，这种“适度性”在合适的时候是可以实现的——然而那不过是另一种解决问题的方式或创造性的表达。模糊性
我不认同“模糊性是一种含糊的形式的负面意义”这样一种观点。对于模糊性，我有一种积极的阐释。我认为，它代表了多元化的含义，抑或是就某种物体或设计进行比照的能力，也是以不同的方式真实存在的可能性——每一种方式都互为补充，以丰富主题并赋予其更深刻的含义。我们常常运用这种工具来提升设计的表现力，而且珍惜最终的成果。不过，在把玩模糊性的时候，必须多加小心，因为一旦没有掌握好分寸，就会适得其反，带来令人不愉快的结果。有时候，矛盾能强化模糊性，但在更多的情况下，它是缺乏连贯性与失控的迹象。
模糊性与矛盾性可以丰富一个设计项目，同样也可以导致失败。因而，在运用这些调味品的时候，我们务必谨慎行事。历史、理论与批评
在我的认知中，对设计史、理论的发展以及由此引发的批评的深度理解，毫无疑问是一位设计师成长过程中最重要的方面。不了解过去，就无所谓对当下的理解以及对未来的构想。任何人工制品的创造都会受到理论的制约与影响，而这些理论真真切切属于历史的一部分。我们所创造的任何事物都反映出某种特别的方法，这种方法同样也会引出一些理论。作为设计师，能意识到这一点，对自己所从事的活动有完整的认识并独立于任何形式与风格之外，是至关重要的。
设计史的知识之所以重要，在于它为我们提供了一种洞察力，以探知与每个时期、每一种运动或表现方式所引发的与人工制品相关的诱因。只有对于“为什么”有了深入的了解，我们才能理解“做什么”，并进一步欣赏它们。越是花更多的时间回顾过去，就越能更好地理解当下的现象，并更好地构建自己的理论和设计。
我们的思维一旦生发出理论结构，并以此对周遭的世界作出评估，我们就开始培育一种批判的工具，以之用于检验所有的创造形式，并发展出会对我们的创造性活动产生影响的思考。
历史是根据我们的评估或批判决定我们的行为与行动的理论的序列。我们可以很明显地看到历史、理论与批评对于年轻设计师的成长如此重要的原因，以及它们作为实践操作的基础对于我们创作的重要性。
这再一次解释了保存伟大的设计师的创作对于塑造未来设计师的重要性。通过敏锐而严肃的检验，可以重新建构引发人工制品的理念与理论，并借此更好地理解其价值与历史相关性。这也将有助于评论家运用自己更好的方式研究设计，而不是简单地追逐潮流。它有助于理解事物的意义并掌握它们。这就是设计史料逐渐成为年轻一代设计师成长过程中最为重要的工具的原因所在。
历史、理论与批评，这些才是设计真正的脊梁！现代主义
我喜欢将现代主义的开端定在狄德罗（Diderot）与达朗贝尔（d’ Alembert）的《百科全书》（Encyclopedie）出版之际，也就是18世纪中叶。这是农业社会向工业社会转型的伟大时期，这一项宏伟事业是启蒙典型的化身，被宗教控制的文化开始向自由而进步的世界观转型。
在《百科全书》中，我们见证了它对纯手工的最后表现以及对机器时代的早期描述，这是伴随以不同方式进行设计的需求的产生而出现的。手工匠人不再是最终成品的掌控者了，因为出现了一个新的角色——这个角色所设计的产品由机器生产制造，从玻璃到瓷器、从钢铁到织物、从纸张到字体，等等。
启蒙引发了新的思维方式：人们期待一种变化的社会秩序。法国大革命加速了人类的演进并为思想注入了新的力量。人从过去几个世纪沉重压抑且狭隘的限制中解放出来——现代意义的“人”诞生了。新的天地鼓舞着每一个领域的思想，从科学到艺术、从政治到商业。19世纪初蒸汽机的出现给工业注入了力量。发展至现在，我们需要针对仍在不断演进的生产环节来设计产品。从铁路到纺织业再到农业领域，机械化的操作取得了主导地位，钢桥连接了新时代。尽管最初产品的设计方式颇为幼稚，但后来开始有意识地展现新的技术与情感。
马克思与恩格斯表达了一种变化中的社会对于正义的需求。而一种审视人类生存状态的新方式，则创造出覆盖社会方方面面的新意识形态，它们伴随工业革命而产生。19世纪中期，威廉·莫里斯（William Morris）反抗由于工业生产方法的不当使用而造成的设计风格与创作技巧上的萎缩，倡导人们关注家具乃至织物产品的设计，现代意义上设计师的轮廓随之逐渐成形。到20世纪初，彼得·贝伦斯（Peter Behrens）已经塑造出了现代工业设计师的原型，他以新的思维过程与新的表达方式主导了整个设计领域。这是第一位关照产业对沟通传达需求的设计师，也真正创造了旨在体现企业的远景及其对整体性与品质的承诺的公司标识。包豪斯主要体现了这种哲学，设定了设计专业在意识形态与形式上的范畴，呈现出了丰富的敏感性与明确的目标。
现代主义不是一种风格，而是包含了对于生产过程以及产品最终目的的认识，是一种意识形态的反应。风格指的是另一面，是制造商投机欲望朝生暮死的表现。现代主义充满了生机，且仍然处于良好的状态，原因在于其存在的理由是永恒的，其必须履行的责任从历史的角度看则是正当而有效的。设计为一
16岁的时候，我进入位于米兰的卡斯蒂廖内建筑事务所（Castiglioni Architects）成为一名绘图员，这里是我的起点。这家建筑事务所遵循阿道夫·卢斯（Adolf Loos）的宣言，即建筑师应该能够设计所有的一切，“从一把勺子到一座城市”，活跃在整个设计与建筑领域。他们设计了具有标志性意义的收音机、美丽的银质餐具、露营用家具、有趣的凳子、工业风格的书架，还有很棒的漂亮房子，以及一座令人难以置信的博物馆。他们也设计餐厅、商业展销会、展览、家具等，成果不胜枚举，已经成为意大利设计的标志。我强烈推荐所有的设计师对他们的作品进行调研学习。其参与项目的丰富性使我深感震动，我迅速就被建筑师能够在诸多不同领域进行实践的可能性深深吸引。我发现掌握可以运用于所有设计的设计规则是非常重要的，因为对于每一个项目而言那都是基本要素，具有必要性。“设计为一”——这里所指的“一”并不具有多样性，而是说设计的规则是唯一的，无论风格。但这种唯一的规则可以被运用于许多不同的设计主题中，它高于并超越任何风格。所有的风格在表达诠释的时候都需要规则的约束。很多时候，人们认为设计是一种特别的风格，而这是大错特错！设计是一种规则，是带有其自身规定法则的创造性的过程，围绕其目标，以最直接且最具有表现力的方式控制着结果的统一性。
在职业生涯中，我一直努力抓住各种机会丰富自己的设计实践：从玻璃到金属、从木材到陶瓷到塑料、从印刷品到包装、从家具到室内设计、从服装到服饰、从展览设计到舞台设计，等等。所有的一切和每一次的尝试都曾经是、现在也仍然是诱人的挑战，检测着直觉与知识、激情与好奇心、渴望与成功之间的互动关系。视觉的力量
我们总是说期待在视觉上具有力量的设计。我们不能忍受在观念、形式、色彩、肌理的任何一方面或者所有方面都贫弱无力的设计。我们认为好的设计始终是创造才华的表现，提出以美好的形式与色彩来体现，并有清晰的理念，在设计当中的每一种元素都以最有力量的方式来展现内容。要实现强有力的表现，存在着无数的可能性。例如，在平面设计中，在同一个页面里运用不同尺度可以带来非常强的冲击力，粗体字与细体字的对比会营造出视觉上的动感，我们成功地运用了这些方法。在三维立体的设计中，通过不同的肌理与材料控制光线，能够产生无穷的、同时也是有效的结果，而调整比例，在不同的大小尺寸之间进行对比，会带来一系列令人印象深刻的可能性。
就一件设计作品而言，至关重要的是它应该充满了视觉张力，并以其独特的呈现来实现设计意图。通过使用精致优美的版式设计或材料，同样也能获得视觉张力，这是智慧优雅的表达，不应该与单纯的视觉冲击力相混淆——但在目前的实际当中，在大多数情况下，视觉冲击力仅仅是视觉上粗俗鲁莽的体现。所以，不论任何情况，若要实现有效的设计，视觉的力量都是值得关注的主题。智慧的优雅
我们常常提到“智慧的优雅”，但请不要与行为举止的优雅相混淆。我想说，智慧的优雅是智慧的升华，体现在人类历史上所有的经典之作中。我们可以在希腊的雕塑、文艺复兴的绘画、歌德崇高的书写以及许多伟大的创意思维中发现优雅。任何时期的建筑、所有时代的音乐、纵贯历史的科学的清晰属性，都是优雅。它是引导我们走向一切创造性活动最佳解决方案的线索，是我们思维的终极目标——超越了妥协与折中，将往往被认为是最卑微的人造物提升到高尚的位置。智慧的优雅还是我们的公民意识、我们的社会责任、我们的理智、我们构思设计的方式，以及我们的道德律令。我再次强调：它不是一种设计风格，而是设计最深层次的意义与实质。永恒性
我们毫无疑问地反对任何流行的设计以及任何设计风潮。我们蔑视陈旧的文化、浪费的文化、朝生暮死的狂热崇拜，厌恶临时解决方案的需求、能源的浪费以及一味求新求异的资本。
我们的存在是为了经久的设计、针对人们的需求而产生的设计。我们的存在是为了关照一个倡导永恒价值的社会、一个受益于商品并值得尊重的健全的社会。我们喜欢采用基本形与基色，因为它们的形式价值是永恒的。我们欣赏的版式设计应该是超越了主观性的，因为我们探索的是客观价值，而一种永恒的版式设计——不追逐潮流，正是以恰当的方式反映内容。我们欣赏经济的设计，因为它避免了浪费，同时它尊重时间与精力的投入，并且更加持久。我们力争实现以信息而非视觉快感为核心的设计。我们欣赏的清晰、简洁、经久，就是设计中“永恒”的意义。
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