作者：王洪谛
出版社：人民邮电出版社
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修片有道 PHOTOSHOP摄影后期专业技法试读：
自序
我从事平面设计工作已经有21个年头了，每天都会不厌其烦地处理大量的商业照片，然后把这些经过后期处理的商业照片用在包装、样本和招贴上。也许是每天接触照片的缘故，我逐渐对摄影产生了浓厚的兴趣，我的网页收藏夹里收藏的摄影网站有数十家，闲暇之余我会到这些专业的摄影网站上去欣赏和学习摄影。摄影已经成为我生活中不可或缺的一部分，希望有一天我也会和那些摄影师一样游遍祖国的名山大川，用光去绘画该是何等惬意。
8年前我离开了工作多年的大都市，回到了阔别已久的家乡。我开始跟随摄影网站参加一些外拍活动，回到家里调整一下照片再发到网站上。可能是自身的美术功底和多年商业照片的处理经验，我很快就在几家摄影网站上崭露头角，我经常受邀去讲解摄影后期处理技法，渐渐结识了越来越多的摄影界朋友，也深知摄影后期对他们来说是何等重要。我想把自己照片后期处理二十余年的从业经验传授给大家，因此萌生了创作摄影后期图书的想法。经过两年多的不懈努力，我先后完成了《Photoshop摄影师后期处理技艺》《摄影后期艺术Photoshop蒙版修图技术完全攻略》两部摄影后期专著，均已由人民邮电出版社出版发行。我还参与了中国摄影家协会的经典系列图书《差一点就能拍出好照片》的案例撰稿。
最让我爱不释手的摄影后期软件当数Photoshop，不是因为它和我有着二十余年的渊源，而是因为它的功能实在是太强大了，它能够让我尽情发挥想象力和创造力。在摄影后期处理中，我不仅可以利用图层、蒙版、通道，以及调整命令和滤镜，还有强大的内置插件Camera Raw，为数码摄影后期的调整提供了有力的技术支持。每个人只要有一台电脑并安装上一个照片处理软件，就可以建立起一个不受空间限制的数码暗房，尽情地享受数码摄影的乐趣。
与以往的摄影后期图书不同，本书是一部涉及诸多学科的摄影后期技术图书，其目的就是更好地发挥摄影人的想象力，培养和确立正确的调整思路。本书在以下几个方面对摄影后期做了重点论述。
审美：美由人类所创造，同时也是为人类所欣赏。你在欣赏美的实践中，创造了新的意象，获得了美感。这种美感应用于新的欣赏实践活动中时，人们对美的理解和感受就会得到深化。
技术：涵盖了Photoshop从基础到高级的常用技术，并以案例分析的形式对混合模式、颜色范围、画笔工具和蒙版技术等进行了详细论述。
对比：对比度对视觉效果的影响不容小觑，一般来说，对比度越大，图像越清晰醒目，色彩也越鲜明艳丽；反之对比度小，则会让整个画面都灰蒙蒙的。高对比度对于图像的清晰度、细节表现、灰度层次表现都有很大帮助。
色彩：尽管我们拍出的照片色彩与被摄物体的真实色彩客观上是存在差异的，但你还是非常希望观者相信你所拍照片上的色彩是真实、精确的。在拍摄与后期中，你对色彩的掌控会直接影响你对照片的阐释，要试着找到你对色彩的最佳掌控方式。而在调控色彩时，有三项非常重要的指标需要每一位摄影人高度关注，这就是色彩的三个特性——色调（色相）、明度与饱和度。
光影：摄影后期利用原片的光影来阐述所描述对象的空间范围、周围环境和透视关系，创造空间感。其中最关键的因素是判断照片的光影，通过光影来塑造画面空间感和层次感。
思路：思考的线索，即在调整前对原片进行分析和判断，找出在前期拍摄照片时存在的问题，并确定一个正确的调整方向来解决这些问题。对于从事摄影后期工作的我们来说，获得一个正确的调整思路比软件技术本身更为重要。
全书共分为7章，由浅入深，循序渐进地介绍后期处理的各项技能，尽量避开生硬简单的说教，用简练的语言阐述摄影后期技术，进而引导读者不断提升摄影后期理论与技术。用心品读，相信每一个人都会受益匪浅。本书不仅适合初学者，对有一定摄影后期处理基础的爱好者也有很大的帮助。此外，本书也可以作为摄影专业相关院校的后期授课教材，并且非常适合平面设计照片处理、摄影后期培训班学员及广大自学摄影爱好者阅读。
为了方便读者阅读学习，本书附配案例素材，包括了书中所有案例的源文件。本书在编写过程中得到了中国摄影联盟网和影友的大力支持，他们为本书提供了大量的原片案例素材，在此表示感谢！
资源下载说明
本书附赠案例配套素材文件及多媒体教学视频，扫描“资源下载”二维码，关注“ptpress摄影客”微信公众号，即可获得下载方式。资源下载过程中如有疑问，可通过客服邮箱与我们联系。
客服邮箱：songyuanyuan@ptpress.com.cn资源下载扫描二维码下载本书配套资源第1章调出好作品的前提条件一幅优秀的摄影作品一定有个吸引人的地方，这个吸引人的地方就是主题，也是最能表达这张照片的精髓所在。一幅好的摄影作品就像一块璞玉，经过大师的巧夺天工才能成为传承之作。正如亚当斯所说：“前期是乐谱，后期是演奏。”再美妙动人的乐谱，如果没有深刻的理解和高超的演奏技巧，也难以感染听众。我们也可以这样理解：好的主题+好的后期=优秀的摄影作品。1.1 了解一些绘画知识
摄影一词是源于希腊语，最早的意思是“以光线绘画”。摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，一般我们使用机械相机或者数码相机进行摄影。有时摄影也会被称为照相，就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。有人说过一句精辟的话：“摄影家的能力是把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图像。”从1839年达盖尔发明摄影术，至今已有160多年的发展史。最初因其逼真的纪实特性，人们往往利用其清晰的实用价值来拍摄人物、风光形象，以满足精确记录大自然和社会生活的目的。19世纪40年代，一些摄影人不再满足照片的逼真记录。他们模仿着学院派的绘画风格，尝试用人物模特等进行画意摄影创作。我国的摄影大师郎静山的集锦摄影，仿国画、重意境、师古法，在形式上模仿传统国画，题材和主题意趣多取自古画、古诗词，是中国绘画风格和摄影技法的统一，既具有个人的艺术风格，又有着鲜明的民族特色。美国摄影学会会长Kennedy认为，郎先生既为中国人，又研究中国绘画，所以他是把中国绘画原理应用到摄影上的第一个人。
西方绘画艺术源远流长，品种繁多，尤其是油画艺术更可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。西方绘画的审美趣味在于真和美，西洋画追求对象和环境的真实。为了达到逼真的艺术效果，十分讲究比例、明暗、解剖、色度等科学法则，把光学、几何学、解剖学、色彩学等作为科学依据。概括来说，如果中国绘画尚意，那么西方绘画则尚形；中国绘画重表现、重情感，西方绘画则重再现、重理性；中国绘画以线条作为主要造型手段，西方绘画则主要由光和色来表现物象；中国绘画不受空间和时间的局限，西方绘画则严格遵守空间和时间的界限。
国画，又称“中国画”，是我国传统的绘画（区别于“西洋画”）。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我、创制意境，达到以形写神、形神兼备、气韵生动。
西洋画重写实，中国画重意境。
看中国画时，重在似与非之间，旨在感受画中的人文精神；而西洋画则追求人体解剖和几何构成，画面更似摄影，注重写实。而一些后现代派的东西，则融入意识流的思想。总之，两种画由两种理念主导。
①中国画盛用线条，西洋画线条都不显著。线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两种物象的境界，所以西洋画很像实物，而中国画不像。
②中国画不注重透视法，西洋画注重透视法。
③中国画不注重背景，西洋画很注重背景。
④中国画题材以自然为主，西洋画题材以人物为主。
⑤中国画的笔墨在修改和描绘方面是存在一定难度的。
⑥中国画用毛笔、软笔或手指，西洋画用硬笔或画刀。《拾穗》米勒《拾穗》是米勒最重要的代表作，这是一幅十分真实、亲切美丽而又给人以丰富联想的农村劳动生活的图画，描写了农村中最普通的情景：秋天，金黄色的田野看上去一望无际，麦收后的土地上，有三个农妇正弯着腰十分细心地拾取遗落的麦穗，以补充家中的食物。她们身后那堆得像小山似的麦垛和她们无关，对比鲜明，表达了米勒对农民艰难生活的深刻同情《夜巡》伦勃朗
1642年，班宁柯克连长和手下的民兵共16个人每人出了100盾请伦勃朗画一幅集体像。伦勃朗没有像当时流行的那样把16个人都摆放在宴会桌前，画出一幅呆板的画像，而是自己设计了一个场景，16个人仿佛接到了出巡的命令，各自做着准备。这幅油画采用强烈的明暗对比画法，用光线塑造形体，画面层次丰富，富有戏剧性。从任何方面来看，都是一幅杰出的作品《抗议派公使约翰内斯·文博加特的画像》伦勃朗
伦勃朗对光的使用令人印象深刻，他善于运用明暗，灵活地处理复杂画面中的明暗光线，用光线强化画中的主要部分，也用暗部弱化和消融次要因素。伦勃朗这种魔术般的明暗处理技法构成了他的画风中强烈的戏剧性色彩，也形成了伦勃朗绘画的重要特色。伦勃朗式用光是一种专门用于拍摄人像的特殊用光技术。拍摄时，让被摄者脸部的阴影部分对着相机，并用灯光照亮脸部的四分之三。以这种用光方法拍摄的人像因酷似伦勃朗的人物肖像绘画而得名。伦勃朗式用光技术是依靠强烈的侧光照明使被摄者脸部的任意一侧呈现出三角形的阴影，它可以把被摄者的脸部一分为二，而又使脸部的两侧看上去各不相同。如果用均匀的整体照明，就会使被摄者的脸部两侧显得一样了《暴风雨》考特
这幅《暴风雨》的主要欣赏点是：光线和色彩的对比和互相衬托的美感力量，这是19世纪美术美学的一个重要特征。画面里的背景是暗的，前景是亮的；男角色彩是暗的，女角色彩是亮的。男体力量的粗犷线条和女体力量的柔细线条，在光线和色彩中得到了鲜明对比，并且二者相互衬托。考特的《暴风雨》抓住了达夫尼斯和克洛伊在暴风雨中逃跑的一瞬间，表达了男女不同的性感力量之美，歌颂了纯洁的爱情和自由的向往，无论是艺术境界还是艺术手段方面，与前人作品相比，都是更上一层楼《林中雨滴》希施金
这幅《林中雨滴》是我欣赏过的无数世界风景名画中最美的一幅，所以正一艺术画廊把它作为推出世界名画欣赏500幅的压轴之作。画家描绘了橡木林中微雨的情景，地下泥泞，泥水中还有倒影，空气中飘着的蒙蒙细雨若隐若现，令远景显得模糊、空蒙、远淡、飘逸，增加了空间感，使画面一下通透起来。那条泥路弯弯曲曲通向远方，画家的朋友萨维茨基照例又在画面上添加了几个人，一对夫妻打着伞，前面还有一位猎人扛着枪。行进的路和行进的人把观众的视线引向画面深处，让人不知雨雾深深深几许1.2 怎样拍出立体感的照片
所谓层次感，简单来说就是空间感，摄影是平面造型艺术，那么如何在平面上真实可信地表现出物体的立体形状呢？比如近处物体清晰，远处不重要的物体就虚些，有主有次，层次鲜明，让人一看就知道哪些是近景，哪些是远景，如果一张照片给你的感觉非常逼真、颜色丰富，立体感明确，就是说这张照片的层次感极好。物体存在于自然界中，各有其不同的形状和体积，都占有一定的立体空间。
摄影画面是平面造型艺术，如何在平面上真实可信地表现出物体的立体形状呢？我们都知道，立体的事物有多个面，多面是立体事物的根本特征，没有多面也就没有立体形象。只有充分地表现出事物的多个面及其分界线，才能很好地表现事物的立体感。
光线影响着物体立体感的表现。此外，被摄体的背景状况也影响着物体立体感的表现。如果被摄体同背景的影调、色彩一致，缺乏明显的对比，则不利于表现立体感。只有被摄体与背景形成对比，才能突出立体感。此外，在拍摄当中，通过调整焦点或控制景深来制造物体同背景的虚实对比，也是突出事物多面性、强调其立体感的一种有效方法。
利用背景的亮度、色彩的明度变化使景物从背景中分离，从而产生层次感和立体感
利用近大远小的透视关系让画面产生立体感，比如这群牛就是由近及远、由大到小使画面产生了很强的层次感
虚化前景创造立体感，这也是利用浅景深创造立体感的方法之一。这张照片在拍摄时根据场景采用了四层拍摄，第一层相机镜头贴在了花上，使前景几乎处于完全模糊的状态，画面由虚到实层次感极强，这种拍摄方法使画面完全脱离了平庸的感觉，赋予了画面立体感
在逆光条件下拍摄可以很好地利用投影让画面产生立体感，再加上由暗到亮、再由亮到暗使画面有了空间感
有时可以把繁杂的背景虚化来充分表现主体，使画面产生立体感
前期拍摄时可以利用布光来完成摄影创作，这种方法使画面立体感更突出
运用透视关系让画面产生立体感
在拍摄风光片时，可以利用特殊的气象条件，比如区域光、丁达尔效应等，不但可以拍出充满视觉震撼力的画面，同时也极具立体感
调整亮度对比度、色彩的同时，你会发现照片的层次感和立体感也增强了，这当然需要你在调整一幅摄影作品之前，就对照片有一个正确的解读，有空间感的概念。右侧上图是原片，画面灰蒙蒙的，光效不明显，画面没有明暗对比也就没有了立体感
通过亮度对比度的调整使照片的立体感增强了，在局部调整时着重突出表现光效。调整后的照片层次感强烈1.3 摄影的画质
所谓画质就是图像质量，在摄影作品中就是指照片中景物的清晰度和精细度。细节则是照片中被拍摄景物的清晰度和精细度，图像的质量越好被摄景物细节越多。可以说摄影作品“细节决定成败”，细节又决定画质，画质和细节是摄影作品的生命。
影响画质的主要因素包括相机、镜头解析度、UV镜片、气象条件、光影、ISO、光圈和速度组合、聚焦、曝光、拍摄角度、照片压缩等，要想获得好画质就必须提高摄影技艺，尽量使用三脚架并使用RAW格式拍照，否则一幅噪点过多、画面死黑或死白等细节丢失的照片，即使我们有再高的后期手段也无能为力，Photoshop软件再强大也不会强大到无所不能。
使用镜头最佳光圈，获得更高分辨率镜头在某个特定光圈下才能发挥出自己最佳的光学素质，在不考虑传感器因素的情况下，一般镜头的最佳光圈在f/8~f/11，此时镜头的锐度要比最大光圈时有极大的提升，而且镜头的紫边、边缘画质等问题都可以获得极大改善。虽然Photoshop CC推出一款“防抖滤镜”，可以把一幅模糊的照片变得清晰，但这和我们直接拍得清晰是两回事，后期调整是画面清晰的一种伪像，只不过是加大锐度，而锐度过大也会直接损伤画质。1.4 画面的通透感
顾名思义，通透即为通明、透亮。
大家常说的通透其实就是照片的前景和远景都非常清晰透明，画面鲜亮。这并不完全是由相机决定的，还跟拍摄时空气状况有很大关系。由于空气透视的关系，越远的景物越不清晰透明（感觉就像有一层雾）。要想获得较为理想的效果，我们应尽量选择晴朗的天气去拍摄，最好是雨过天晴的时候，此时天空是最通透的，干净、柔美、色彩真实、光线和谐、清晰度高，曝光组合恰到好处。
除了气象因素，另外一个重要因素就是我们的数码相机了。你会发现在数码相机的显示屏上查看时画面色彩艳丽、通透，可是在家里的显示器上看怎么照片就没那么好看了呢？这是因为相机的显示屏分辨率远远高出你的显示器，更何况数码相机的显示屏支持Adobe RGB色彩空间，而且JPEG格式的色彩鲜艳度直观上会好于RAW格式，RAW格式记录的是数据、是数码底片，所以数码摄影要想提高照片的通透度必须要经过后期加以完善。
在风光摄影中，我们可以利用雾天进行拍摄。雾天拍摄虽然能见度比较低，但是可以拍出朦胧感觉的照片，朦胧感可以使画面层次分明，但是拍出的照片偏灰，就像右上图亮部不突出，导致画面通透感不好，下图经过调整，亮度和对比度得到了明显的改善，画面变得通透的同时色彩的鲜艳度也得到了提升第2章从Camera Raw学起Adobe Camera Raw是Photoshop的一款插件，能够帮助用户快速处理RAW格式文件，可以说是Photoshop的必备增效工具。对于数码摄影师们来说，处理RAW格式文件实在是一个令人头疼的棘手问题，因为这种文件通常处理起来要耗费很长的时间，而且不同数码相机所生成的RAW格式文件也千差万别。Adobe公司的Photoshop Camera Raw插件能够解决这方面的问题，有了它，你就能够在熟悉的Photoshop界面内打开并编辑这些RAW格式文件。2.1 Camera Raw预设
Photoshop软件安装完成后需要进行设置，点击菜单栏“编辑”→“首选项”命令，在弹出的面板的左侧选择“文件处理”，然后点击右侧面板的“Camera Raw首选项…”按钮，并勾选按钮下方的“对支持的原始数据文件优先使用Adobe Camera Raw（C）”复选框。
①将图像设置存储在：CameraRaw数据库，将锐化应用于：所有图像。
②勾选“转换为灰度时应用自动灰度混合”“将默认值设置为特定于ISO设置”复选框。
③Camera Raw高速缓存，一定要选择一个比较大的盘符，新建一个文件夹，千万不要放到C盘，最大大小为“5.0”GB。
④DNG文件处理：勾选“忽略附属‘.xmp’文件”“更新嵌入的JPEG预览”复选框。
⑤Camera Raw是处理原包格式的插件，应该勾选“禁用JPEG支持”“禁用TIFF支持”复选框。
⑥如果你为电脑安装了一个独立显卡（必须安装的配置硬件），则在性能设置上勾选“使用图像处理器”复选框，Photoshop的运行速度就会加快。2.2 Camera Raw操作界面
Photoshop Camera Raw软件可以解析相机原始数据文件，该软件使用有关相机的信息以及图像元数据来构建和处理彩色图像。可以将相机原始数据文件看作照片负片，你可以随时重新处理该文件以得到所需的效果，即对白平衡、色调范围、对比度、颜色饱和度以及锐化进行调整。在调整相机原始图像时，原来的相机原始数据将保存下来。调整内容将作为元数据存储在附带的附属文件、数据库或文件本身（对于DNG格式）中。Adobe Camera Raw只不过是Photoshop的一个插件，但是无论如何Camera Raw已经足够强大了，对于那些喜欢Photoshop的朋友来说，也许Camera Raw更适合你。
Camera Raw操作界面
①工具箱：Camera Raw的工具箱相对简单，包括裁剪、目标调整、渐变、水平校正、画笔工具、径向滤镜等16个工具。
②全屏模式：点击按钮可以切换到全屏模式。
③直方图：直方图可以更直观地观察色彩及明暗分布情况，在直方图上方有左右两个箭头，那是用来提示照片的高光和暗部溢出警示的。
④操作面板：Camera Raw提供包括基本面板在内的10个面板。
⑤切换模式：调整前后对比、默认。
⑥尺寸、分辨率设置：可以对照片大小进行重新设置，改变像素、分辨率、色彩空间设置。2.3 找回丢失的亮、暗部细节
在大光比环境下拍摄时，我们最好采用包围曝光模式，或者运用相机的HDR模式拍摄，这样我们就可以得到一幅亮、暗部细节完整的照片，避免出现像这张照片一样高光溢出的现象。
原片
01 在Camera Raw直方图上方，左右各有一个箭头，右侧的红
试读结束[说明：试读内容隐藏了图片]