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作者：周丽霞

出版社：安徽人民出版社

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硬笔书法入门学习指南试读：

中国绘画的底子，一为织物，一为纸。手工造纸的方法，因地理环境不同，原料不同，而处理工艺亦大有不同。大体上可分树皮纤维纸与竹纸两种。中国画的墨

墨是中国画主要工具材料之一。墨的种类与性能，较为繁复，且具多种功用。大体上可分为松烟墨和油烟墨两大类。松烟墨是燃松取烟采煤，经漂、筛，去除杂质，配胶、用药、捣，丸等许多工序精心制成，是我国最早的制墨法。明朝以后油烟墨逐渐兴盛起来，主要用桐油、麻油、皂青油、菜子油、豆油等燃烧取烟，再配麝香、冰片等加胶制成。中国画的笔

笔是绘画和书法的主要工具。现在木工所用的蘸墨的竹片，实际上是古代所用的原始竹笔。笔毫一般用羊毛、兔毛、黄鼠狼尾毛、鸡毛、鼠毛、马尾、鹿毛、豹毛、石獾毛等毫发材料制成。此外，还有一种以软毫与硬毫合制而成的介于软硬之间的笔，称为兼毫。书画家可根据各自的习惯喜好和绘画风格，选择得心应手的笔挥毫书画。中国画的砚

砚，是人们熟悉的磨墨工具，砚的品种十分繁多。以其质地分，有玉砚、陶砚、澄泥砚、漆砚、瓦砚、金银铜铁砚、瓷砚，以及广泛运用的石砚；以其产地分，有端州砚，歙砚、洮州砚、青州砚、温州砚、信州砚等40多个品种。其中产于歙县的歙砚、广东的端砚、甘肃的洮砚、虢州的澄泥砚最为著称，号称中国“四大名砚”。其优点是，色如碧云，声若金石，润如壁玉，坚硬耐用，发墨细腻，贮墨耐久，琢式精巧，既有使用价值，又有其艺术价值。中国画颜料

颜料是绘画的重要材料之一。主要分为天然和人造两类。天然颜料多为矿物性的，如朱砂、石绿、朱标、朱膘、赤色等，人造颜料种类很多，包括无机和有机物质。无机物质的有钛白、铭黄；有机物质的如不溶性酞菁及甲苯胺红等。中国画颜料早在新石器时代的彩陶工艺上就开始使用，后至汉魏的帛画、壁画等绘画的发展，对于颜料的运用更加广泛。不过唐代以前多以矿物颜料为主，唐以后因植物颜料随染织业的发达而逐渐用以绘画。及至五代，颜料种类尤为复杂，但一部分化学颜料不及古代天然颜料之能时效持久。现代中国画颜料有块状、粉状和营状等，使用起来较为方便。中国工笔画绘画技法

工笔画工整秀丽，造型严谨，形神兼备，真实感较强。工笔有白描、工笔淡彩、工笔重彩、没骨工笔等几种形式。白描是以线为主要表现手段的画法。它是依靠线本身的粗细、刚柔、方圆等变化来表现各种物象的质感和线条的笔感情趣。

淡彩在色彩运用上，有着独特的规律和方法。淡彩强调典雅、单纯、朴素、纯净的美。画幅以墨为主，略施淡彩。

重彩用色较淡彩用色浓重、艳丽、华贵，给人以富丽堂皇之感。重彩一般均采用积染套色的方法，所谓“三矾九染”。每遍施色要薄，数遍之后，加染一遍胶矾水，以固定画面上的颜色，其效果也显得厚重、沉着。重彩可分勾染法，勾填法两种。勾染法多以植物色积染套色。勾填法则均以矿物色打底，然后再采用句染法。

没骨工笔一般不需勾墨线，而用颜色直接关染。关染时采用磁染法，而不用积色法。碰染也叫撞染，是用两校毛笔，分别蘸上两种颜色，从不同方向染起，中间相碰，形成颜色自然相接，如绿色的叶子，先以深草绿染叶根。再以淡草绿染叶尖，当深浅草绿相碰时，自然形成深浅相间的草绿色。另外，没骨工笔还有注水、注色与注粉的方法，工笔画家陈之佛多用此法。中国画的写意绘画技法

写意有小写意、兼工带写、大写意之分。但一般画法并不是截然分开的。

小写意是写意的一种，其特点是简练概括，强调笔墨趣味，在形神关系上，它不求惟妙惟肖而注重“以形取神”，部分摆脱了形的约束。小写意着重整个画幅的整体气势，而工笔则着重结构的交割。但这也不是说小写意可以不要形似，而是和工笔的要求不同罢了。

兼工带写是小写意与没骨工笔之间一种画法。有时也采用一些工笔的画法，也可采用粗画细染的方法，即采用大写意泼墨粗画，再以工笔的烘染法细染收拾，放而不野，细而不腻。大写意是在小写意基础上，进一步削繁成减，更为简括洗练。写意画一般采用先墨后色的方法，常用的技法有泼墨法（墨或色）、破墨法、积墨法和宿墨法。中国画的指画技法

关于指画艺术，因具有它自己的特点，所以在技法表现上，亦与毛笔画有所不同。作画的指头，指甲不宜过长，也不宜过秃。指甲过长，运用时则有碍于指向，只可全用指甲，而不能兼用指向，所作的线条，往往不能圆浑。指甲过秃只可全用指向，不能兼用指甲，则无助于指力，所作线条浮、软弱，不见滑力。指甲与指向两者必须相辅而相成，使能达到圆浑沉着而有骨力的效果。指画的用指，最常用的是食指，食指着纸，不是甲背，也不是罗纹的前端，而是用指头前端的左、右侧面，甲肉并下。除用食指以外，小指与大指亦常常应用，小指多用指甲作细线。与大指食指稍异，所作线条略比食指的所作线条稍细。除以上大小指及食指以外，中指及无名指是不常用的。然而有时画泼墨破荷叶等，可用食指与中指无名指合并应用。指画用墨一般来讲宜用大焦墨、大湿墨、大泼墨以及枯墨淡墨等。指画画大泼墨时，用指蘸墨，往往苦于水墨分量太少，可用小杯子，先调好浓淡的墨水在杯子内，倾倒于宣纸上，用无名指、中指、拇指三指并用，轻快涂抹，极能得到墨迹淋漓之妙、指画用破墨法，往往以浓墨破淡墨为多，以淡墨破浓墨为艰难、要学好指头画，还得从毛笔的基础入手，不能只玩玩墨趣。中国画的减笔画技法

减笔画为南宋画院画家梁楷所创，他变细笔白描为水墨逸笔，自成一格。“减笔画”，要求画家深入体察所画人物的精神特征，以简练的笔墨，豪放的作风，表现出人物的音容笑貌，精神气质。如《李白行吟图》就是典型的“减笔”画风格，画家以几笔粗放的线条勾出诗人的身躯，又以轻盈流畅的笔墨刻划诗人的面部，画家力图把诗人豁达的胸襟、豪放的性格表现出来。减笔画一般多用线来表现人和物。因为线比较明确而又概括，面较易平板，点则易琐碎“减笔画”即注意于用线，更注意空白，常常不画背景，以空白作为画的对比。中国工笔画人物技法

起稿，先用铅笔或木炭条在图画纸上认真、准确地把人物造形画下来，注意人物形与神的刻画，用线条要准确、肯定。再将草稿拷贝到宣纸或矾绢上，然后再把拷贝好的宣纸或绢绷到一块尺寸大小相同的画板上。

落墨，落墨时以深浅不同的墨色，按人物和其它物象的结构关系及质感、立体感的要求，用不同的线勾出、从线和墨的运用上，就把人物的皮肤和衣服的质感表现出来了。分染，为了表现人物的质感与立体感，可以根据物象的结构关系和固有色进行分染。也可以采用些光影效果，以增加表现力，为下一步的统色打下基础。

统色，根据物象及人物各部位颜色的不同，平涂罩染即可。用笔要求比较单纯，对比要鲜明，但一定要注意画面整个色调的处理。另外，在正式平涂罩染前，可先画一个色彩稿，然后再正式着色、衣服、背景和其它道具因面积大，则应用大笔渲染、着色。

整理，颜色基本完成后，最后再根据画面的需要，局部用色或墨勾一次，如头发、眼后等。中国写意人物画技法

因性别与年龄的不同，画法也略有不同。一般的画法是头部可用浓墨，也可用淡墨，也可浓淡并用，这要依据具体人物与环境而定。在勾勒面部与五官时，可按结构，也可略微结合一定的明暗关系来处理。勾画后，可稍以淡墨渲染，如眼角、眼眶、鼻底、嘴角、唇中线、下巴等处，渲染以少为好，不要留笔触。

人物的手、足较为难画，尤其手更难一些，画时只要抓住指尖、指中关节及基部关节等处的基本形，手指就可画好。同时注意性别、年龄、质感的不同。如女性的手，柔软而有弹性，男性的有力、沉厚。脚的画法，基本上同手的画法一样，但用笔可比手更粗实些。

衣服画法，浅色衣服，用勾勒法。深色衣服，用没骨泼墨法。用勾勒法时，较薄织物，用线可略细些，坚挺些；较厚织物，用线较粗壮些。这样可表现出不同质感。要注意表现结构的衣纹。不是结构衣纹，可大量省略，同时要注意衣纹的组合与疏密关系。

着色，以墨为主，以色为辅。人物画的色彩，基本上用浓淡的固有色。女性以朱磦为主，男性以赭石为主，面色白些的可适当调粉。写意人物着色，一般情况下，水分宜大些，色彩淋漓渗化，使色墨融为一体。中国山水画的技法

唐朝以前，山水画中的山石是“空勾无皴”的。到唐末、五代、北宋时期，山石才有皴，这是山水画一大发展。前人对自然界的山石经过长期的观察、体验和积累，终于总结出表现山水纹理、质感、体面关系的造型手段——勾皴方法；经过历代画家的艺术实践，这些方法又在不断发展充实着。传统的华法种类繁多，常见的皴法有：披麻皴、折带皴、米关皴、斧劈皴、拖泥带水皴等。勾皴的用笔可分为中锋、侧锋、逆锋。要注意穿插交错，疏密聚散，长短曲直的变化。擦是不带笔触的皴，在用笔时，要注意虚实关系处理，并增强山石的“厚重”感。点的用笔要注意节奏，要有大小，快慢，横竖的变化。染，可以用淡墨染，也可用淡彩染，要做到墨不伤笔，墨不碍色，色不得墨，墨中有色，色中有墨，互相配合，相得益彰。但在实际作画中，也不能过于机械地照此程序去做。画法步骤往往是交替进行的。应以所要表现的物象特卢为依据，灵活地进行画面处理。中国工笔花鸟画技法

起稿，先以木炭条定出大的运动线、简略的布局安排以及结构处理，后以铅笔详细地画出各局部的具体结构与动态，要交割清楚，不可含糊。铅笔稿按正稿要求勾成重墨线，然后把铅笔线擦掉，即为底稿。制正稿时，将熟绢或熟宣纸蒙在底稿上。用宣纸轻轻擦一擦，以便容易落墨。一般情况下，浅色花以淡墨勾，深色花及叶子均以重墨勾。分染时可用两支笔，一支蘸色，一支蘸水，分染要适当留出空白处，以显示下一步骤统染的颜色。如染遍数较多，中间可夹染一次胶矾水。罩染也称统染，一般情况下，把所需要的色调好，要轻、要匀，染的次数不宜过多，最直反复涂抹。整理，它主要是收拾画面，调整关系，其中包括点花蕊。工笔勾染的点蕊，一般叫“立粉”。花蕊的颜色要浓，点的粉要立得住。点蕊的原则是浅色花配深色花蕊，深色花配浅色花蕊。其目的在于造成色彩的明度反盖，起到点睛的作用。中国写意花鸟画技法

一般情况下，写意画采用先墨后色的方法，即先用墨来画，再赋色完成。深颜色的花，可用颜色直接画。浅颜色的花，可以先勾墨笔，然后赋色。枝干用笔就需要不同的笔法处理。草木柔软娇嫩，宜用中锋。苍老枝干挺拔苍劲，宜用侧锋或逆锋。叶角有互生、对生、轮生之分，形状有大小、宽窄、长短、多少的不同。故画叶时，要根据叶的生长规律和结构。可以用墨画，也可以用颜色画，同时也可以色、墨混合画。

写意画鸟，大多采用以墨或色直接点染，或者用墨打好底色而后着色的方法。其步骤，可先从头部画起，再依次画背、翅、尾、胸腹、爪。也可先从背部画起，再画翅、尾、胸腹，最后画头部，再添画爪子。中国画的用笔技法

我国制笔的选料、有柔弱强健不同；笔头的制法，有长短胖瘦之各异，故在书画时各有特色。羊毫圆细柔顺，含水量强，笔锋出水慢，运用枯墨湿墨，有其特长，作画时，调用水墨颜色，变化复杂，非他毫所及。紫毫、鹿毫、獾毫强劲，含水量稍差，笔锋出水快，调用水墨颜色，较单纯，易平板。

学者可依各人习惯与画种不同，选择其适宜者用之。执笔要指实掌虚，笔在指间，可使笔锋上下左右，灵活自如。并须悬肘运笔，则全身之气。可由肩而臂，由臂而腕，由腕而指，由指而直达笔锋，则全身之气力，可由笔锋而达纸面，由纸面而达于纸背。

运笔要点与点相联，画与画相联。点与点联得密些，即积点成线集点成面之理。点与点联得疏些，远近相应，疏密相顾，正正斜斜，缤纷离乱，而成一气。线与线联得密些，即成线与线相并之密线和线与线相接之长线。线与线联得疏些，如老将用兵，承前启后，声东击西，不相干而相干，纵横错杂，而成整体。使画面上点点线线，一气呵成。中国画的用墨技法

墨不是单纯的墨色。它有极其丰富的墨色变化和表现力。我国古代绘画，多五彩兼施；然以丹青为主色，故称丹青。唐宋以后，渐向水墨发展，而达以墨为绘画之主彩。如墨之烟质不精良，制工不纯利，虽有好纸笔，在能手运用之下，亦黯然无光，难出佳品。用墨要注意两点：一是“研墨要浓”。二是“所用之笔与水，要清净”。以清水净笔，蘸浓墨调用，不会出现灰暗无彩的毛病。画家用墨难于用笔，我国绘画，由魏晋以至隋唐，均以浓墨线为主、吴道子作人物山水也是如此。自王摩洁，始用渲淡，王洽始用泼墨。然而笔为画之骨，墨为画之肉，有笔无墨非也。有墨无笔亦非也。画家以笔取气，以墨取韵，以焦、积、破取厚重。破墨须在模糊中求清醒，清醒中求模糊、积墨须在杂乱中求清楚，清楚中求杂乱。泼墨须在平中求不平，不平中求大平。然而必须注意泼墨、破墨、积墨三者的联合应用，方能神而明之，变化万端。中国画的用色技法

我国祖先，以红黄蓝白黑为五原色，与西洋绘画的红黄蓝为三原色不同。谢赫六法中的“随类赋彩”。不同的色彩赋有不同的感情，画家往往用色来表达他的感情。中国画常用的颜色有墨、藤黄、石黄、土黄、胭脂、洋红、朱砂、朱膘、赭石、花青、石青（分头青、二青、三青等三种）、石绿（也分头绿、二绿、三绿等三种）、白粉等。但基本上常用的有洋红、赭石、花青、藤黄。色彩的爱好，人各有不同：老与少，有不同；男与女，有不同；此地域与彼地域，有不同；此民族与彼民族也有不同。画家应求其所同，应求其所不同。我国民间艺人配色口诀云：“白间黑，分明极，红间绿，花簇簇，粉笼黄，胜增光，青间紫，不如死。”总之在使用颜色时应做到色不碍墨，墨不离色，即能融合一体，又能显示墨的韵味，才能产生一种淡雅、朴素的效果。中国画的用水技法

墨法、笔法虽妙，主要还是由于对“水”的运用所致，没有很好地掌握用水的技法，是不会产生好的艺术作品。黄宾虹（画语录）云：“古人墨法妙于用水，水墨神化，仍在笔力，笔力有亏，墨无光彩。”笔蘸墨调水画在宣纸上才反映出墨色变化，水调不好，墨色无光彩。墨的浓、淡、干、湿都是通过水的调节而形成的。如齐白石画虾，虾身、虾头。虾脑都是用墨调不同分量的水画成的。作画时某个局部出现过浓、过板时，可随即用一支干净笔蘸些清水于其上进行点画，以便冲破开那些不理想的部分，产生一个新的效果，这叫水破墨。再墨破水，先把纸用清水刷湿，或在某个局部根据构图需要点点画画，趁其未干时，再以浓、淡墨进行挥毫描绘，这样水墨浑融，自然渗化，运用得当，效果极妙。比如画远山，先以清水打底子，然后以淡墨略加勾皴，显其空灵清雅。中国画的用纸技法

画好国画，练好书法，除了需要掌握一定的绘画书法技法外，用纸也是一个非常重要的环节。书画纸选用得当则较易发挥出水平，选用不当则常常事倍功半，因此需要在购买书画纸时认真选择。

画工笔画用哪种纸，画写意画用哪种纸，书法用哪种纸，都有一定的讲究，而且每一个品种的纸都有所侧重。一般来讲，薄纸宜画，厚纸宜书；单宣宜画，夹宣宜书。但这也不是绝对的，还要结合个人的习惯来进行选择。

笔者认为，初学者以选择那些价格比较便宜的书画纸作练习为宜。例如，四川省交江县生产的夹江纸，大千书画宣、白麻纸；河北省迁安县生产的迁安宣、高丽纸，云南省生产的云南宜等。这几种纸属于练习用纸范畴，但也带有生宣纸的特性，对于初学者，可以说既经济又实惠。如果你的绘画或书法水平较高，又想长期保存的作品，那最好选用安徽省泾县生产的特种净皮单宣、净皮单宣或棉料夹宣、棉夹宣等。以上这几种宣纸可以显示出水墨淋漓，出神人化的佳境。

用生宣纸作画就要充分运用生宣纸的特色，大胆落笔，意在笔先，讲求意趣。如用熟宣纸画工笔画，作画前最好先用软纸在熟宣纸上轻轻擦试一遍，这样纸面更宜吸收墨色。画兼工带写的画宜用半生半熟宣纸，如净皮煮石重宣、净皮豆腐笺等。这类纸既可以勾画出线条，墨色又不至于润得太厉害，比较容易控制笔墨。至于书法，一般常用生宣，这样可以得到墨色鲜亮，笔墨生动的效果。中国画的构图技法

构图，按中国《画论》的传统说法，叫做布局，或叫经营位置。这样的叫法，明确了这是一个画面安排问题。构图是创作构思在画面上的具象化，即用形象的安排来体现构思的一种构成画面的艺术实践。构图受内容的支配和决定，而内容又需要表现在一定的艺术形式之中，以增强美感。艺术形式有一定的独立性，在一定程度上，它又影响着内容的表现。因此，创作过程也就可以理解为把内容和艺术形式统一在一个画面的过程。构图的方法和规律，源于对客观事物的理解和认识，生活的本质蕴藏着极其丰富的内容和形式美，为创作提供了经营的依据。只要我们在深入生活中，细致地观察，不断地实践，就不难在生活中寻到新颖的内容和构图形式。

然而，我们也不能忽视对传统构图方法和形式的学习，因为前人在艺术创作实践中为后人留下了宝贵的表现技巧，构图规律和方法。这就要我们在学习与继承的基础上发扬光大，切忌生搬硬套，使之脱离生活，而成为僵化，无生气的形式和教条。正如石涛所言：“无法则无所措手、有法不能为法所障。”

要想掌握构图方法，就必须探索其原理和规律。只有掌握规律才有普遍意义，才能指导具体的实践。构图规律简单说来，就是事物矛盾对立统一的规律在画面上的具体运用。诸如：宾主、虚实、开合、纵横、牟让、详略、大小、多少等，都是矛盾对立的双方。而构图就是将这些矛盾对立的双方统一在一个画面里，并达到完美的艺术境界。中国画的题跋与用印技法

题跋在国画艺术中占有重要位置，是构图的组成部分，它直接影响着作品的优劣。一般说来，书画。碑贴、书籍前后的题记文字，均可称为题跋。所谓题，泛指书画或书籍的题识之辞。清段玉裁说过；“题者，标其前。跋者，系其后也。”因此后人则把写在书籍、字画、碑贴等前面的文字称为题，写在后面的文字称为跋。

宋代以前的画没有题跋。即使有，也只是在树干、石面等不明显的地方题个名字而已，这就是所谓的“芷款”。题跋这一艺术形式是伴随着文人画的兴起与发展，才逐渐形成和完善起来的。清代以后，题跋更加盛行，并成为画面不可缺少的组成部分。

题跋有芷款与露款之分，也有单款与双款之分。一般常用题法有以下几种形式：其一是横款式。根据中国民族习惯一般由右向左题，字数可多可少，但要求每行字不宜过多。以保持横的形式。其二是竖式。书写的行数不宜过多，以保持坚的形式。其中单行式通称“一柱香”。其三是高低参差不齐的自然式。以上讲的横、竖两式，均应齐头，字尾可参差错落，俗称“齐头不齐尾”。而自然式则可参差错落，这种题法比较自由，但注意不要把字写得太散。题跋所用的书体，要与画的风格相统一。当然这也不是绝对的。在题跋之后，往往还要用印、用印有三种作用：一是色彩呼应，红色的印章可以调剂整个画商的色彩关系。二是取信于人。书画家用印以表示作品的真实性，鉴赏家盖印以表示作品经过了自己的鉴别。三是“形式美”。用印后，对整幅画来说，又增加了一种形式美感，使画面更加丰富。中国画的装裱技法

装裱亦称“装璜”、“装池”、“装背”，是我国特有的一种美化和保护书画及碑贴的技术。装裱也是一门艺术。俗话说，三分画七分裱，可见装裱之重要。

裱画的工具有多种，但作为一般不是专业裱画的人来说，只需准备裱台，棕刷、排笔、刀、起子等即可。浆糊一般是装裱工作者自己做，取面粉（最好是富强粉）1000克，明矾20克研成细末拌在面粉内，然后用40℃左右温水将面粉调成糊状，不要使面粉起疙瘩。紧接着将沸水较快地冲入粉糊里，边冲边用木棒用力搅拌，直到面粉由稀变稠，由白变黄时，便可停止冲水。但仍要继续搅拌，直至浆糊调匀为止。

托画是裱画最基本也是最重要的一道工序。托画分直托、飞托、复托三种。一般最常见的是直托。直托就是把浆水直接刷在画芯的反面，然后把托纸覆盖刷上。飞托是把浆水刷在托纸上把画芯正面朝上刷上去。复托是把浆水刷在托纸上，然后用两张干纸，一张衬在托纸下吸水，一张复在画芯上护画，复上托纸后隔着衬纸排刷粘合，适用于色墨脱化比较严重的画芯。画托好后需裁切整齐，粘合好上下左右的镶料，等候复背。复画时先在画幅背面稍刷上一些水，让画芯与镶料自然伸开。两层复背纸都刷好后，把画幅从左至右刷平在背纸上，再把复好的画整个地翻过来排刷。镶缝处要笃笃紧，然后拍浆上墙。

裱在壁上的画最少隔二三天后才能下壁，下壁时不能折迭，背面朝上平放在案上，然后打上些蜡，用研石来回砑两遍，用力要均匀，不能太快，镶缝、接缝、转边都要着重磨研，砑好后用快刀沿转边处把废边剔去，再在转边处用砑石磨光即可。装上下杆时要注意浆糊不易过多，使画保持平整干净，上下杆装好后，可在画幅背面粘上签条，鉴条长宽要适度，否则影响美观。第二章油画油画概述

油画是西方绘画中的主要画种，指用油质颜色在木板、布、厚纸和墙壁上作的画。初期油画采用一种预制的、含有油与水成份的乳液作画，即所谓“坦培拉”画法。据传15世纪尼德兰画家凡·爱克兄弟在总结前人经验的基础上，经过反复试验，使油画得到了完善。这种用亚麻仁油和核桃油为调和剂，使颜料易于调和，便于运笔，同时又可以层层敷设，画面透明鲜亮。油画在文艺复兴时期盛行于意大利和尼德兰、西班牙、德意志，18、19世纪逐渐在英、法、俄各国发展起来，几百年来，经过各国各代画家们的继承和创造，使油画技法有很大的发展变化。油画颜料装入锡管的方法是1824年前后英国人发明的。油画于清朝康熙年间传入中国。

油画的特点是能够充分表达复杂的色调层次，具有透明、浑厚而丰富的效果，颜料有极大的遮盖力，描绘较自由，便于修改，可反复多次表现物象的精神、实质，油色干后，坚实耐久，易长期保存。油画的工具

油画的工具主要有画箱、画架、画笔、画刀、调色板等，这些都是作画所必备的。画箱是用来放笔、颜料、画刀和调色板用的。一般可备制手握式小画箱和三脚式画箱两种。手握式画箱长20公分，宽15公分，高6公分，上半可插一块画板，这种画箱简易小巧，外出写生携带方便。三脚式画箱尺寸较大，箱底附有3条脚，每条由两节组成。支撑时可根据高低需要调节。这种画箱较常用，美术用品商店可以买到，亦可根据需要自己设计制作。

画架分室内画架和室外画架两类，用木质制作，高度可在2米至2.2米之间。这种画架还可以增设调节高度的机械装置和附加底面滑轮。

油画笔种类和大小不一，有长毛的，半长毛的或短毛的，形状有扁的圆的或尖的，画笔大小按编号，由0至12号等，依次加大，可根据需要选择。作画时要多备几支笔，按色相、冷暖、深浅分开使用，画完要用肥皂或挥发性油洗净，并用纸按笔的形状包好，以使笔毛整齐挺拔。

画刀包括刮刀和调色刀两种。刮刀坚韧。主要是用以清除画面上和调色板上的颜料，调色刀应柔软富有弹性，它不仅可以用以调色，还可以以刀代笔作画用，表现一些特殊的效果。

调色板一般用三夹板制作，长方形或椭圆形均可。油画的材料

熟悉和掌握工具材料很重要，它关系到作品的成与否。油画的工具材料主要有：

颜料；油画颜料是由颜料与油相混而制成。颜料的品种很多，常用的有：锦钛白、柠檬黄、中镉黄、土黄、赭石、熟褐、上红、朱红、大红、深红、象牙黑（或煤黑）、粉绿、中绿、橄揽绿、翠绿、湖蓝、钴蓝、群青等。油画颜料有透明强弱之差，不透明的颜料有白、土黄、中绿、朱红等。透明的有柠檬黄、翠绿、群青等。前者覆盖力强，后者则弱。

调色油：是作画时用来溶解与稀释颜料用的，主要有调色油和松节油两种。调色油（以上海产的较好）是用熟的亚麻仁油或罂粟油等制成，松节油有使颜料稀薄快干的特点，也可根据画面需要将两种油分开或混合使用。

亮油：也称光油，是在作品完成并干透后使画面发亮和起保护作用的。上光油时要将画面平放，涂时要均匀稀薄。

画布：主要有亚麻布、帆布、斜纹布等，其中以亚麻布为最佳。一般制作画布底子的过程是；先将鱼胶或牛胶溶解成稀稀冻状刷一遍，待干后再刷第二遍。然后根据需要涂底子浆制作吸油或半吸油不吸油底子，也可掺入少许颜料作有色底子，一般徐二至三遍，以布纹空隙涂实为宜。底子浆的主要成份有：锌氧粉（或立德粉）、白垩粉、亚麻油、乳胶、蓖麻油等。

钉画布时将布剪裁比内框四边多出三公分左右为宜，钉时一般由内框四边的中间开始，依次向四角钉去，画布要绷得均匀、挺直。

画板：用平整，干燥，质地坚实的木板、夹板、纤维板均可。制作时先徐一遍胶，干后再涂两遍底子浆。

画纸：选择坚实而有韧性的纸板，制作方法与画板相同。油画的内、外框

制作内框要选择干燥、无蛀的杉木或松木，木条要刨得光洁、平整，呈扁方形，宽度是厚度的两倍，四角要求开样衔接避免用钉。

油画外框的式样是多种多样的，制作的材料也可量材选择，如木框、铝合金条、镀金镜框等等。国外古典油画的外框多在木框上面用石膏翻制立体花纹，在外层再敷以金色。近代油画外框趋于结构简化，颜色也变化多样，常用的颜色有金、银、白、黑、棕、黄、灰、木纹本色等。颜色的选用要依据画面的色彩来配置，既统一，又富于变化。如没有条件配制像样的外框，也可在画的四边钉上等宽的木条（宽度约为1～1.5公分）。纸板油画可装配在玻璃镜框中先将画纸的四边剪裁整齐，在背后裱一层白色的纸边，露出画面约半公分，作衬边，框内的衬纸可用白色或有色纸。油画的笔法

油画的笔法包括着色方法，运笔，笔触等。在油画传统中，着色方法大概可以分平涂、散涂、厚涂三种类型，平涂的笔法隐藏，笔划与笔划之间连接好，笔迹平滑均匀。油画发展的早期大多采用这种方法。散涂法具有分散显露的特点，笔划富有变化和生动感。厚涂法则强调色层的覆盖与突出，用色浓厚，显示了画面肌理的作用。这三种方法在作画中可灵活运用，互相结合；互相渗透。如荷兰画家伦勃朗将平涂法与厚涂法结合起来，采用前面主体厚涂，背景平涂的技法，达到既透明又丰富的艺术效果。

运笔是油画艺术表现的重要手段。具体方法很多，如勾、点、摆、皱、擦、描、堆、刷、扫、抹、涂等等。油画运笔要有笔力，注意变化和统一，运笔得当可以加强画面的韵律与节奏。

油画的笔触是用笔设色的笔迹纹理，散涂和厚涂笔触尤为明显。笔触是表现物象和画面所必需的艺术手法。油画的刀法

运用油画刀作画可以使色面肌理变化多样，产生画笔所无法达到的效果。最早使用油画刀作画的是15世纪威尼斯画家提香。自厚涂法产生后，画刀的运用成了一种辅助性方法，不少画家都把画刀和笔结合在一块使用。如旧世纪法国写实主义画家库尔贝在许多画中大量地使用画刀。使用刀要灵活多变，画刀可大可小，颜色可厚可薄，用力可轻可重，用画刀刮下部分颜色，可使画面产生意想不到的效果。运用画刀不可太滥，否则会造成画面的单调和粗糙。油画的肌理

油画肌理主要是由油画色层、笔触（包括画刀等工具的使用）以及对画布（纸、板）的底子（包括织纹和涂料）的相结合的整体效果。画肌既反映出画家对物象形、色、神的特殊感，同时又是画家塑造形象的一种重要手段。画家通过材料的配列、组织等变化，而使人们得到视觉质感和触觉质感。如画布本身具有的粗细、直钭、疏密纹理可适应不同的内容和方法，一幅画布纹可以被厚涂的色层全部覆盖，也可有意无意地保留布纹的质地特点，与色层、笔触形成对比。笔法、笔触的变化也产生不同的肌里，掺入一些颗粒状材料如砂子、锯末、玻璃渣及纤维材料可造成一种特殊的肌理。油画肌理的运用要“法随意转”，恰到好处，避免卖弄做作。油画的透明画法

油画的传统技法之一，其方法是多次地覆加色层，使画面的色彩逐步地加厚和丰富。在制作过程中，往往是开始画的色层是为后加的色层作准备。如在暖调子的底色上画冷色，或在冷调子的底色上画暖色，利用光的折射、反射和漫射的原理，使底层的颜色透露隐现，造成持有的透明效果。透明画法要注意色层的衔接。一般是待底层颜色干透后再画第二层颜色，接色方法可用大蒜头或调色油擦试底层的颜色，以使画面的表层软化，便于颜色的融合。透明画法可与不透明的厚涂法结合运用，其画法是在厚涂的底子上先用经过加工处理的白色和灰色浮雕式地塑造出物象的基本形体，等其干透后，再用纯净亚麻红油色，像水彩似地一遍一遍罩在画面上以获得所需要的色彩效果。油画的综合画法

亦称“单层画法”，指用直接调颜色来表现物象的方法，其最大特点是色彩新鲜明朗，笔调生动流畅，能较好地发挥油画的特长。它综合平涂、散涂、厚涂、透明诸种画法，对画面的各种造型因素以及色阶的构成同时兼顾，一气呵成，开始上色时可用稀薄的颜色铺出画面的色彩调子，接着用稠厚的颜色作画，一次完成一个局部，一般暗部稍薄些，亮部可以厚些，中间阶段要注意保持画面的统一和色泽的清新，画得不理想时，应刮掉重画，最后阶段可用透明画法进行修改、调整。综合画法较多地使用于短期的人物或风景写生。第三章版画版画概述

版画是造型艺术中主要画种之一，其特点是作者运用刀和笔或其他手段，在不同材料的版面上进行刻绘或通过一定的化学处理进行制作，并可直接印出多份原作。版画与印刷是不可分离的，所谓的“版画语言”就是绘画利用某种印刷手段产生出来的艺术品种，而不是某种印刷手段去复制绘画。传统木刻只是版画中的一种，据考中国为木刻版画的故乡。历史上木刻多用于重制图画，绘、刻、印分工，称为复制版画，后来发展成为独立的艺本形式，由作者自画、自刻（制人自印，便称为创作版画。版画以它的种类之多样、形式之丰富、面貌之多彩及其独有的艺术特色为其他画种所不能比拟，同时本身亦有局限性，现代工艺、科技为版画的发展提供了极为广阔的天地。根据版画的性质和所用材料，可分类为：凸版——如木刻、麻胶版、石膏版画等；凹版——如铜版画、锌版画；平版——如石版画、锌皮版画；孔版——如丝网版画、纸漏版画等；综合版画——溶各版种技法为一体的纸版画、独幅版画等，还有被称为“袖珍版画”的藏书票艺术。木刻

俗称“木版画”。为最普及的版画种类。用刀在木板上刻画，再用纸拓印出来的一种图画；是中外版画的最早形式。使用的木板有梨木、黄杨木、白桃、白果木等，用树的纵部板面刻制的叫木面木刻、用横断版面刻制的叫木口木刻。以凸线为主构成白多于黑的画面叫阳刻；以四线为主构成黑多于白的画面叫阴刻；亦可阴刻，阳刻交替混合使用。运用多块木板套印出两种以上颜色的作品，称为套色木刻。又因拓印使用的颜料性质不同，分为油印木刻和水印木刻等。木刻的最大特点是“以刀代笔、以木代纸”。这也决定了木刻具有“单纯、强烈、鲜明”等独特的艺术效果。由于木刻始于民间，工具简单，材料易取，画幅随意，制作方便，便于保存，所以能最广泛地被普及、应用、提高、发展。木刻的工具与材料

木刻的工具包括刻制工具和拓印工具，刻制工具主要是各种刀具，一般有三棱刀、圆口刀、方口刀（均有大、中、小各型号）、平口刀、斜四刀，根据需要还可配备三角尖刀、排刀及大小凿刀，亦可自制一些特殊的异型刀具。拓印工具又分为油印工具和水印工具，油印工具主要有大小各种滚筒（用于套色上墨）、调墨铲刀、墨台（可用玻璃板代替）、墨托、本蘑菇、金属勺等。水印工具主要有喷壶、各种上色的笔、刷、棕子刷或马连（用于按摩拓印）。木刻的材料包括制版材料和纸张颜料，制版材料除了梨木、白果木等外，质量较好的白杨三合板，五合板均可使用，主要以木质细而不松，软而不脆的为好。油印木刻的颜料以胶版油墨为主，套色可适当用油画颜色调配，油印用纸一般宣纸、皮纸、道林纸均可，宣纸易于保存，道林纸色彩响亮、效果虽佳，但日久会发黄、变脆，不易久藏。水印木刻的颜料一般国画色、水彩色、水粉色均可，还可以用墨汁及民间染料，用纸一定要选择能吸水晕化的、纸质要厚实，一般吸水纸、过波纸、夹宣都比较理想，民间的土纸、皮纸亦可使用。木刻的制作与技法

木刻的制作分为起稿、复稿、刻制、拓印四个阶段。起稿除了为表达思想，表现情感，还需要形体、结构准确，并要以木刻的特点处理好黑白关系、点线面的组合，然后用复写纸或其他手段将画稿反复印于经磨平处理的版材上（因为最后成品经拓印与画稿是相反的），修稿后涂上底色（一般用蓝墨水即可，为了刻制时刀触清楚），便可刻制，刻制是一个再创作的过程，不是简单地复制画稿。一般木刻是先刻白、再刻中间灰色调、最后留黑，刻制过程中始终要有整体一细部一整体的观念，根据内容、结构来组织刀形、刀法，随时注意取舍和刀痕的保留，木刻只能作小幅度的调整修改，故在刻制中要反复推敲，精心安排，没有把握宁可不动，留有余地；经试印调整后便可拓印，滚油墨或上色时要薄而均匀（不能未经滚匀便上版，造成糊板），将纸平覆于版，用木蘑菇、金属勺或木刻刀柄使受力均匀擦磨，可反复轻轻掀起局部加色或观察，直至画面全部显于纸上，要注意保持画面空白处及四周的清洁，防止用力不匀或有杂物造成的破损。印好的木刻以色彩饱和均匀、形象线条清晰、画面平整清洁的为佳。套色木刻、水印木刻的制作方法基本如此，在多版套印中注意先后顺序的安排及拓印标记的统一，以免造成套版不准的现象。丝网版画

版画的一种，亦称丝漏版画、绢印版画，属孔版画类。利用丝网孔将油墨颜料直接漏印在纸上，原理同“油印机”印法，是现代工艺用于艺术创作的版画品种，为20世纪的新型版画，国际上早已流行，近几年已开始在我国普及。丝网版画的特点是印刷原理和制版方法简便易行，版面可大可小，同版能反复使用，水色、油色均可印刷，色彩丰富响亮，能随意重叠变化，技法多样，能表现各种肌理及色彩匀齐的渲染渐变效果，特别是版面上形象与印刷出的画面形象一致，没有正反差别，较容易掌握，操制。纸版画

版画的新品种之一，以纸为版，利用纸张的多层拼贴重叠、光滑粗糙之分，吸油吸水性能的不同来表现各种肌理、纸味以及内容，并通过手工或机器印刷，产生出其他版种无法替代的具有独特艺术魅力的画面。80年代已流行于国内。纸版画的主要特点是材料简单、制作简便、易于推广普及；制作方法随意多样，表现力丰富、多变；既能水印，也可油印，亦可二者相互套印。纸版画以凹凸版为主，印刷原理基本同铜版画，亦可集凹、凸、平、孔版于一身结合印刷，具有“刀味纸感”的特色。铜版画

版画的一种。因所用的金属材料以铜版为主，故名；现流行的锌版画、铅版画亦属此类。15、16世纪时铜版画开始在欧洲流行，公元1715年（清康熙54年）由意大利人郎世宁来北京传教而传入中国，直至50年代铜版画艺术在我国才有所发展。制作方法主要有干刻法、腐蚀法、飞尘法等，故又有“腐蚀版画”、“镂蚀版”、“雕刻铜版”等名称，现统称为铜版画。其中以腐蚀法较为普遍，先在金属版面上涂一层防腐剂，用刀或针刻画，再用酸性腐蚀液（如硝酸、硫酸等），刻去部分经腐蚀即成为凹线（面），故称凹版，印刷时将油墨填处凹线中，并擦拭去版面上多余的油墨，通过铜版机滚筒的压力，使四线中的油墨印到纸上去，形成凸起的线条，具有独特的艺术效果。石版画

版画的一种。由旧世纪末逊纳菲尔德发明的石印术基础上发展而来，最初传入中国在光绪2年（公元1876年），50年代石版画艺术曾在我国得到充分的发展。石版画主要根据油与水不相容的原理构成印刷版面，作者先用含有油质的药墨在石版或特制的铅皮上作画，然后在版面上涂一层酸性阿拉伯树胶；因为版面上画有药墨部分只接受油墨而拒水，没有画过的部分相反只接受水而拒油墨，经调墨上版可复印多张，能完全保持原作的精神。石版画受其材料，印刷机限制，在民间很难推广普及。目前，根据石版画水油分离原理，有的美术院校已选用工业用材（如铅皮等）代替石版进行试验，教学。石版画的发展将有待于这方面的进一步探索、试验和推广。麻胶版画

版画的一种。在黄麻布的底子上涂上以树脂干燥油和软木屑混合物压制而成。原是作为铺地板和墙壁用的建筑材料。因版面没有纵横纹理，刻作版画方便，其制作过程、方法与效果都和木版画相似。我国现有的塑料版画也属于此类，工业、建筑上用的薄型板材（如塑料地板）均可用于刻画，且质轻平薄，不用作底，易于任意截取，保管，其不足之处是幅面较小，易老化，较伤刀。独门版画

版画都应是复数的，唯独幅版画只有一张原作，主要是这张原作通过拓印工序，同时画面具有版画味，故名。制作方法是用油墨或油画颜色（其他颜料亦可）直接在平滑的底版（如玻璃版，石版，塑料板，有机板等）上面作画，在颜料未干时放上印刷纸用手工磨版或在印刷机上印刷，经过压力，使底版上的画印到纸上去即成。独幅版画有很大的随意性，能利用各种版材、颜料、场合，包括作者的情绪，即兴发挥、创作，常有意外的特殊效果。利用水油分离印出的肌理画面亦属此类。因水油流动使任何肌理不能重复相同的画面。版画藏书票

藏书票是一种带有藏书者始名的小型美术作品，因多采用版画形式制作，亦称版画藏书票。藏书票与我国钤盖在书上的藏书印章异曲同工，是书籍收藏者的一种艺术标记。藏书票15世纪源于德国，20世纪30年代初传入我国，80年代在我国再度兴起，有了很大发展，于1984年成立了中国藏书票研究会。藏书票的国际通用名称为EXLIBRIS，意即“书票”、“藏书之一”，与藏书者姓名相辅。组成为某某藏书票。藏书票表现的内容极其广泛，飞禽走兽，花卉草木，山川河泉，古玩文物，人像属相，历史神话等等均可入画、写意。写实、具象、抽象、变形夸张、精雕细描各种艺术手法可各显其巧。藏书票的制作、印刷同各种版画技法一样，具体尺寸一般在8× 10厘米左右，形式多样，小型精美，素被誉为“版画珍珠”、“纸上宝石”。藏书票活动离不开书和书主（票主），以及与之相关的读书、爱书、藏书、求知、求美的联系，所以说藏书票是一种具有实用价值和审美价值的艺术品。版画的题鉴与装帧

作为一幅版画原作，目前国际上都有统一规格的签名，一般规格为：在紧贴画面的下方，用铅笔小字写明印刷总数，编号（8－20，即总数印20幅之第8幅）、题名、作者签名、制作年代，这一行字作为画面的一个不可分割的部分，在国际上是表示原作与印数的重要标志，关系到作者的声誉和作品的价值。版画原则上印刷完毕不需要另外装帧，保持原作的印痕，边痕极其重要。为了展览效果，进行一些剪裁、修补、装被当然也是必要的，但应尽可能保持原作面貌，这需要作者从一开始就要有一丝不苟的制作态度和方法。用于展览的一般配以镜框即可，讲究精美效果最好用二层卡纸（或配色纸）夹出，画面部分（包括题签）挖空展示为佳。第四章水彩画水彩画概述

水彩画是绘画的一种，起源于15世纪欧洲，18世纪起在英国发展为独立的画种。它与我国的水墨画有许多类似之处。水彩画颜料是用胶水调制成的，作画时用水溶解颜料于纸上，利用画纸的白地和水分互相渗融等条件，表现出透明感、轻快、湿润等特有的效果。水彩画的工具与材料颜料。水彩画颜料尽量选用专业用水彩，这是水彩画最主要材料，是关系画面效果以及作品寿命的问题。如作一般的练习，水彩颜料也可用。但在水彩画创作中选择颜料，绝不能忽视，因为高级水彩颜料不易变色。凡所完全的作品不能长时间曝于日光下，或使之受到潮湿，纸色一变色即全毁，应多加注意。水彩画的画笔

水彩画所用笔的种类繁多，如肩头、圆头、硬性的狼毫、软性的紫貂等等，一般按大小号码的多少，选择其中大、中、小和软硬兼有就可以了。但为作画方便起见应按笔的大小、软硬性能，多备一些，以供使用时选用。除此外，还应备几只毛笔、油画笔和大小底纹笔、硬笔刷，以供创作中使用。

纸水彩画纸大体分为粗面、细面、布纹纸、线纹纸等等，任何一种纸的选择主要根据个人作画习惯和所画题材的要求。任何一种纸在选用时首先要注意纸在着水后的反应性能如何，也就是吸水如何。若纸质太松，吸水量大，干后色彩全被画纸吸去。若纸质坚实，毫无吸水能力，也不适用。好的水彩用纸，它的吸水性能一定要符合自己的要求才行。但是作为一般习作练习，也可选用一些粗面图画纸代替，效果也不错。总之，在选用水彩画纸不能培养狭隘的作画习性，所用工具要多样，这样才能画出多种效果的作品来。

调色盒以塑料压模调色盒为好，在作画之前，把颜料挤在调色金每个方格内，放色顺序根据个人习惯按冷，暖和深、浅排放。挤好的颜料最好一次性用完，如用不掉的颜料，可用湿布或温海绵盖起来，再把调色盒盖实，以便下次再用。

其他工具，如油画棒、白蜡、小刀的运用，在水彩画特技表现中是不可缺少的。油画棒这是一种新材料，用在水彩画中可增强效果气氛和变化。在作画中，某处须留出突出的白线式大块面积白处，可先用白蜡将所需空白处涂一遍，由于蜡系油质，不与水色融合，所画白处就不会有颜色，所留白处很自然。小刀，在水彩画收笔整理时不可缺少的工具。如画面中的高光、白线、细树枝可最后时用小刀刻刮来解决。水彩画表现技法

水彩画是利用水彩的性能、特点，形成表现的技法，随着不断实践，技法得到不断的创新和发展，但最常用的基本技法有下列几种：

1．透明画法：这是最基本的水彩颜料使用法，是从管中挤到调色盘中，在笔上蘸些水，调成为叫淡彩的有色水。徐在画面上，就能通过这一透明色层看见下面的色。等颜色干后，再把第二层重叠地涂上，最初的那层色就被改变，两个色层看着就象混合起来一样，下层不被遮盖住，因此叫透明画法。

2．湿画法：很近似中国水墨画，也是水彩画最常用的一种技法。首先把水彩纸泡在水中，等纸吃透水以后，把纸平放在画板上裱好，用水彩颜料略多调些水，颜色较薄，趁湿时一笔笔画于纸上，利用水与色的相渗化，产生一种润泽、轻快感，这种方法无明显笔触，衔接自然，适用于画雨、雾天和远景，有独特效果。湿画法，用笔宜大，落笔要快，一气呵成。

3．干画法：用笔蘸了颜色以后，尽可能地把笔甩干，持笔要有一定的角度，使笔的侧面能接触纸头，动作要快，尤其是在色块的边缘外，这样可以画出所需要的粗糙效果。用这种手法在作画中可画出一个调子的变化，如最暗处可画实点。而亮面颜色可涂得有粗糙感。这种手法适应表现天空的云、波浪、水流和瀑布等的点点闪光。

4．刀刮法：局部的高光如果不能完全留出来也可用刀“刮”出来的办法。用较厚的水彩纸，用普通的小刀，使刀口与纸面成30°角刮，用刀的动作，最好要快些才能刮出肯定的线条。这种方法除刮高光以外，还可用来刮细小树枝、细线等。另外，还可视画面需要，在未涂色之前，把纸头对着光线放，用刀刮出肯定的线条，每条刀痕都一样。接着就用水彩颜色，用一支大小适当的笔，在刮出线条的地方平涂，马上就出现两种颜色，刮过的地方纸头表面微发毛呈有规律的沉淀花纹。这种刮出的线条表现树皮、建筑墙面等，很有效果。除此外，还可用橡皮在作画之前在纸上摩擦，或用细砂纸在纸上来回擦，使之起毛，再涂透明色，作大面积的色彩天空、地面等等都是很适宜的。但要避免再作二遍色，以免出现灰脏现象。

5．洗涤法：画水彩画洗涤法运用是很普遍的。如画面上亮光，由于用色不当或过重。都可以用洗涤的方法来加工改正。其方法有二：（1）湿洗法，如画面背景部分褶纹，物体暗部反光，人物面部的高光等等。在画面未干时，把洗干净的笔上水分挤掉，然后刷洗出它的亮处，效果很好。但这只能用于画面不重要的部分，因洗涤后，被洗部分容易色彩单调，笔触柔软，所表现的景物也易软瘫无力。这种方法作人物面部高光，可多用。（2）干洗法，就是在作品完成以后，为增强作品的完美而运用的一种特殊方法。如静物的高光部，流水和瀑布，薄如蝉翼的花瓣及其他部分凡认为不恰当的，都可经过干洗、其方法：用较硬的笔蘸清水在已画好部分轻轻反复洗涤，再适当地施以薄薄的色彩。就会得到极好的效果。

6．水彩色和油画棒混合运用的方法：这是一种新的绘画表现方法，油画棒原是油画颜料的一种。它作为水彩画的一种辅助颜料配合水彩颜料作画，取得很好效果。如画雪景，先用油画棒点画出空中飞雪、地面积雪，然后用水彩颜料画出天空与地面明暗处，因油画棒与水彩不相融合，于是画面的明暗处和天空就会出现点点飞雪和积雪，过去难以解决的问题，现在很容易的解决了，这就是油画棒突出的优点。除此外，还可用白蜡来和水彩颜料配合运用。通过这些方法的运用，我们要总结经验，举一反三，创造出更多的新技法来。

水彩画的作画方法、步骤：（1）观察了解对象，这是在作画前很重要的，在全面、充分的理解对象的基础上，做到“胸有成竹”再开始描绘。（2）用铅笔起稿，画出大体位置和轮廓，注意构图、画面的主次关系和大体明暗关系，为下一步色彩造型打好基础。（3）轮廓画好后，开始上大体颜色。要求从整体着眼将对象的基本明暗色调及背景用大色块铺起来，要时刻注意基本调子的正确性，大体明暗对比的正确性。用笔要胆大，从浅色入手。在大体设色基础上，下一步进入深入理解和表现工作，在这里不能抓住局部不放手。要与整体关系相互联系比较。抓住明暗结构的关键部分，加强画面的表现力和色彩的感染力。在处理背光和受光面，用色宜薄，水分用足些。在画最深处或在部分加工时，调色水分宜少，以干画法为主。（4）细致刻划这是最后阶段的工作，部分作重点处理。不是做普遍加细工作，用笔、落笔要审慎，检查一下整体效果，发现问题及时纠正，该加强的加强，该减弱的必须减弱。但对个别地方，在不影响整体效果的前题下，为保持水彩画特有韵味，尽量少改或不改。使其充分体现水彩画特点。总之，要注意提炼取舍，不能平均对待，把对象充分的表现出来，这幅作品才算完成。水彩画的用笔技法

水彩画与我国的水墨画技法有许多相似之处，用笔也是如此。首先用笔宜大不宜小，不能用细小的笔触，一点点的去描绘，这样容易画得琐碎，只有在局部细小的地方，可用小笔作细致刻划，执笔可在画笔下半靠近笔头处。如画大面积色块，天空、地面等都适用大笔来画，执笔不能太低，应执在画笔上半部。水彩画在注意明暗结构同时，还特别注意水分的适用，利用水与色的相互渗化，给人以舒畅、淡雅的感觉。水彩画用笔方法是多种多样的，一般常用的有下列几种；

1．刷大面积色块需用一支阔的吸水好的平扁笔，由上而下横涂纸面，使第二笔和第一笔的颜色重叠一点。涂时用笔要长、轻、稳、仔细。

2．贴一般多用侧锋，饱蘸水色，看准结构，轻轻贴上几笔，以求色彩丰富，落笔有虚有实。

3．拖卧笔把笔触拖得较长，露笔锋，带“飞白”一般用来画树枝，头发特征等等。

4．点用笔尖或笔肚，在画面按出大小不同，形状不一的点，点的时候要注意疏密变化。一般用来点树叶等。

5．扫把笔的水色吸干，使笔锋散开，使笔的侧面能接触纸头，动作要轻快，这样可以做到所需要的粗糙效果。适用于画枯石、枯树和动物皮毛。

6．洗在水彩画中称“洗涤法”。把笔洗净并吸干水分，趁画面未干时，吸去被洗部分的水分和颜色。这称为湿洗。在作品完成干了之后，为改正各种缺陷，这称之为干洗，这些方法适应表现烟雾、蒸汽、高光和流水等。

7．刮用笔杆或小刀刮出线条来。如需深线，则趁湿用笔杆刮。如在深色上需画淡色的线条，必须等底色将干还没干时用小刀或笔杆刮。这种方法适应表现淡色或深色的细树枝、杂草等。

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