作者：张建成
出版社：伊犁人民出版社
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美术比赛组织活动读本试读：
前言
党的十八大报告提出了到2020年全面建成小康社会的宏伟目标。其核心是“全面”，即追求多领域协同发展、不分地域、不让一个人掉队、不断发展的全面小康；其内容是“五位一体”，即建成经济、政治、文化、社会、生态文明的全面小康，是不可分割的有机整体。
小康生活，是广大人民群众梦寐以求的幸福生活；而小康社会，则是我党苦苦奋斗、孜孜追求、一心想为广大人民群众创造的一种幸福社会。经过全党和全国人民的共同努力，经过三十多年的改革开放，我国人民生活总体上达到了小康水平，我国进入了全面建成小康社会，并加快推进现代化建设的新阶段。党中央提出的全面建成小康社会的奋斗目标、基本任务和总体要求，为全国人民描画了今后的幸福生活，这是全党的共同任务，也是广大人民群众义不容辞的责任。为此，特推出“共享小康生活”系列读物，旨在广大人民群众提高自身素质，共建小康社会，共享小康生活。
要建成小康社会，享受小康生活，首先要过上平安健康的生活。常常可以看到，有些人和家庭因为安全或健康出了问题，导致整个人生和家庭都不幸，因残疾而穷困，因病痛而潦倒，同时也给社会增加了很大负担。还有些人涉黄、涉赌、涉毒、涉黑等，有些人被骗、被盗、被暴力侵害、被传销坑害、被邪教毒害等，从此陷入人生和家庭的不幸。这些都与建成小康社会背道而驰。小康生活就是要把“平安是福，健康是金”的理念转化为现实。“共享小康生活”之“安全预防与平安生活”读本，主要介绍交通出行、用电用火、网络生活、运动锻炼、食品卫生、疾病预防、劳动防护、黄赌毒黑、社会治安及自然灾害等方面的预防知识，悉心告诫，关怀备至，是教导广大人民群众安全每一天、幸福每一刻的最好读本。
要建成小康社会，享受小康生活，就要创造社会新风尚，过上有文化有品位的幸福生活。常常可以看到，有些人吃饱了、穿暖了、有钱了，但仍然过着封建的、落后的、愚昧的、腐败的、丑陋的生活，这不是真正的幸福生活，不是小康生活的内容。小康生活包括文化内涵的建设，要体现出民风淳朴、文化品位的时代新风貌。“共享小康生活”之“社会新风与文化生活”读本，主要介绍对联与文书写作、谜语与猜谜游戏、岁时与节气知识、民间剪纸与年画、春节与除夕庆祝、元宵节与灯会、清明节与祭祀、端午节与龙舟、中秋节与赏月以及现代婚丧喜庆等文化知识，民风习俗、节日庆祝，与广大人民群众息息相关，是发扬传统、建设时代文化的普及读本。
要建成小康社会，享受小康生活，就要培养健康的兴趣爱好，享受高雅的休闲娱乐生活。常常可以看到，本来应该高雅享受的休闲娱乐，却被有些人搞得庸俗不堪和声色喧嚣，有人有钱就任性，有人得势就放纵，这最终都是腐败堕落的滑梯。这些与小康生活是格格不入的。小康生活包括自身素质的提高和兴趣爱好的培养。“共享小康生活”之“休闲娱乐与健康生活”读本，主要介绍歌咏、器乐、美术、书法、舞蹈、口才、曲艺、戏剧、表演、游艺等知识，是指导广大人民群众培养休闲娱乐爱好的最佳读本。
要建成小康社会，享受小康生活，就要养成文明的道德行为，不断丰富自己的精神世界。常常可以看到旅游行程中诸如随地吐痰、乱写乱画等不文明的行为举止，不仅国内有，而且还有丢丑到国外的。这些根本不是小康生活的具体表现。小康生活包括行为文明建设和精神文明建设。“共享小康生活”之“休闲娱乐与健康生活”读本，主要介绍阅读、科普、健身、娱乐、游戏、旅行、环保、收藏、棋艺、牌艺等内容，是帮助广大人民群众增强文明行为、提高精神生活的最优读本。
总之，推出本套“共享小康生活”系列读物的目的，是使广大人民群众人人都投身建设小康生活，成为小康社会的建设者，也让广大人民群众人人都能很好地享受小康生活，成为小康生活的享受者，实现2020年全面建成小康社会的宏伟目标。
本套系列读物图文并茂、通俗易读，非常适合广大读者和有关单位机构用以指导现代家庭、社区以及新农村建设。同时，亦适合各级图书馆收藏和陈列。编者2015年7月
美术比赛活动指导
美术的定义和种类
美术的定义美术指运用一定的物质材料，通过构图、透视、用光等艺术手段，在一定的空间中塑造直接可视的平面形象或立体形象的艺术。它是反映社会生活和表达艺术家思想感情的一种艺术形式。
由于它塑造和描绘的是具体的、人们借助视觉可以感觉到的实际物象的形状外貌，这样对象的外形便是美术的基础，造形是美术的特殊功能，所以我们现仍称它为造型艺术；还由于美术形象是在空间二维或三维中展开，所以人们也称它为空间艺术；又由于美术所塑造的艺术形象是客观事物视觉形象的构成因素，人们欣赏时也是通过视觉感官感受到它的形象的，所以，美术又称视觉艺术；从它存在的方式看，它是静态艺术。
造型艺术（美术）作为四大艺术形态之一，与语言艺术、音响艺术、表演艺术一样，都属于社会意识形态的艺术。它既具有社会意识形态的一般规律和艺术的一般规律，又具有自身造型艺术的特殊规律。美术的特殊性，就在于它是人工塑造的静态视觉艺术，它是美术家用一定的物质材料和工具，塑造可视的平面和立体的形象来反映生活和理想的艺术。美术的种类
美术主要包括绘画、雕塑、工艺、建筑、书法、篆刻、设计、新媒体和摄影等类型。每个门类又可以根据表现的题材和使用的题材，再分成若干小类。
绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式，它是指运用线条、色彩和达·芬奇作品形体等艺术语言，通过造型、色彩和构图等艺术手段，在二维空间里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、壁画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、油画、吹画、插图等。
不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。
绘画的工具和材料
国画的工具和原料国画的工具主要有笔、墨、纸、砚等。
1.笔。
指毛笔。毛笔以其笔锋的长短可分为长锋、中锋和短锋笔，性能各异。长锋容易画出婀娜多姿的线条，短锋落纸易于凝重厚实，中锋则兼而有之，画山水以用中锋为宜。
2.墨。
常用制墨原料有油烟、松烟两种，制成的墨称油烟墨和松烟墨。油烟墨为桐油烟制成，墨色黑而有光泽，能显出墨色浓淡的细致变化，宜画山水画；松烟墨黑而无光，多用于翎毛及人物的毛发，山水画不宜用。
3.纸。
中国画在唐宋时代多用绢，到了元代以后才大量使用纸作画。中国画用的纸与其他画种不同，它是以青檀树做主要原料制作的宣纸，宣纸产于安徽泾县，古属宣州，故称宣纸。
4.砚。
我国最有名的砚是歙砚和端砚。歙砚产于安徽歙县，端砚产于广东高要县。一般书画选择各地产的砚台可以了，选择砚台就主要择其石料质地细腻，湿润，易于发墨，不吸水。砚台使用后要及时清洗干净，保持清洁，切忌曝晒、火烤。
5.颜料。
传统的颜料有矿物性颜料和植物性颜料两大类。
矿物性颜料从矿石中磨炼出，色彩厚重，覆盖性强，常用的有石绿、石青、朱膘、赭石、白粉等。
常用的植物性颜料有花青、藤黄、胭脂等。
6.其他工具。
除了上述的工具之外，尚需准备相关的用具：（1）调色（储色）工具：以白色的瓷器制品较佳，调色或调墨应准备小碟子数个，储色以梅花盘及层碟较理想，不同的颜料应该分开储放。（2）贮水盂：盛水作洗笔或供应清水之用，亦以白色瓷器制的较佳。（3）薄毯：衬在画桌上，可以防止墨渗透将桌面沾污。铺纸后，画面也不易被笔擦坏。（4）胶和矾：上石青、石绿、朱砂等重色时为防止颜色脱落，可用胶矾水罩上。矾有粉末状和块状，胶则有瓶装的液状鹿胶与条状或块状的牛胶、鱼胶、鹿胶等，最好备置一套杯、酒精灯，以便融胶调兑清水。油画的工具
油画作画方法多样，其工具也有异同。随着油画艺术的演变，使绘画工具不断改进。总体而言，常使用的工具如下：
1.画箱。
用来装颜料、画笔、调色板及调和剂等绘画材料的工具箱。多为木质，有三条可伸缩开合的腿，用作室内绘画和外出写生。
2.画架。
用来固定画幅。根据画家需要，室内画架可以使画幅上下前后移动；折叠式画架用于野外写生。画架又可以和画箱或画桌结合在一起——画箱式画架。
3.画桌。
室内作画时用来摆放调色板、颜料及其他用具、物品等。专业画桌具备多种功能，能自由移动和调整高度的为最好。
4.画凳。
室内画凳可调整高度，外出写生用画凳可折叠。还有一种能上能下的梯形画凳，用于绘制大型油画。
5.画笔和画刀。
画笔有不同的笔型和大小型号，分动物毛和人造毛两类，用于调色和画面着色。画刀有多种造型，主要用来调色、作画、刮色、清理画板等。
6.调色板。
有长方形和椭圆形两种，用于调色及摆置颜料。
7.油壶。
用来装调色油、松节油等调和剂。底部装有弹簧片的小油壶可夹在调色板上。
8.洗笔器。
用于洗刷或搁置带颜色的画笔。
9.砂纸或浮石。
作底子时用来打磨画布。
10.木炭、铅笔、橡皮和油画棒。
用来起画稿。
11.板刷和刮板。
用来作画布底子。
12.大理石板和研磨杵。
用于研磨油画颜料。
13.其他工具。
此外，烧杯、瓶子、金属盒、金属罐等各种容器以及尺子、剪刀、钳子、胶带、夹子、天平、铜臼、电吹风、喷枪等都能派上用场。
学习美术的正确方法
美术，指占据一定平面或空间、具有可视形象以供欣赏的艺术，也叫造型艺术、视觉艺术。美术的主要学习方法是多看、多想、多问、多画，理论与实践相结合。
多看就是在学习过程中多欣赏、揣摩国内外的大师作品，提高审美水平，学习绘画技巧，树立画画的高标准；
多想就是针对理论与实践，考虑如何做才能提高画画水平，让画面达到更高的一个境界；
多问就是多与美术前辈、同行探讨交流理论知识、绘画技巧、学画心得。
多画就是通过临摹、写生、默画相结合的方法，勤学苦练，学好美术基础理论知识，练好美术基本技能。除此而外，学习美术还应该注意以下几点。培养正确的学习方法
培养正确的学习方法，也就是建立在对物体的深入理解上。我们画素描要懂得素描的基本要素，如形体、比例、结构、明暗调子、质量感和空间感等。
这些名词看起来好像不难，但具体的操作却是不容易的。初学者在短时间内也可完成一幅肖像，但画面简单空洞，而受过良好素描训练的人却可表现得深入而丰富。因为视觉上的敏感不同，感觉到的内容就会有差异，后者可以抓住物体的本质，能够概括简洁、明确肯定地表达对象的特征。建立良好的整体意识
整体意识的建立在绘画领域中是一个很重要的因素，对学画者将来的绘画发展产生很大的影响。无论是从事何种绘画创作，都要涉及这个问题。对于初学者来说，一方面是加强对整体意识的理解，另一方面是在观察和表现中关注整体关系，克服注意力局限在某一个点上的不良习惯。
培养整体意识可从观察事物入手，多观察多比较，这样才能明确各个事物之间的关系，以便更好地把握整体。从整体到局部、从局部再到整体，贯穿于整个作画的过程中，反复比较，培养局部与整体关系的能力，建立良好的整体意识。建立形体的体积意识
把握形体、表现体积感和空间感，是基础素描另外一个重要因素，不但要明确物体的形状、比例、大小，同时还要克服平面描绘，对造型要有最基本的理解和掌握。
没有体积空间意识，就不能养成对体积空间的观察习惯，更不能表现好空间关系。对空间的表现是绘画的基本能力。
表现力在素描教学中是很关键的。有了敏锐的观察力，还要建立整体意识和体积空间意识，因此要实现这些还需要有表现的能力。做好素描的基础训练
素描是表现或再现对象的最基本的绘画形式。
素描作为学习绘画的方法和手段，必须掌握形体构成因素和结构，理解光影色调，理解边缘轮廓线和明暗交界线以及对节奏的感受。素描相对色彩而言更具理性，特别是基础素描的训练。
用理性指导观察，用观察丰富理性，把素描建立在理性的认识上，从而达到素描的完整性。以上就素描教学中的一些较为突出的要点进行分析理解。绘画是一门技巧课，必须从实践中获得飞跃。
所以动手实践是非常重要的，有了量的积累，才能得到质的飞跃。
国画的学习指导
国画的起源和发展
国画的起源国画在古代没有确定的名称，一般称为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。
国画的起源可以直溯到距今七八千年之前的新石器时代。
原始制陶人画在新石器时代彩陶上的纹绘是最古老的绘画创作。起初表现的仅是原始朴素的理想和生活，以及为上层社会政教服务，同时也反映各时代跌宕的社会风貌与世俗的生活图景。
在这漫长的历程中，直到人类在劳动过程中创造了实用器物和建筑物，并在上面作装饰布置的时候，才注意到对于画面的利用，人们在上面所绘制的装饰图像，便开创了最初具有画面构图意识的先河。
根据史料上记载的以伏羲氏画八卦、黄帝画制服、舜妹嫘氏绘影像为最早。早期的绘画经匠人的再造，刻在料上、青铜器上及绘在陶器上。
两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画也在此时萌芽。这一时期，画家们对绘画开始自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。
隋唐时期，社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。
五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。
而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。
元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿，距离时代和生活愈去愈远。国画的发展
中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念以及继承民族绘画传统的文化环境中出现了流派纷呈、名家辈出、不断改革创新的局面。
五四运动以后，主张革新的画家们纷纷响应新文化运动的号召，通过变革传统中国画来创造出适应时代需要的新美术。在这一变革过程中，一部分画家积极引进西方美术的写生、写实方法，在20世纪初形成了学习西方绘画、兴办美术学校的热潮。
20世纪开拓者从突破传统笔墨程式的角度，大力提倡到自然中写生，主张减弱“写”的用笔方法，突出“画”的自由表达特性，力图在中西绘画之间学一种新的创作道路。
这一时期的中国画家，更加关注具体形象特点的深度刻画，更加突出对自然景物表现的个人感受。这些创新探索，与当时中国新文学创作所提倡的“白话文”“自由体诗”一样破旧立新，开辟了与五四新文化精神相呼应的中国新美术变革的道路。
具有千年传统的中国画，经过20世纪的变革历程。在“中西融合”与“借古开今”两大创新追求的推动下，产生了历史上前所未有的丰富多样的新风格，以独特的现代品格立于当代世界美术艺术之林。
国画的种类和特点
国画的种类中国画是具有悠久历史和优良传统的民族绘画，在长期的历史发展中，中国画形成了不少分科，概括而言，主要有人物、山水、花鸟、界画。
人物画是以人物形象为主体的绘画，主要包括道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。战国时代，我国就出现了成熟的人物绘画，并达到了较高的艺术水平。
人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。
山水画是以描写山川自然景色为主体的绘画。隋唐时期，我国山水画已成为独立的创作；至五代、北宋时期，山水画日趋成熟。中国山水画依技法和设色可分为水墨、青绿、金碧、浅绛、淡彩等形式。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。
花鸟画是以描写花卉、瓜果、竹石、鸟兽、虫鱼等为主体的绘画。花鸟画的肇始很早，新石器时代的彩陶上、殷周时代的青铜器上，就有许多花草、虫鱼和龙凤之类的图案纹饰。传统花鸟画依题材可分为花卉、瓜果、翎毛（禽鸟）、走兽、虫鱼等类型。花鸟画的画法大致可分为两类：工笔花鸟；写意花鸟。表现的方法有：白描、勾勒、勾填、没骨、泼墨等等。
界画是指以宫室、屋宇、亭台楼阁等建筑物为题材，而用界笔直尺线的绘画，也称“宫室画”“台阁画”或“屋木画”。界画创始于隋代，最早界于人物山水之间。
东晋顾恺之的《论画》中有我国关于界画的最早记载，但自元代之后，主流文人画家斥精细工巧的风格为画匠之末流，使界画地位逐渐降低。此论在明清成为画坛风气，画人唯恐被称为匠气，使界画无人问津，日渐衰微，及至近代竟成绝响，此为绘画史上的一大遗憾。国画的特点
相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特点。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。它讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。
中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好地表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。
西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫作散点透视或多点透视。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。
在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。
一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则钝，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。
而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造形体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。
用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓淡相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍淡与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。
笔墨二字被当作中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。
中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉末，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。
国画的工具和材料
国画的纸中国绘画的底子，一为织物，一为纸。中国画在唐宋时代多用绢，到了元代以后才大量使用纸作画。
中国画用的纸与其他画种不同，它是以青檀树做主要原料制作的宣纸，宣纸产于安徽泾县，古属宣州，故称宣纸。
宣纸又分为生宣、熟宣和半生熟宣。熟宣纸是用矾水加工制过的，水墨不易渗透，遇水不化开，但和其他纸张的效果也不一样；可作整细致的描绘，可反复渲染上色，适于画青绿重彩的工笔山水。
生宣纸是没有经过矾水加工的，特点是吸水性和渗水性强，遇水即化开，易产生丰富的墨韵变化，能收到水晕墨章、浑厚化滋的艺术效果，多用于写意山水画。
熟宣作画容易掌握，但也容易产生光滑板滞的毛病；生宣作画虽多墨趣，但渗透迅速，不易掌握。故画山水一般喜欢用半生半熟宣纸。半生半熟宣纸遇水慢慢化开，既有墨韵变化，又不过分渗透，皴、擦、点、染都易掌握，可以表现丰富的笔情墨趣。另外可以代替宣纸作画的纸还有东北高丽纸、四川的夹江宣纸、江西的六吉纸等等，其性能接近于半生半熟的宣纸。国画的墨
墨是中国画主要工具材料之一。墨的种类与性能，较为繁复且具多种功用。大体上可分为松烟墨和油烟墨两大类。常用制墨原料有油烟、松烟两种，制成的墨称油烟墨和松烟墨。油烟墨为桐油烟制成，墨色黑而有光泽，能显出墨色浓淡的细致变化，宜画山水画；松烟墨黑而无光，多用于翎毛及人物的毛发，山水画不宜用。
挑选墨首先看其色，墨色发紫光的最好，黑色次之，青色又次之，呈灰色的劣墨不能用；然后听其音，好墨扣击时其声音清响，研磨时声音细腻，劣质的墨声音重滞，研磨时有粗糙响声。磨墨要用清水，用力均匀，按顺时针方向转慢磨，直到墨汁稠浓为止。作画用墨要新鲜现磨，存放过久的墨称为宿墨，宿墨中有浓缩后的渣滓，对作画有影响。国画的笔
笔是绘画和书法的主要工具。现在木工所用的蘸墨的竹片，实际上是古代所用的原始竹笔。笔毫一般用羊毛、兔毛、黄鼠狼尾毛、鸡毛、鼠毛、马尾、鹿毛、豹毛、石獾毛等毫发材料制成。此外，还有一种以软毫与硬毫合制而成的介于软硬之间的笔，称为兼毫。书画家可根据各自的习惯喜好和绘画风格，选择得心应手的笔挥毫书画。毛笔以其笔锋的长短可分为长锋、中锋和短锋笔，性能各异。长锋容易画出婀娜多姿的线条，短锋落纸易于凝重厚实，中锋则兼而有之，画山水以用中锋为宜。
根据笔锋的大小不同，毛笔又分为小、中、大等型号。画山水各种型号都要准备一点，一般“小山水”小狼毫、“大山水”大狼毫各备一支，羊毫笔“小白云”“大白云”各备一支，再有一支更大的羊毫“斗笔”就可以了。新笔笔锋多尖锐，只适于画细线，皴、擦、点擢用旧笔效果更好。有的画家喜欢用秃笔作画，所画的点、线别有苍劲朴拙之美。国画的砚
砚，是人们熟悉的磨墨工具，砚的品种十分繁多。以其质地分，有玉砚、陶砚、澄泥砚、漆砚、瓦砚、金银铜铁砚、瓷砚以及广泛运用的石砚；以其产地分，有端州砚、歙砚、洮州砚、青州砚、温州砚、信州砚等40多个品种。
其中产于歙县的歙砚、广东的端砚、甘肃的洮砚、虢州的澄泥砚号称中国“四大名砚”。其优点是，色如碧云，声若金石，润如璧玉，坚硬耐用，发墨细腻，贮墨耐久，琢式精巧，既有使用价值，又有其艺术价值。砚使用一段时间后，残墨积得太多，应先用水浸泡，再洗除墨垢，保持砚台清洁。国画颜料
颜料是绘画的重要材料之一。主要分为天然和人造两类。天然颜料多为矿物性的，如朱砂、石绿、朱膘等。人造颜料种类很多，包括无机和有机物质。无机物质的有钛白、铭黄；有机物质的如不溶性酞菁及甲苯胺红等。
中国画颜料早在新石器时代的彩陶工艺上就开始使用，后至汉魏的帛画、壁画等绘画的发展，对于颜料的运用更加广泛。
不过，唐代以前多以矿物颜料为主，唐以后因植物颜料随染织业的发达而逐渐用以绘画。及至五代，颜料种类尤为复杂，但一部分化学颜料不及古代天然颜料之能时效持久。现代中国画颜料有块状、粉状和管装等，使用起来较为方便。国画载体
中国字画可写在纸、绢、帛、扇、陶瓷、碗碟、镜屏等物之上。常见的有下列几种。
绢本。将字画绘制在绢、绫或者丝织物上，称为绢本。古画卷本虽多，但易被虫蛀，亦被折损，反而纸本更易保存。绢本看起来较名贵，但底色不及纸本洁白。由于绢本绘画前准备工夫较多，故不及纸通行。
纸本。中国字画用纸大致可以分为两种，一种容易受水的是生宣，生宣加了矾水就不易受水，是熟宣。
壁画。古人在墓穴、洞穴、寺壁、宫廷等绘制大幅壁画，不少的壁画遗留至今，成为国宝。
折扇。古人扇画多较细小，以便携带。但现代人多用巨型扇画做室内装饰物，所以较古人更为实用。
圆扇。圆扇多呈圆形或椭圆形，面积不大。但也有绢本、纸本之分。古代宫廷用的大扇或者掌扇，大至高与人齐。
陶瓷。花瓶、杯、碟、镜屏等器皿，亦有字画制作，所用颜料及制法不同，但字画原理及欣赏不变。
器皿。除瓷器外，如日历、灯罩、鼻烟壶甚至现代领带及衣物等，亦有以字画作装饰，而且十分流行，别具一格。西方盛行的圣诞卡等，用中国字画作图案者甚为普遍。
国画常用的绘画技法
工笔画绘画技法工笔画工整秀丽，造型严谨，形神兼备，真实感较强。工笔有白描、工笔淡彩、工笔重彩、没骨工笔等几种形式。白描是以线为主要表现手段的画法。
它是依靠线本身的粗细、刚柔、方圆等变化来表现各种物象的质感和线条的笔感情趣。
淡彩在色彩运用上，有着独特的规律和方法。淡彩强调典雅、单纯、朴素、纯净的美。画幅以墨为主，略施淡彩。
重彩用色较淡彩用色浓重、艳丽、华贵，给人以富丽堂皇之感。重彩一般均采用积染套色的方法，所谓“三矾九染”。每遍施色要薄，数遍之后，加染一遍胶矾水，以固定画面上的颜色，其效果也显得厚重、沉着。重彩可分勾染法，勾填法两种。勾染法多以植物色积染套色。勾填法则均以矿物色打底，然后再采用勾染法。
没骨工笔一般不需勾墨线，而用颜色直接关染。关染时采用磁染法，而不用积色法。
碰染也叫撞染，是用两支毛笔，分别蘸上两种颜色，从不同方向染起，中间相碰，形成颜色自然相接，如绿色的叶子，先以深草绿染叶根。再以淡草绿染叶尖，当深浅草绿相碰时，自然形成深浅相间的草绿色。另外，没骨工笔还有注水、注色与注粉的方法，工笔画家陈之佛多用此法。工笔画人物技法
起稿，先用铅笔或木炭条在图画纸上认真、准确地把人物造型画下来，注意人物形与神的刻画，用线条要准确、肯定。再将草稿拷贝到宣纸或矾绢上，然后再把拷贝好的宣纸或绢绷到一块尺寸大小相同的画板上。
落墨，落墨时以深浅不同的墨色，按人物和其他物象的结构关系及质感、立体感的要求，用不同的线勾出。从线和墨的运用上，就把人物的皮肤和衣服的质感表现出来了。
分染，为了表现人物的质感与立体感，可以根据物象的结构关系和固有色进行分染。也可以采用些光影效果，以增加表现力，为下一步的统色打下基础。
统色，根据物象及人物各部位颜色的不同，平涂罩染即可。用笔要求比较单纯，对比要鲜明，但一定要注意画面整个色调的处理。另外，在正式平涂罩染前，可先画一个色彩稿，然后再正式着色。衣服、背景和其他道具因面积大，则应用大笔渲染、着色、整理，颜色基本完成后，再根据画面的需要，局部用色或墨勾一次，如头发、眼后等。工笔花鸟画技法
起稿，先以木炭条定出大的运动线、简略的布局安排以及结构处理，后以铅笔详细地画出各局部的具体结构与动态，要交割清楚，不可含糊。铅笔稿按正稿要求勾成重墨线，然后把铅笔线擦掉，即为底稿。制正稿时，将熟绢或熟宣纸蒙在底稿上。用宣纸轻轻擦一擦，以便容易落墨。
一般情况下，浅色花以淡墨勾，深色花及叶子均以重墨勾。分染时可用两支笔，一支蘸色，一支蘸水，分染要适当留出空白处，以显示下一步骤统染的颜色。如染遍数较多，中间可夹染一次胶矾水。
罩染也称统染，一般情况下，把所需要的色调好，要轻、要匀，染的次数不宜过多，最忌反复涂抹。最后是收拾画面，调整关系，其中包括点花蕊。工笔勾染的点蕊，一般叫“立粉”。花蕊的颜色要浓，点的粉要立得住。点蕊的原则是浅色花配深色花蕊，深色花配浅色花蕊。其目的在于造成色彩的明度反盖，起到点睛的作用。写意绘画技法
写意有小写意、兼工带写、大写意之分。但一般画法并不是截然分开的。小写意是写意的一种，其特点是简练概括，强调笔墨趣味，在形神关系上，它不求惟妙惟肖而注重“以形取神”，部分摆脱了形的约束。
小写意着重整个画幅的整体气势，而工笔则着重结构的交割。但这也不是说小写意可以不要形似，而是和工笔的要求不同罢了。兼工带写是小写意与没骨工笔之间的一种画法。有时也采用一些工笔的画法，也可采用粗画细染的方法，即采用大写意泼墨粗画，再以工笔的烘染法细染收拾，放而不野，细而不腻。
大写意是在小写意基础上，进一步削繁成简，更为简括洗练。写意画一般采用先墨后色的方法，常用的技法有泼墨法（墨或色）、破墨法、积墨法和宿墨法。写意人物画技法
因性别与年龄的不同，画法也略有不同。一般的画法是头部可用浓墨，也可用淡墨，也可浓淡并用，这要依据具体人物与环境而定。
在勾勒面部与五官时，可按结构，也可略微结合一定的明暗关系来处理。勾画后，可稍以淡墨渲染，如眼角、眼眶、鼻底、嘴角、唇中线、下巴等处，渲染以少为好，不要留笔触。
人物的手、足较为难画，尤其手更难一些，画时只要抓住指尖、指中关节及基部关节等处的基本形，手指就可画好。同时注意性别、年龄、质感的不同。如女性的手，柔软而有弹性，男性的有力、沉厚。脚的画法，基本上同手的画法一样，但用笔可比手更粗实些。
衣服画法，浅色衣服，用勾勒法。深色衣服，用没骨泼墨法。用勾勒法时，较薄织物，用线可略细些，坚挺些；较厚织物，用线较粗壮些。这样可表现出不同质感，要注意表现结构的衣纹。不是结构衣纹，可大量省略，同时要注意衣纹的组合与疏密关系。
着色，以墨为主，以色为辅。人物画的色彩，基本上用浓淡的固有色。女性以朱磦为主，男性以赭石为主，面色白些的可适当调粉。写意人物着色，一般情况下，水分宜大些，色彩淋漓渗化，使色墨融为一体。写意花鸟画技法
一般情况下，写意画采用先墨后色的方法，即先用墨来画，再赋色完成。深颜色的花，可用颜色直接画；浅颜色的花，可以先勾墨笔，然后赋色；枝干用笔就需要不同的笔法处理。
草木柔软娇嫩，宜用中锋。苍老枝干挺拔苍劲，宜用侧锋或逆锋。叶角有互生、对生、轮生之分，形状有大小、宽窄、长短、多少的不同。故画叶时，要根据叶的生长规律和结构。可以用墨画，也可以用颜色画，同时也可以色、墨混合画。
写意画鸟，大多采用以墨或色直接点染，或者用墨打好底色而后着色的方法。其步骤，可先从头部画起，再依次画背、翅、尾、胸腹、爪。也可先从背部画起，再画翅、尾、胸腹，最后画头部，再添画爪子。山水画绘画技法
唐朝以前，山水画中的山石是“空勾无皴”的。到唐末、五代、北宋时期，山石才有皴，这是山水画一大发展。前人对自然界的山石经过长期的观察、体验和积累，终于总结出表现山水纹理、质感、体面关系的造型手段——勾皴方法；经过历代画家的艺术实践，这些方法又在不断发展充实着。
传统的画法种类繁多，常见的皴法有：披麻皴、折带皴、米关皴、斧劈皴、拖泥带水皴等。
勾皴的用笔可分为中锋、侧锋、逆锋。要注意穿插交错，疏密聚散，长短曲直的变化。擦是不带笔触的皴，在用笔时，要注意虚实关系处理，并增强山石的“厚重”感。
点的用笔要注意节奏，要有大小、快慢、横竖的变化。染，可以用淡墨染，也可用淡彩染，要做到墨不伤笔，墨不碍色，色不得墨，墨中有色，色中有墨，互相配合，相得益彰。
但在实际作画中，也不能过于机械地照此程序去做。画法步骤往往是交替进行的。应以所要表现的物象特点为依据，灵活地进行画面处理。指画绘画技法
关于指画艺术，因具有它自己的特点，所以在技法表现上，亦与毛笔画有所不同。
作画的指头，指甲不宜过长，也不宜过秃。指甲过长，运用时则有碍于指向，只可全用指甲，而不能兼用指向，所做的线条，往往不能圆浑。指甲过秃只可全用指向，不能兼用指甲，则无助于指力，所作线条浮、软弱，不见滑力。
指甲与指向两者必须相辅而相成，使能达到圆浑沉着而有骨力的效果。指画的用指，最常用的是食指，食指着纸，不是甲背，也不是罗纹的前端，而是用指头前端的左、右侧面，甲肉并下。
除用食指以外，小指与大指亦常常应用，小指多用指甲作细线。与大指食指稍异，所作线条略比食指的所作线条稍细。除以上大小指及食指以外，中指及无名指是不常用的。然而有时画泼墨破荷叶等，可食指与中指、无名指合并应用。
指画用墨一般来讲宜用大焦墨、大湿墨、大泼墨以及枯墨淡墨等。指画画大泼墨时，用指蘸墨，往往苦于水墨分量太少，可用小杯子，先将调好浓淡的墨水放在杯子内，倾倒于宣纸上，用无名指、中指、拇指三指并用，轻快涂抹，极能得到墨迹淋漓之妙。
指画用破墨法，往往以浓墨破淡墨为多，以淡墨破浓墨为艰难、要学好指头画，还得从毛笔的基础入手，不能只玩玩墨趣。减笔画绘画技法
减笔画为南宋画院画家梁楷所创，他变细笔白描为水墨逸笔，自成一格。“减笔画”，要求画家深入体察所画人物的精神特征，以简练的笔墨、豪放的作风，表现出人物的音容笑貌、精神气质。
如《李白行吟图》就是典型的“减笔”画风格，画家以几笔粗放的线条勾出诗人的身躯，又以轻盈流畅的笔墨刻画诗人的面部，画家力图把诗人豁达的胸襟、豪放的性格表现出来。
减笔画一般多用线来表现人和物。因为线比较明确而又概括，面较易平板，点则易琐碎。“减笔画”即注意于用线，更注意空白，常常不画背景，以空白作为画的对比。
国画工具的使用技巧
国画的用笔技法我国制笔的选料、有柔弱强健不同；笔头的制法，有长短胖瘦之各异，故在书画时各有特色。羊毫圆细柔顺，含水量强，笔锋出水慢，运用枯墨湿墨，有其特长，作画时，调用水墨颜色，变化复杂，非他毫所及。紫毫、鹿毫、獾毫强劲，含水量稍差，笔锋出水快，调用水墨颜色，较单纯，易平板。
学者可依各人习惯与画种不同，选择其适宜者用之。执笔要指实掌虚，笔在指间，可使笔锋上下左右，灵活自如。并须悬肘运笔，则全身之气，可由肩而臂，由臂而腕，由腕而指，由指而直达笔锋，则全身之气力，可由笔锋而达纸面，由纸面而达于纸背。
运笔要点与点相连，画与画相连。点与点连得密些，即积点成线集点成面之理。点与点连得疏些，远近相应，疏密相顾，正正斜斜，缤纷离乱，而成一气。
线与线连得密些，即成线与线相并之密线和线与线相接之长线。线与线连得疏些，如老将用兵，承前启后，声东击西，不相干而相干，纵横错杂，而成整体。使画面上点点线线，一气呵成。国画的用墨技法
墨不是单纯的墨色。它有极其丰富的墨色变化和表现力。我国古代绘画，多五彩兼施；然以丹青为主色，故称丹青。唐宋以后，渐向水墨发展，而以墨为绘画之主彩。如墨之烟质不精良，制工不纯利，虽有好纸笔，在能手运用之下，亦黯然无光，难出佳品。
用墨要注意两点：一是“研墨要浓”。二是“所用之笔与水，要清净”。以清水净笔，蘸浓墨调用，不会出现灰暗无彩的毛病。
画家用墨难于用笔，我国绘画，由魏晋以至隋唐，均以浓墨线为主、吴道子作人物山水也是如此。自王摩诘，始用渲淡，王洽始用泼墨。
然而，笔为画之骨，墨为画之肉。有笔无墨非也，有墨无笔亦非也。画家以笔取气，以墨取韵，以焦、积、破取厚重。
破墨须在模糊中求清醒，清醒中求模糊。积墨须在杂乱中求清楚，清楚中求杂乱。泼墨须在平中求不平，不平中求大平。然而必须注意泼墨、破墨、积墨三者的联合应用，方能神而明之，变化万端。国画的用色技法
我国祖先以红黄蓝白黑为五原色，与西洋绘画的红黄蓝为三原色不同。谢赫六法中的“随类赋彩”。不同的色彩赋有不同的感情，画家往往用色来表达他的感情。
中国画常用的颜色有墨、藤黄、石黄、土黄、胭脂、洋红、朱砂、朱膘、赭石、花青、石青（分头青、二青、三青等三种）、石绿（也分头绿、二绿、三绿等三种）、白粉等。但基本上常用的有洋红、赭石、花青、藤黄。
色彩的爱好，人各有不同：老与少，有不同；男与女，有不同；此地域与彼地域，有不同；此民族与彼民族也有不同。画家应求其所同，应求其所不同。
我国民间艺人配色口诀云：“白间黑，分明极，红间绿，花簇簇，粉笼黄，胜增光，青间紫，不如死。”总之在使用颜色时应做到色不碍墨，墨不离色，既能融合一体，又能显示墨的韵味，才能产生一种淡雅、朴素的效果。国画的用水技法
墨法、笔法虽妙，主要还是由于对“水”的运用所致，没有很好地掌握用水的技法，就不会产生好的艺术作品。
黄宾虹在《画语录》中说：“古人墨法妙于用水，水墨神化，仍在笔力，笔力有亏，墨无光彩。”笔蘸墨调水画在宣纸上才反映出墨色变化，水调不好，墨色无光彩。墨的浓、淡、干、湿都是通过水的调节而形成的。
如齐白石画虾，虾身、虾头、虾脑都是用墨调不同分量的水画成的。作画时某个局部出现过浓、过板时，可随即用一支干净笔蘸些清水于其上进行点画，以便冲开那些不理想的部分，产生一个新的效果，这叫水破墨。
还有墨破水，先把纸用清水刷湿，或在某个局部根据构图需要点点画画，趁其未干时，再以浓、淡墨进行挥毫描绘，这样水墨浑融，自然渗化，运用得当，效果极妙。比如画远山，先以清水打底子，然后以淡墨略加勾皴，显其空灵清雅。国画的用纸技法
画好国画，练好书法，除了需要掌握一定的绘画书法技法外，用纸也是一个非常重要的环节。书画纸选用得当则较易发挥出水平，选用不当则常常事倍功半，因此需要在购买书画纸时认真选择。
画工笔画用哪种纸，画写意画用哪种纸，书法用哪种纸，都有一定的讲究，而且每一个品种的纸都有所侧重。一般来讲，薄纸宜画，厚纸宜书；单宣宜画，夹宣宜书。但这也不是绝对的，还要结合个人的习惯来进行选择。
初学者以选择那些价格比较便宜的书画纸做练习为宜。例如，四川省交江县生产的夹江纸、大千书画宣、白麻纸；河北省迁安县生产的迁安宣、高丽纸；云南省生产的云南宜等。这几种纸属于练习用纸范畴，但也带有生宣纸的特性，对于初学者，可以说既经济又实惠。
如果你的绘画或书法水平较高，又想长期保存作品，那最好选用安徽省泾县生产的特种净皮单宣、净皮单宣或棉料夹宣、棉夹宣等。以上这几种宣纸可以显示出水墨淋漓，出神入化的佳境。
用生宣纸作画就要充分运用生宣纸的特色，大胆落笔，意在笔先，讲求意趣。如用熟宣纸画工笔画，作画前最好先用软纸在熟宣纸上轻轻擦拭一遍，这样纸面更宜吸收墨色。画兼工带写的画宜用半生半熟宣纸，如净皮煮石重宣、净皮豆腐笺等。这类纸既可以勾画出线条，墨色又不至于润得太厉害，比较容易控制笔墨。至于书法，一般常用生宣，这样可以得到墨色鲜亮、笔墨生动的效果。国画的构图技法构图，按中国《画论》的传统说法，叫作布局，或叫经营位置。这样的叫法，明确了这是一个画面安排问题。构图是创作构思在画面上的具象化，即用形象的安排来体现构思的一种构成画面的艺术实践。构图受内容的支配和决定，而内容又需要表现在一定的艺术形式之中，以增强美感。艺术形式有一定的独立性，在一定程度上，它又影响着内容的表现。因此，创作过程也就可以理解为把内容和艺术形式统一在一个画面的过程。构图的方法和规律，源于对客观事物的理解和认识，生活的本质蕴藏着极其丰富的内容和形式美，为创作提供了经营的依据。只要我们在生活中，细致地观察，不断地实践，就不难寻找到新颖的内容和构图形式。
然而，我们也不能忽视对传统构图方法和形式的学习，因为前人在艺术创作实践中为后人留下了宝贵的表现技巧、构图规律和方法。这就要求我们在学习与继承的基础上发扬光大，切忌生搬硬套，使之脱离生活，而成为僵化、无生气的形式和教条。正如石涛所言：“无法则无所措手，有法不能为法所障。”
要想掌握构图方法，就必须探索其原理和规律。只有掌握规律才有普遍意义，才能指导具体的实践。构图规律简单说来，就是事物矛盾对立统一的规律在画面上的具体运用。
诸如：宾主、虚实、开合、纵横、牟让、详略、大小、多少等，都是矛盾对立的双方。而构图就是将这些矛盾对立的双方统一在一个画面里，并达到完美的艺术境界。国画的题跋与用印技法
题跋在国画艺术中占有重要位置，是构图的组成部分，它直接影响着作品的优劣。一般说来，书画、碑帖、书籍前后的题记文字，均可称为题跋。所谓题，泛指书画或书籍的题识之辞。清段玉裁说过：“题者，标其前。跋者，系其后也。”因此后人则把写在书籍、字画、碑帖等前面的文字称为题，写在后面的文字称为跋。
宋代以前的画没有题跋。即使有，也只是在树干、石面等不明显的地方题个名字而已，这就是所谓的“芷款”。题跋这一艺术形式是伴随着文人画的兴起与发展，才逐渐形成和完善起来的。清代以后，题跋更加盛行，并成为画面不可缺少的组成部分。
题跋有芷款与露款之分，也有单款与双款之分。一般常用题法有以下几种形式：
一是横款式。根据中国民族习惯一般由右向左题，字数可多可少，但要求每行字不宜过多。以保持横的形式。
二是竖式。书写的行数不宜过多，以保持竖的形式。其中单行式通称“一炷香”。
三是高低参差不齐的自然式。以上讲的横、竖两式，均应齐头，字尾可参差错落，俗称“齐头不齐尾”。而自然式则可参差错落，这种题法比较自由，但注意不要把字写得太散。
题跋所用的书体，要与画的风格相统一。当然这也不是绝对的。
在题跋之后，往往还要用印。用印有三种作用：一是色彩呼应，红色的印章可以调剂整个画的色彩关系。二是取信于人，书画家用印以表示作品的真实性，鉴赏家盖印以表示作品经过了自己的鉴别。三是“形式美”，用印后，对整幅画来说，又增加了一种形式美感，使画面更加丰富。
油画的学习指导
油画的起源和发展
油画的起源油画是西方绘画中的主要画种，它是指用油质颜色在木板、布、厚纸和墙壁上作的画。初期油画采用一种预制的、含有油与水成分的乳液作画，即所谓“坦培拉”画法。
据传15世纪尼德兰画家凡·爱克兄弟在总结前人经验的基础上，经过反复试验，使油画得到了完善。用亚麻仁油和核桃油为调和剂，使颜料易于调和，便于运笔，同时又可以层层敷设，画面透明鲜亮。油画在文艺复兴时期盛行于意大利和尼德兰、西班牙、德意志，18、19世纪逐渐在英、法、俄各国发展起来，几百年来，经过各国各代画家们的传承，油画技法有了很大的发展变化。油画颜料装入锡管的方法是1824年前后英国人发明的。油画于清朝康熙年间传入中国。油画在中国
康熙年间，传教士郎世宁、潘庭章、艾启蒙等以绘画供奉内廷，从而把西方的油画技法带入了皇宫。雍正、乾隆年间，宫廷的御用人员受命于皇上，向传教士学习油画，但并未留下一些痕迹。到了1840年鸦片战争爆发，中西文化大冲撞，民间的画坊、画馆兴起，画技亦得到了改善。但此时由于画工的地位低微，文化素养也有限，使他们的作品未能进入文化的高层次，形成一个独立的新文化。
清末维新变法后，许多青年学子先后赴英、法、日本等国学习西洋油画，这些人归国后带来了西方及日本先进的教学方法及理念，如1911年西洋归国的周湘创办了中国第一所美术学校；1912年刘海粟创办了上海图画学术院，并第一次起用人体模特写生；1919年任教育总长的蔡元培先生倡导开办了第一所国立美术学校北京美术学校等。这一时期的主要三个画派分别为：以徐悲鸿为代表的写实派，以林风眠、刘海粟为代表的新画派和以庞薰为代表的现代派。
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